Entrevista realizada por Abdul Kader Al Khalil, artista e investigador, para encontrarte.
1.- ¿Qué ha representado para ti el proyecto de encontrarte?
El proyecto de encontrarte ha supuesto para mí todo un reto. Es una oportunidad de poder participar junto con un montón de artistas, para poder dar visibilidad a una problemática concreta. El tema de bebés robados. Una trama durísima, que concentra un dolor enorme en madres y padres, hermanos y familiares.
Es un asunto complicado de difícil solución. No existe ninguna voluntad de querer aclarar, resolver o apoyar a las familias. Es una lucha solitaria, ingrata– muy pocos casos se han resuelto-; los impedimentos y las trabas de las instituciones no ayudan.
Por eso es un honor poder gritar “¿Dónde está mi bebé?”.
2.- ¿Cómo defines tu estilo artístico?
Desde pequeña me ha encantado pintar. Cuando estudiaba en la universidad (estudiando otra cosa) empecé con distintos artistas en sus talleres a aprender, pasando por el Museo de Reproducciones Artísticas de Bilbao con Manuel Balsa “El Ruso” y terminando con Richard. Dibujo, pintura: óleo, acrílico y acuarela. Me he inclinado por la acuarela, el agua, la fusión de los colores, la luz. Richard me hizo enamorarme de la acuarela. Pinto tanto realista como impresionista y cada vez más impresionista.
3.- Todo artista intenta transmitir un mensaje en sus obras, ¿qué deseas transmitir tú en tu pintura?
Me gusta mucho la fotografía, e intento captar “momentos” mágicos. Son sensaciones mías: un rincón de mi ciudad, un juego de luces, una mar en calma o agitada, un paisaje, que luego tiendo a plasmar en un cuadro. Normalmente son lugares reconocibles, que en ese momento tienen valor para mí. Me importa mucho mi ciudad, Bilbao. Cuando era pequeña, no era un lugar amable ni bonito. Ahora está precioso y disfruto pintando sus rincones.
4.- Cuando haces una exposición, ¿qué sensaciones te produce antes de la inauguración? ¿Miedo, preocupación o felicidad? ¿Y por qué?
En parte preocupación, ¿gustará no gustará?, y ese gusanillo de que todo salga bien. El compromiso de que esté toda la obra preparada, bien enmarcada (bien vestida), todo a punto, catálogos, folletos y a partir de ahí a disfrutar.
5.- ¿Has alcanzado los sueños que llevabas al comienzo de tu trayectoria, o te ha defraudado el arte?
Mis sueños están todavía intactos. Mi vida laboral ha transcurrido por otros caminos, una familia a la que he dedicado tiempo, y he pintado, no lo que yo quería dedicarle. Dentro de poco me voy a jubilar y empezarán a realizarse mis sueños.
El arte no me defrauda nunca. Requiere constancia, esfuerzo, tiempo, dedicación. Y hasta ahora no he podido.
6.- ¿En qué te fijas al comenzar una obra, en cómo quedará el aspecto exterior, o en las emociones que puedes transmitir?
Diría que en las emociones que puedo transmitir. Qué sensaciones puede percibir el espectador; en el caso de la acuarela el juego de las transparencias para las marinas, o los colores para transmitir un mensaje, o un lugar con encanto.
7.- ¿Ha podido afectar la pandemia en tu pintura? Y si es así, ¿ha sido para pintar más o menos?
Dentro de una circunstancia tan extraña, a mí me ha beneficiado. Toda mi vida ha sido un sin vivir. No he tenido tiempo para nada. De repente todo se para, nos confinan, y precisamente lo que tengo es tiempo. Para conocer a mi hija, para cocinar, y he pintado relajada y disfrutando.
8.- ¿Volverías a participar en un proyecto como encontrarte y por qué?
Sin dudarlo volvería a participar en un proyecto como encontrarte. Durante toda mi vida me he comprometido en muchas causas, dentro de mis posibilidades y he participado activamente. Donde haya una injusticia y si puedo colaborar, estaré.
9.- ¿Crees que los artistas son privilegiados entre la sociedad, o solo es espejismo?
En el fondo hay de todo. Aquellos artistas que tienen nombre y fama son unos privilegiados. Se les compra por la firma no por lo que hacen. Hay muchísimos artistas que creen en lo que hacen y son capaces de transmitir y generar emociones, que llegan al público y merecen todo mi respeto.
CRÓNICA SOBRE LA OBRA DEAMAIA CADENATO
Amaia Cadenato junto a su obra Dónde estás corazón, para encontrarte
En el siglo XIX el ser autodidacta era un factor de orgullo, ya que implicaba una cierta ruptura hacia los cánones establecidos por las rígidas academias de arte en Europa de entonces. Este aspecto de auto didactismo va a ser también recalcado por algunos artistas formados por sí mismos. Mientras, en el siglo XX esto comenzó a transformarse en un ideal. Pero con doble cara; por un lado, un modo de orgullo para los autodidactas, sin menospreciar a los universitarios. Y por otro lado, no es suficiente ser académico sin amar el arte. “El arte nace y no se hace”. El arte es un don. DaVinci fue uno de los grandes autodidactas, no nos olvidamos de Van Gogh que aprendió el arte mirando lo que hacían sus compañeros, o el gran Munch, o el maestro del simbolismo, el artista Henri Rousseau quien no pintó nada antes de los 40 años. Entre ellos encontramos muestras de toda aplicación, referencias para la reflexión. Para cuando miramos una obra, debemos fijarnos en lo que vemos sin más, ya que el arte lo trabajan en mayor grado los autodidactas.
De esta forma entiende el arte nuestra compañera Amaia Cadenato. Una artista que se hizo a si misma, llevando los estudios de arte en compañía de otras especialidades, ya que el arte es la vida como el pan, pero no se pude vivir de ello. Un tremendo peso el ser artista en nuestra época. A pesar de esto encontramos a buenos artistas que se esfuerzan cada día haciendo bellas obras como las obras de Amaia. Y sus obras nos permiten analizar las consecuencias reales sobre las creaciones. Nadie duda que un académico tiene el don de ser artista al superar los exámenes finales de su carrera, pero quién duda de los exámenes a los que se somete el artista autodidacta cada día de su vida, ya que cada exposición es un examen para ellos.
Varias obras de Amaia Cadenato
Amaia se ha aficionado al arte desde pequeña y su mayor fuente de influencia en el aprendizaje ha sido el Museo de Bellas Artes de Bilbao, No nos debe sorprender, ya que en el pasado vimos a grandes maestros del arte que han aprendido casi todo mirando los museos, tal como lo hizo Pierre Renoir. ”No tengo la culpa de que mis obras no se vendan” dijo Van Gogh. Yo añado: el artista de hoy no tiene culpa de la crisis, ni de que haya muchos artistas en el mundo. Particularmente pienso yo que debería haber el doble de artistas en el mundo, de esta manera habrá más paz y más belleza. Los artistas conservan las bellezas y no destrozan la historia.
Amaia Cadenato es licenciada en Economía y discípula del Profesor Richard. Se esforzó mucho para estudiar las dos carreras y aprendió todas las técnicas del arte. Nos ofrece bellas obras sencillas en su composición y sin ornamentaciones forzadas, eligiendo la técnica de la acuarela. Trabaja sin complejos y sin buscar un estilo diferente, simplemente obras de bella ejecución, utilizando una de las técnicas más difíciles que hemos conocido en el arte y la más antigua, que es la acuarela. La acuarela es un término que etimológicamente deriva del latín “agua”. Es una técnica que ha gozado de gran popularidad ya que era la primera técnica usada en el mundo y sigue siendo la técnica noble hasta hoy, desde antes de los egipcios. El agua es el protagonista y el causante de su transparencia y luminosidad, dos características imposibles de conseguir casi con ningún otro medio.
Una selección de la obra de Amaia Cadenato
Dicho esto, debemos mirar las cualidades de la obra del artista con ojos limpios, es decir, sin preocuparnos sobre si esta realizado con uno u otro material, simplemente comprender su obra.
Es interesante mencionar la transformación que experimentan las obras de Amaia ejecutadas con esta técnica. Se trata del paso de la presentación de un aspecto muy vivo, a pesar de que no coinciden las opiniones sobre la acuarela. Sin embargo, la mayoría de los expertos en la técnica y en el análisis dicen que es la técnica mas compleja. Es la mejor manera para la representación de la luz y de la transparencia del agua. Debido a su condición acuosa, la fusión entre los distintos colores termina dando a la obra una belleza que no se consigue con otras técnicas. Su luz.
El joven y prometedor pintor Santurtziarra, Jon Mao (1978), revitaliza con fulgurante éxito la imagen desus famosos murales del puerto, gracias a la edición de tarjetas postales y puzzles, distribuidas recientemente por comercios de la zona
“Tuve que aprender a bailar con el agua“
Sin querer encasillarse como muralista ni pintor de estudio, necesita de ambas caras para proyectar su personalidad y dar rienda suelta a su inquieta creatividad.Sus encargos y trabajos externos a pie de calle le ayudan a liberar su mente y a simplificar las formas y trazos con vertiginosa destreza e inmediatez.
Se siente afortunado por este tipo de proyectos y considera que debería haber todavía más apoyos para poder acercar el arte a la rutina cotidiana de la gente.
Agradece las exigencias por parte de la mayoría de sus profesores (Alberto Quintana, Ramón Pérez, Manuel Balsa…). Estas actitudes, generadas por la fe ciega en su talento, le han servido para consolidar el camino de un serio y académico aprendizaje; subjetivar la pasión por el arte y superarse día a día.
Se considera un artista eminentemente figurativo. Su arte “bebe” de las fuentes del clasicismo y de la Grecia antigua, pretendiendo en todo momento ser él mismo.
Sus murales del emblemático puerto de Santurtzi (“Bogadores”, “Rederas”) realizados hace ya dos años, con la novedosa técnica de trencadis (cerámica troceada) y combatiendo grandes dificultades -lluvia, frío, cambios constantes de los horarios de las mareas…- suponen la culminación de sendos antecedentes muralistas anteriores (margen derecha) y de experiencias personales (reformas integrales de su casa) vinculadas con la albañilería.
Poco antes de “Rederas” llegaría el de Santa Eulalia, indicando la subida a Serantes y Báñales. Después, el de homenaje a Eskorbuto sobre el muro de Vallejo (Mamariga), muy cerca de donde pasó su infancia. Este último, ha proyectado su fama a nivel internacional, al ser visita obligada en la ruta de los fans de esta mítica banda musical zanturtziarra.
Charlamos y felicitamos presencialmente a nuestro apreciado artista colaborador de encontrarte, justo al día siguiente de su cumpleaños. De sus tarjetas y puzzles, de agradables recuerdos y proyectos pasados; de su vinculación familiar con la música; de esas ilusiones que, en torno a sus premonitorias “Siluetas desoladas”, revolotean ahora como mariposas en su cabeza.
No faltaron tampoco sus consejos para esta inminente época navideña.
¡Pasen y vean!…
De izqu. a Dcha, postales, puzzles y acuarelas de Jon sobre sus murales del puerto
—Hola Jon. ¡¡En primer lugar, Zorionakkk!! Ya te queda menos para alcanzar el siglo…jejejjj Recientemente, tus famosos murales del puerto de Santurtzi vuelven a estar de actualidad con la edición de tarjetas postales y puzzles sobre ellos y el apoyo de gran número de comercios de la zona. Coméntanos, ¿cómo surge esta original iniciativa y cuál ha sido su proceso?
Graciasss!, Ángel. Pues…, la idea surge por otros derroteros… Hace un par de navidades, quise pintar unas acuarelas de estos murales. Posteriormente, teniéndolas como base, se me ocurrió la idea de hacer unas camisetas y empezaron los primeros contactos con una tienda vasca (Photoshop, diseño textil, etc.…). Luego, todo se fue mágicamente encadenando…
Me encargaron realizar el diseño de una camiseta para el equipo de fútbol infantil de la localidad. Un diseño que, al final, gustó tanto que acabó haciéndose para toda la equipación de niños, adultos, etc…
Era un diseño muy artístico; con múltiples matices, degradados…Pero teniendo en cuenta la técnica que pensaba que utilizarían en su impresión final (planchas), en ningún momento imaginé un resultado tan positivo. Cuando al cabo de un año me la enseñaron, me quedé gratamente sorprendido. Lo hicieron con una técnica llamada de sublimación (tinta dentro del mismo tejido y variedad de tonalidades). Algo, que yo desconocía.
Una vez descubierta esta novedosa técnica, encargué las primeras camisetas de mis acuarelas con esta tienda vasca. Jugué con los volúmenes del cuerpo; valorando cosas que antes no me había planteado y contactando con gente dedicada al mundo textil y de la moda.
Simultáneamente, me acordé de esta serie de fotos que había realizado mi amigo el fotógrafo Josu Euba, a modo de archivo o dossier de mi trabajo.
Al ir por las tiendas, me llamaron la atención las fotos antiguas (hasta años setenta) de la ría de Bilbao, y pensé en hacer unas postales parecidas de mis murales del puerto de Santurtzi. Como publicidad de estos trabajos personales, y algo que diera una proyección visual más nueva de esta zona marinera tan emblemática. Y no tardé en pedirle permiso a Josu para poder poner su nombre, en compensación por su esfuerzo en haberlas hecho.
Pero si te digo la verdad, no tuve en cuenta el contexto temporal de la época navideña, ya que no aspiraba a obtener grandes beneficios, sino solo hacer algo que me parecía interesante y de gran utilidad. Ahora, vamos teniendo tanto éxito, que hemos sacado ya la 2ª edición.
Lo de los puzzles vino justo después y fue todo muy rodado…Me llamaron en una inesperada videoconferencia nocturna varios amigos de toda la vida, e ilusionados me lo propusieron.
Me plantearon que podría ser una idea muy bonita y de gran demanda en esta época navideña.
Te confieso, desconocía este tema. Ellos, me pusieron rápidamente al corriente de todo y me aconsejaron un puzzle concreto de 1000 piezas, más destinado a adultos y con grandes posibilidades de demanda. Por lo visto, era el que más solían comprar los aficionados a este entretenido hobby.
Me pareció muy buena idea, pero antes tenía que valorarla. Así que, contrasté toda esa información con otros amigos y comprobé la gran afición que había sobre este tema. Una vez vista su posible viabilidad y las posibilidades reales de venta cara a navidades, me puse en marcha contactando con varias empresas del sector (valorando precios, formato, etc.…). El tamaño 50 x 70 Cms me pareció el más adecuado. Y por casualidades de la vida, terminé encontrando a la mejor empresa, Ravensburger.
Acostumbrados a trabajar con cantidades pequeñas pero muy selectas, eran justo lo que yo andaba buscando. Me ofrecieron una óptima relación calidad/precio e hice un rápido pedido, dado que se me echaban encima las fechas de navidad.
Posteriormente, los difundí en Facebook, antes de sacarlos en las tiendas. Sorprendentemente, se vendieron todos en 48 horas. ¡Yo flipé; todos flipamos! La verdad, ha sido todo de locura. La gente preguntaba en las tiendas, incluso, antes de comercializarlos.
Todo ha sido muy de andar por casa, puerta por puerta. Y no tengo ninguna queja, porque todos los comercios con los que he colaborado se han portado muy bien.
—Durante tu trayectoria, y sobre todo, estos últimos 5 años, la mayoría de tus proyectos artísticos han estado muy vinculados a lo urbano, a la calle… ¿Te consideras un pintor más muralista que de estudio?
Es difícil contestarte; necesito de ambas caras. Recuerdo con agrado al Jon Mao retratista en ferias, retratos en la calle… Estuve más de 8 años desarrollando esta labor en ciudades y pueblos de toda España. Muchos más del Pais Vasco, Pamplona y otras zonas de Navarra…
Esta práctica, me ha dotado de una importante soltura e inmediatez, haciendo retratos a gente que, en general, no conocía.Algo más fácil que retratar a personas conocidas; lo puedes enfocar hacia un lado, con expresión más clara, menos difusa. Con conocidos, hay mucho sentimiento hay metido y se puede complicar todo…
Por otra parte, necesito de esta apasionante ambigüedad (estudio/calle). Pintar en la calle me ayuda a liberarme, a simplificar, a no liarme y ser más inmediato, porque mi personalidad suele tender mucho al recoveco y a seguir muchas veces caminos en los que no tengo ni idea…
Los encargos sirven para refrescar mi mente, crear liberadoras pausas y volver luego a retomar lo que estaba haciendo, mirándolo con otros ojos, con una nueva mirada…Por otro lado, también me agobia esa responsabilidad de pensar no poder llegar a las fechas en las que me he comprometido. Algo necesario para poder seguir viviendo al mes..
—¿Cómo ves el actual panorama del arte urbano?, ¿Consideras que los colectivos y artistas que practicáis esta modalidad necesitaríais aún más apoyos y subvenciones por parte de los políticos e Instituciones (Ayto., Diputaciones, Entidades diversas…)?
Evidentemente, las negativas circunstancias sobre la pandemia son ahora las que mandan….
Por supuesto, que estarían bien más apoyos para acercar el arte a la gente a través del mobiliario urbano y de su rutina cotidiana: decoración artística de edificios, bancos, lugares emblemáticos…
Una pena, que la cultura y el arte sean considerados siempre cosas menos relevantes que otras, y se recorten tanto los presupuestos. La reflexión con el arte es necesaria para el avance de la sociedad. Los cambios de la historia generalmente coinciden con destacadas transformaciones en el mundo del arte…
De todas formas, no seré yo el que critique esto. He tenido bastante suerte en este tipo de proyectos, y me han ayudado en mi supervivencia como pintor. Sobrevivir del arte, hacerte un hueco y vivir de ello es realmente duro y complicado. No es tener un X al mes. Tienes que hacer un poco de todo: murales, encargos de todo tipo, dar clases, etc.…Y, además, sin garantías de nada y siempre sometido a la incertidumbre del riesgo.
Yo, de hecho, llevo impartiendo clases unos 8 o 9 años. Tengo el estudio en un local de mi padre, desde que murió hace ya 14 años. En este sentido, tienes que tener todo muy claro, antes de lanzarte a transmitir conocimientos y que luego los alumnos los apliquen y los sientan.Aprendo mucho dando clases, porque me ayuda a clarificar bien mis ideas.
— ¿Cuáles han sido las principales etapas de tu proceso de formación artística, antes de meterte de lleno en el mundo profesional de la pintura?
En mi caso, no he tenido antecedentes familiares artísticos, a excepción de la música por parte de mi padre. Mi abuelo fue director de orquesta, y mi tío Santi tocaba bastante bien…Estuve en una orquesta hasta los 16 años, tocando los platos, el bombo, y ¡hasta bailando! jejejjj
Esta variedad de gustos musicales quizás ha influido en la música que elijo cuando pinto.Soy bastante ecléctico: clásica, celtica, bossa-nova…Generalmente, melódica y tranquila (Janis Joplin, Amy Winehouse…).
A nivel puramente pictórico, aprendi la técnica desde los 6 hasta los 18 años. Primero, de una manera suave en el estudio de Alberto Quintana, aquí en Santurtzi ( 1984/1996). Mi primer cuadro al óleo fue con 9 años. Y anecdóticamente, empecé esa primera etapa dos años antes de lo que solían dejar, gracias a la insistencia de mi madre, quien siempre vio en mí gran talento para el dibujo.
A los 12/13 años tuve un breve impás de un año. Posteriormente, llegaría mi aprendizaje—exigente, duro, caótico y denso— con Ramón Pérez ( 1996/2002), un profesor de gran pasión e intensidad, pero con el que aprendí muchísimo. Probé todos los temas y técnicas: óleo, acuarela, acrílico, carboncillo, pastel…Fueron años de mis primeros retratos al pastel.
Gracias a Ramón, empecé a sentir por primera vez como pintor; a descubrir “el lodo, los bajos fondos y lo sucio de la propia pintura” …Todo, de una forma tan apasionante, que me envenenó y me provocó también tener gran respeto a este arte. Incluso, a veces, llegando a sentir hasta miedo. Porque lo veía un mundo demasiado grande y complejo como para poder llegar a triunfar. Una situación paradójica, de claroscuros, similar al barroquismo…
Ramón me transmitió la gran importancia del dibujo. Y eso, es lo que a mi realmente me «flipa»: el poder de la forma. Tienes que saber construir para después poder destruir y no quedarte bloqueado ni atrapado por la técnica…
A partir del 2002, me preparé en la Academia de Manuel Balsa, en el Museo de Reproducciones Artísticas de Bilbao (perfeccionamiento del retrato clásico, figura, movimiento…). Posteriormente, desde el 2009, me vuelco de lleno en la participación de concursos de todo tipo, empiezo a dar clases, exposiciones…
2013, mi exposición » Actitudes-Latitudes». Compuesta por pinturas al óleo y con el ser humano como centro de interés…
— Mucha gente te conoce por tus famosos murales del puerto de Santurtzi (“Bogadores”, “Rederas”), pero también tienes otros como el de Santa Eulalia o el de Eskorbuto en la zona Vallejo… ¿Cómo surgen estos proyectos y que técnicas concretas has empleado en cada uno de ellos?
La Concejalía de cultura contactó conmigo porque había ganado durante varios años el premio al mejor pintor local, y además, tenía experiencias previas de otros murales en otras localidades. Influyó también, que mi cuadrilla y yo siempre habíamos tenido una activa participación en las fiestas de este pueblo.
Cuando me lo plantearon, me explicaron que había una fuerte iniciativa popular para hacer un homenaje a » la Sotera». En principio, una escultura. Ante el riesgo de que esta invadiese demasiado espacio, perjudicase en fiestas y limitase el tráfico fluido en la zona central del puerto, optaron por hacer algo interesante en las paredes laterales del mismo. En una zona que siempre había estado muy dejada o abandonada, justo donde había unos arcos de acceso a baños y donde posteriormente hicieron el denominado “Museo del Mar”.
La técnica, ya me vino impuesta porque los responsables municipales lo tenían, desde un principio, todo bastante claro – Danel Bringas, el Concejal de Cultura, venia del mundo de las Bellas Artes-. Y dado que gran parte de la superficie del mural iba a estar habitualmente sumergida, eligieron la técnica del Trencadís (cerámica troceada).
Casualmente, esta propuesta coincidió con la finalización de unas importantes reformas de albañilería, que desde dos años antes, habíamos estado haciendo mi suegro, un buen amigo y yo, en mi casa – tuvimos que tirarla entera-. Esta experiencia. me “vino de perlas” para los murales, ya que, en el fondo, eran también obras de albañilería (hacer masa, colocar fragmentos de cerámica…).
Y como para poder afrontar estos proyectos, necesitaba, al menos, dos albañiles les comenté mi interés en volver a trabajar con ellos. Les expliqué bien todo y les pedí consejos y apoyos técnicos necesarios. Me preocupaba buscar la forma de que el cemento aguantase el salitre, la intemperie y la corrosión marina, al tener que estar el mural tanto tiempo en contacto con el agua.
El primero, fue “Bogadores” (2015). Recuerdo, que lo hicimos en dos meses de intenso trabajo. Empezamos en febrero y lo inauguramos un 29 de marzo. Trabajando todos los días y a un ritmo frenético de unas 6/8 horas. En pleno invierno y con grandes dificultades: cemento a la intemperie; sin tener apenas ninguna cubrición y aguantando cuarenta días seguidos lloviendo, de intenso frio; adaptados a los constantes cambios de mareas…Tuve que “aprender a bailar con el agua”. Cuando la marea estaba baja, aprovechar para hacer la parte de abajo; y cuando estaba alta, la parte de arriba…
Para entender el sistema de trabajo y probar a encajar las piezas, me ayudaron mucho los recortes previos que hice de cartulina. quería establecer conexiones con la pintura, con el cromatismo; como surgen las líneas, para poder luego representar lo que quería en cada uno de ellos.Tenía claro, que el material a utilizar tendría que ser el adecuado para conseguir transmitir esa fuerza implícita en el propio tema: “la lucha del hombre frente a la naturaleza “.
En el de “Rederas” (2018), el mensaje era otro muy distinto: un homenaje a la sacrificada labor de las mujeres en los puertos pesqueros. También, de dos meses de duración, utilice la misma técnica, pero de una forma mucho más depurada. exigiéndome superar la calidad del anterior, y en consonancia con la delicadeza y finura de lo que quería representar: a cuatro mujeres sentadas.
Un planteamiento opuesto a la fuerza de “Bogadores”. Llevar la técnica a este grado de finura y elegancia, fue complejo (tonos de piel más suaves, más cromatismos, variedad de tonos…). Lo inauguramos un día muy especial, el “ V Sardina Eguna”.
El mural anterior al de “Rederas” fue el de Santa Eulalia(jun 2018) Aunque el de “Rederas” ya estaba apalabrado (presupuestos aprobados, etc.…). Son pintados, pero curiosamente, la gente piensa que están hechos con cerámica. Les confunde al ser dos carteles inspirados en los antiguos paneles cerámicos que indicaban los nombres de las calles para ir al grupo Serantes y la subida a Bañales.
Posteriormente, llegaría el de homenaje al mítico grupo punk santurtziarra “Eskorbuto” (2019), en la zona del muro de Vallejo (Mamariga). Muy cerca de donde pasé mi infancia. Fue emotivo hacerlo allí, a escasos metros de la casa de mi abuelo.
La duración fue también de dos meses muy intensos. Desde el 1 julio hasta el 30 de agosto. Se inauguró el 31 de agosto. Trabajando de 8/10h diarias, con papeles de estraza gigantes para trasladar y hacer las líneas del dibujo a carboncillo. Sometido a malas posturas y sufriendo fuertes contracturas musculares, como consecuencia de tener durante tanto tiempo el brazo elevado.
Un trabajo multidisciplinar, que me obligó a tener que rechazar otra oferta planteada por un empresario de reformas de locales (decorar un bar). Pero cuando estás haciendo un mural, no puedes aceptar nada más. Es un reto que te exige mucha concentración e intensidad.
Este es sin duda el mural que mayor proyección internacional me ha dado, al formar parte de la ruta de fans de este grupo cuando vienen a Santurtzi. Vienen gente hasta de Colombia, para hacerse fotos junto a el.
—¿Tenias experiencias previas como muralista en otras localidades?
Sí, a mis 20 años o así. Recuerdo, que estaba pintando retratos en Bermeo, cuando me llamó una chica a la que conocía y me dio referencias de un chico que estaba buscando varios artistas para colaborar en varios proyectos, porque se les estaba echando el tiempo encima.
Fueron 4 o 5 murales: Larrabetxu, Derio, Sondika, zona del Txorierri y Erandio.También tuve alguna que otra experiencia en un colegio de Llodio y varios trabajos para un club de tiempo libre en Barakaldo.
—¿Cómo definirías tu estilo pictórico? ¿De qué influencias “bebe” el arte de Jon Mao?
Las influencias son siempre inevitables. He estudiado a los clásicos y me apasionan Rembrandt, Velázquez, Caravaggio. Pero también, en determinados momentos de mi trayectoria, Peter Doig, Mark Rothko, etc…
Es muy duro el crear. Pero no puedo evitar pretender ser yo mismo… Siempre busco, intento, hacer algo nuevo mucho más personal que lo anterior. Quizás por eso, definirme a mí mismo me cueste tanto. ¡Sería tan bonito poder conseguir que el público distinguiese mi obra! Date cuenta, que yo trabajo de una manera muy particular: la mayoría de mis exposiciones suelen ser siempre especies de colecciones, con mensajes muy determinados, que el paso del tiempo me invita a seguir ampliando desde múltiples vertientes…
Si que es cierto, que tuve una época en la que, por el afán de investigar, dejé de crear y me centré plenamente en estudiar a los clásicos: Caravaggio, Rembrandt, el David del Renacimiento…
Eso sí, a excepción de un par de abstracciones y de haber fantaseado con hacer ciertos murales algo más abstractos, nunca me ha seducido el tema de la abstracción. Casi siempre he sido un pintor figurativo, vinculado a un tipo de realismo mágico, con ciertas influencias del mundo clásico de la Grecia antigua. Una época que me ha atraído y gustado mucho.
El género del retrato lo cultivé y refiné mucho con Manuel Balsa.En general, casi siempre mis profesores han sido muy duros y exigentes. Esta circunstancia, me ha fructificado en un serio aprendizaje, donde siempre intentaba superarme y hacerlo mucho mejor.
—¿Qué proyectos tienes ahora en mente?
El más importante que tengo ahora, es continuar mi serie de “Siluetas desoladas”(abril 2019) .Este es un momento introspectivo para mí; de crear a nivel más intimista y sin prisas.
La situación tan delicada actual, además tampoco permite poder desarrollar proyectos externos de otro tipo o institucionales (murales o casos similares). Habrá que esperar y ver cómo evolucionan los acontecimientos…
—¿De los proyectos que has realizado en estos 5 últimos años, cuál de ellos destacarías de forma más especial?
Todos ellos, han sido para mí muy importantes, y de todos ellos guardo un especial cariño. Pero recuerdo con una sonrisa diferente, el que realicé las navidades del año pasado en Basauri: “La casa del Olentzero”.
Surgió cuando ya estaba dentro de encontrarte. Fue por mediación de una chica de Santurtzi, a la que conocía y trabajaba en esa localidad. Me dijo, que la Asociación de Comerciantes estaban buscando a un artista para decorar y revitalizar con ambiente navideño un local, al que desde hace un par de años, destinaban al encuentro de los niños/as con el Olentzero.Por lo visto, el primer año funcionó muy bien, pero el segundo, fue un poco desastre y lo dejaron muy abandonado y desangelado.
La idea me sedujo tanto, que no dude en aceptar rápidamente. Representaba un contrapunto al dramatismo de encontrarte. Un soplo de aire fresco y mágico, entroncado con la navidad. Justo, en un año en el que mi emotividad estaba a “flor de piel” al haber sido padre…
Lo plantee con mimo y la magia que requería un proyecto de estas características: una decoración cálida, con un pasillo, bosque, Caserío medieval, casas de madera, carbón, enebro…Y todo, con un toque ancestral y mitológico vasco.
Fueron 3 semanas de intenso trabajo, pasando frio y hasta altas horas de la madrugada.Pero mereció la pena porque fue todo muy bonito y solidario; muchísima gente que me ayudó, amigos de una amiga mía, que se prestaron desinteresadamente, cada uno con sus conocimientos. Mujeres ejerciendo de modistas; otros, ayudándome en la decoración…Todos “hombro con hombro” …
Supuso una forma de trabajar muy directa. Con una técnica más gestual y adecuada a algo que parecía una especie de ilustración de cuento.
Tuvo un gran éxito. Después de acabarlo e inaugurarlo, fueron más de 1200 personas a visitarlo (familias con niños, Aitites y Amamas, parejas, etc.…). Cuando, según me dijeron, el año anterior solo pasaron 30 personas…
— Bueno, Jon, para terminar la entrevista y ante el umbral de una navidad diferente como esta, me gustaría que lanzaras desde aquí un mensaje hacia tus fans, amigos y personas en general. ¿Qué les dirías?
Simplemente, pediría que procurasen estar todos tranquilos, sosegados; saber estar con quienes tenemos que estar. Sin cometer imprudencias que nos perjudicarían a todos.
Todo lo que era bueno antes, paradójicamente, ahora es malo: una caricia, un abrazo, un beso…Nos toca aprender a querernos mucho desde la distancia y esperar pacientemente a que escampe…Y en momentos como este, el arte puede ser una gran terapia: un libro, un cuadro, una canción…
Esto nos tiene que servir de algo. Debemos aprender a valorar cosas que quizás antes, por vivir tan deprisa y de manera tan egoísta, no valorábamos tanto y a las que teníamos fácil acceso todos los días…
Esta realidad, es como una prueba, una auténtica oportunidad para dejar de pensar en ti mismo y reflexionar sobre el vacío que nos produce esa triste falta de contacto social…
Siempre hemos pensado egoístamente en nuestros derechos. Ahora, vivimos un tiempo en el que tenemos, por encima de todo, responsabilidades. Hay que cambiar el concepto de obligación por el de responsabilidad. Nunca la sociedad ha sido responsable.
En el fondo, todos estos consejos a modo de reflexiones, yo ya las he reflejado en mis cuadros de “Siluetas desoladas”. De una forma tan premonitoria que, a veces, me asusta. Vivimos una especie de metafórico castigo de la naturaleza; es como una “bofetada en toda la cara”.
En su día, y precisamente por ese talante tan premonitorio, me vi reticente a difundir esas imágenes en las redes sociales. Sin embargo, me han regalado muchas otras ideas, que son en las que estoy ahora trabajando…
Llegamos así, al final de esta entrañable entrevista. ¡¡Graciassss!!, Jon, por tu arte y tus palabras llenas de sabiduría, a pesar de tu juventud…
¡El tiempo se nos ha pasado volando! Aun así, todavía ambos necesitamos estirar las piernas y rubricar este mágico encuentro con un paseo por el parque…
Mientras nos vamos acercando a los murales del puerto, imagino escuchar los lejanos acordes de Josu, Juanma…y compañía. El olor a mar me embriaga. Saludar a “Bogadores” y “Rederas” al lado de su talentoso autor será un auténtico placer. No en vano, su nombre euskaldún con matices orientales, ¡su ARTE!!, pasará a la historia de esta hermosa villa marinera gracias a ellos…
Enrique López Suárez «Elosu» con su obra Siento que estás ahí para encontrarte
Entrevista realizada por Abdul Kader Al Khalil para encontrarte.
1-Amigo Enrique, ¿qué representó para ti el proyecto «encontrarte»?
Este caso de los bebés robados en las clínicas, hospitales y maternidades, ya había salido en los medios de comunicación, y todos estábamos enterados.
Pero ocurre que las noticias en la prensa, radio y televisión duran lo que dura su emisión; es decir, que a los cuatro días, si alguien no se ocupa de remover el tema, todos nos olvidamos.
Pues bien, en el caso de encontrarte, han sido un pequeño grupo de artistas de la pintura los que se han preocupado de recordarnos que siguen estos problemas.
En mi caso, los artistas Nistal Mayorga y Ángel Momoitio, fueron los que me informaron e invitaron a que participara en el proyecto. Me pareció muy interesante el desafío de colaborar y realizar una obra, que, de acuerdo con sus ideas, debía reflejar el vacío provocado por el bebé ausente.
En el lienzo, reflejé la imagen de una madre pensando que no iba a ver crecer a su hijo. El dolor y misterio de cómo fue, como era y como sería el niño que no estaría a su lado, mostrando la silueta de un bebé en un collage de un recorte de prensa con noticias sobre los bebés robados.
2-En tu opinión ¿crees que es necesario que el artista sepa utilizar todas las técnicas para ser artista?
Creo que no. Podemos utilizar el medio que tenemos en ese momento a nuestro alcance; un ejemplo son las pinturas prehistóricas, un niño realiza un dibujo efímero sobre el vaho de un cristal. Con un simple carboncillo se pueden crear obras preciosas. Por supuesto, cuanto más técnicas conozcamos, más oportunidades tendremos.
3-Si no es ninguna molestia para ti, ¿podrías decirnos cuantas obras has creado hasta el momento? ¿Y qué técnica trabajas más?
No lo sé exactamente. Unas mejores y otras peores, pero más de trescientas seguro. Me siento muy cómodo con el óleo y la acuarela, dependiendo del tipo de obra que se me ocurra, aunque las he realizado también con pastel, acrílico, gouasch, etc.
4-A lo largo de tu trayectoria como artista, ¿has comenzado alguna obra y no la has terminado?
Procuro rematar todas las obras que comienzo, aunque una parte de ellas (sobre todo acuarelas) son destruidas.
5-Todos los artistas al comenzar son influenciados por alguien. ¿Quién fue tu fuente de inspiración? ¿Es el mismo ahora que entonces?
Mis primeros óleos que realicé de manera autodidacta, fueron copias de Sorolla. Quedé cautivado por su pintura y creo que, aunque he ido evolucionando dentro de mi estilo, ha influido mucho en mi trayectoria como pintor.
6-El artista Eugène Delacroix en cierta ocasión dijo: «dame lodo y pintare con ello la piel de venus». ¿Crees es tan fácil pintar figuras humanas?
Mi aprendizaje de la figura la hice con unos libros que me dejaron del norteamericano Andrew Loomis. Después practiqué en el Museo de Reproducciones con El Ruso y apuntes al natural en el Estudio Richard. Dentro de la pintura de figura humana, me resulta más fácil pintar desnudos a los personajes que vestidos. Es menos complicado.
7-Algunos críticos de arte dicen que la acuarela es el hermano chiqui del arte, ¿Qué te merece esta opinión? ¿Y los que dicen esto, crees que conocen el arte?
Pinto acuarelas y pinto óleos. No considero a la acuarela como hermano menor, salvo en el tamaño; al fin y al cabo, la principal diferencia está en los aglutinantes y en el soporte. La pintura a la acuarela exige una previa estrategia por parte del pintor para tener todos los pasos de la pintura en su mente. De lo que uno quiere hacer a lo que salga… el agua es caprichosa y hace lo que le da la gana. El resultado de una buena acuarela es una gozada.
8-Según Picasso, la escultura es el arte de los inteligentes. ¿Crees que los pintores son menos inteligentes?
No creo que tenga nada que ver. Ambos trabajan con soportes diferentes. Y para crear una escultura considero imprescindible tener una idea de dibujo.
9-Según Oscar Wilde, el arte es el amor, la ternura es la que le da la fuerza. ¿Crees que el arte de hoy se hace todo con ternura?
Por lo menos eso intento. Poner todo el cariño en lo que hago.
CRÓNICA SOBRE LA OBRA DE ENRIQUE LÓPEZ SUÁREZ «ELOSU»
Siento que estás ahí, deEnrique López para encontrarte
«No se trata de pintar la vida, se trata de hacer viva la pintura.»
Paul Cézanne
Así es la obra de nuestro compañero el artista Enrique López: hace obras muy vivas, del entorno cotidiano, sean temas del paisaje urbano, o figuras sociales. Nacido para ser artista, hace suya la humildad a la hora de hablar de su obra. La humildad que deben tener todos los artistas ya que es la senda de todos los éxitos. El artista Enrique crea sus obras con lealtad al tema tratado o como notario de la historia. Mima el dibujo y cuida mucho de elegir las perspectivas. Realza sus paisajes transmitiendo en ellos la felicidad interna y nos hace ser partícipes de esta felicidad. Esa felicidad que necesitamos en los tiempos actuales para resistir a la pandemia.
«No hay medicina que cure lo que no cura la felicidad.»
García Márquez
Varias obras sobre músicos de Enrique López «Elosu»
La razón del artista Enrique López Suárez es una simbiosis de la pasión por la música vista por el arte. La música es uno de sus temas preferidos, como ha sido tratada en obras de grandes creadores como Vasili Kandinsky y Paul Klee, también en las obras del arte mexicano. Enrique López en sus pinturas trata este género con mucha ternura y usa unos colores que representan la intensidad del sonido, agradan la visión y son extraordinarios instrumentos reales.
Observo las obras de Enrique desde hace tiempo, es un artista sensible, creativo, con abundancia y renovador. En su obra trata todo lo que puede gustar al espectador: los paisajes, el mar, las ciudades históricas y las figuras humanas. Es un pintor hecho a sí mismo, lo cual tiene mucho mérito, como tantos artistas en el pasado que fueron autodidactas y de quienes nadie duda que fueron muy buenos artistas, como Giorgione, Turner, William Blake, Van Gogh, Henri Roseau, y Antonio Tapies entre otros; y de este calibre es el artista Enrique López.
«Yo soy un estudioso de la naturaleza, solo me he tenido a mí mismo como maestro, el trabajo más constante de mi vida ha sido consagrarme a la preservación de mi independencia.»
Gustave Courbet
Obra de «Elosu»
En las creaciones de Enrique López, vemos decenas de retratos y paisajes que podrían poner de buen humor a cualquier artista contemporáneo. Las pinturas de Enrique poseen una fascinación extraordinaria y conmueven las emociones y la nostalgia. Nos traslada con su pintura a desear estar dentro de sus lienzos, es un poder que atrae y lo hace con mucha habilidad.
Enrique pinta bajo el impulso del ansia de ser artista. Un pintor figurativo y paisajista, buen dibujante, tanto al óleo como en la acuarela, y en otras técnicas que practica con mucho conocimiento y con esmero.
Varios paisajes de Enrique López Suárez
El artista Enrique López, según mi conocimiento, es un amante de la luz y esa es su pasión que le lleva a tratar de plasmar su incidencia sobre las cosas, como embellece las cosas y como las hace más vivas. Prosigue la belleza de la luz de otra manera que hacía Sorolla, no es una definición académica, pero resulta una manera clara de explicarlo. No le han interesado impresiones abstractas, más bien paisajes que crean ánimo. Y son verdaderas obras de arte. Hay en ellas auténtica recopilación de cuantos rasgos definen el realismo.
Publicamos hoy esta entrevista, una semana después de lo habitual, coordinando que por ser época navideña, la próxima entrevista de Ábdul será el miércoles 13 de enero.
Sin embargo, y en líneas generales, el resto de secciones y noticias de nuestro blog, seguirán pendientes de cualquier noticia novedosa para contaros.
De hecho, el próximo miércoles día 23, antesala de la nochebuena, publicaremos en nuestro apartado “Otros Encuentros” una interesante entrevista a Jon Mao y sus murales. Os invitamos a leerla.
Mientras tanto, solo nos queda lanzar un brindis por vuestra salud y desearos que disfrutéis de esta mágicas fiestas. Eso si, con mucha precaución.
Conchi Ororbia con su obra Noches oscuras, dónde está mi bebépara encontrarte
Entrevista realizada por Abdul Kader Al Khalil para encontrarte.
1-¿Qué representa para ti el proyecto de «encontrarte«?
Para mí simboliza una lucha ante la problemática y la sinrazón de la comercialización y sustracción de bebés que truncaron la vida a muchas familias. He tenido la suerte de participar junto a 24 pintores en busca de despertar conciencia social, colaborando y apoyando a AVIDNA (Asociación de Víctimas Contra la Impunidad de las Desapariciones Infantiles en Todo el Ámbito Nacional), lo cual me hace inmensamente feliz.
Ha sido una gran satisfacción contribuir a tan noble causa y agradezco enormemente al reciente fallecido y alma de este proyecto Roberto Zalbidea que contara conmigo; todavía recuerdo su llamada y el entusiasmo con el que me explicaba el objetivo de este proyecto.
2- ¿De qué manera das a conocer tu obra en el mundo?
En un principio a través de galerías, centros culturales, circuitos artísticos, concursos y similares, aunque por supuesto muestro también mi evolución e informo sobre proyectos tanto en mis perfiles de redes sociales (como Facebook o Instagram) como en mi página web, donde suelo colgar nuevas obras.
3- ¿Crees que en el arte contemporáneo todo es válido?
Esta es una cuestión harto compleja, y no hay, a mi parecer, una única respuesta. En mi opinión el arte contemporáneo tiene que llegar, generar en el espectador un sentimiento, transmitir emociones… En definitiva, tiene que dialogar con el espectador, por lo que si consigue alcanzar dichas metas puede ser perfectamente válido.
4- ¿Qué intentan exteriorizar tus obras y que deseas que generen en el receptor?
Mis obras, como la vida, han ido cambiando con el tiempo hasta llegar al expresionismo e incluso, en algunos casos, al surrealismo.
Contestando a tu pregunta, intentan provocar en el espectador un sentimiento, ya sea de rabia, alegría, amor o empatía, pero nunca indiferencia. Como he contestado en la pregunta anterior, mi obra persigue el diálogo con el espectador, bien sea de manera afable o de rechazo, pero es fundamental que hable y transmita, que consiga la implicación del espectador e invite a la reflexión.
5- ¿Qué opinión te merece el arte en las redes sociales?
Mi opinión sobre las redes sociales es que son una potente herramienta que logra llegar de manera exponencial a millones de usuarios y que te brinda la oportunidad de que se te reconozca más rápidamente que a través de métodos tradicionales, pero también existe una parte negativa ligada a la dinámica y la presión que estas ejercen si se les quiere dar un uso divulgativo o propagandístico: la fugacidad y vertiginosidad de estas aplicaciones hace que el usuario que publica sus obras se vea de algún modo forzado a generar contenido de forma constante y, además, novedosa; no vale con publicar incesantemente, también hay que sorprender en cada obra. Y eso es algo, a mi juicio, poco realista.
No obstante, haciendo un buen uso de dichas redes no cabe ninguna duda de que pueden ayudar y, de hecho, ayudan al artista a proyectar su obra, y que constituyen un complemento muy enriquecedor que expande el impacto que el artista genera en galerías, ferias, centros culturales, etcétera. Yo doy mucha importancia a la comunicación personal entre el artista y su representante, por eso pienso que deben usarse como medio en cierto modo publicitario.
6- ¿Qué es lo que más te emociona en una pintura, la composición o los colores?
La composición es fundamental en todas las obras, pero me considero colorista y pienso y persigo esa emoción por medio del uso de color y potentes contrastes.
7-¿Todos los artistas buscan un estilo propio, crees es necesario tener un estilo personal para ser buen artista?
Es lo que todo artista anhela, que se le conozca por un estilo personal, que tenga sello.
Yo creo que no hay que obsesionarse con ello, pues ser artista es una carrera de fondo. Aunque se tiene que tener una cierta disposición especial innata, hay que sumarle a eso el trabajo constante, la disciplina, la investigación y creatividad, la provocación, el inconformismo, y, en consecuencia, la evolución. El resto viene solo y el tiempo lo dirá. Lo fundamental es disfrutar y transmitir lo que uno lleva en su interior, su Alma.
8- En tu historia personal, vi que has expuesto en muchas ciudades, ¿en qué ciudad te gustaría volver a exponer más que ninguna?
No sabría decirte, ya que en todas me han tratado muy bien y me he sentido cómoda. En algún sitio repito por compromisos adquiridos artista-galerías, pero me gustaría seguir ampliando el círculo y exponiendo en todo el mundo.
9- ¿Qué te impulsa a hacer más figuras y expresionismo que otros estilos pictóricos?
Yo creo que ha sido una evolución fruto del tiempo, dado que he tocado otros estilos y no ha sido hasta llegar al expresionismo que me he sentido tan cómoda. Aun así, mi meta es llegar a la abstracción, lo que es muy complejo y exige un estudio e investigación profundo y transversal, siendo necesario, para mí, la aproximación filosófica, poética, etcétera.
Contestando a tu pregunta, siempre me he sentido atraída por la figura como medio de expresión del momento en que se vive a través de sentimientos y emociones, y que también ha ido cambiando con el tiempo. De hecho, sobre todo en esta última etapa, mis obras son más conceptuales, con figuras sobrepuestas, caras que se cruzan, sin diálogo, hombres y mujeres ausentes, cada uno con su vida, su historia y vivencias, con lo que persigo representar la manera en que vivimos hoy en una sociedad vacía, vertiginosa, individualista, ensimismada, donde la apariencia es lo que vale. Por contra también realizo obras simbolizando “un canto a la esperanza” para volver a creer en lo esencial.
CRÓNICA SOBRE LA OBRA DE CONCHI ORORBIA
Noches oscuras, dónde está mi bebéde Conchi Ororbia para encontrarte
«En nuestra vida hay un solo color, como en la paleta del artista que ofrece el significado de la vida y el arte, es el color del amor.»
Marc Chagall
De esta manera trabaja La Artista Conchi Ororbia, con amor al arte, y con amor al ser humano. A los diez años tomo el arte como su mayor afición, ganadora de varios premios, y paseó sus obras en muchos países del mundo, y en muchas ciudades de España.
Sus obras son de un estilo personal, asociadas al expresionismo en sus conceptos. Se distinguen sus pinturas por la fuerza del color en combinación con el mensaje. Posee altas cualidades en sus investigaciones y el uso de la técnica que despierta grandes emociones en el lector.
«No me hace falta la luna, ni tan siquiera la espuma, me bastan solamente dos o tres segundos de ternura.»
Edward Münch
Solo dos o tres segundos de mirar las obras de Conchi para aprender a gozar el arte del expresionismo. El arte de denunciar las injusticias y de describir el dolor de los demás.
Varias obras de Conchi Ororbia
Como la mayoría de los pintores, Conchi Ororbia ha atravesado un largo proceso de experimentación hasta llegar a perfeccionar completamente su técnica. Sus pinturas muestran su compromiso con el arte al responder en cada momento a su particular modo de pintar, y de responder a las exigencias del concepto en sí. Representa sentimientos y emociones. Valiente por proseguir su sueño y conseguir un estilo propio en estos tiempos difíciles para comprender el arte.
William de Kooning señaló: «De vez en cuando el pintor tiene que destruir pinturas». Es decir, salirse de las cosas repetidas, Cézanne lo hizo, Picasso lo hizo, Jackson Pollock lo hizo, y también lo hace nuestra compañera Conchi Ororbia.
El arte, a lo largo de la historia, significó una expresión que representaba cada momento social y cultural de la humanidad. Una muestra de humanidad significan las obras de Conchi, es una expresión personal al retratar la preocupación en los demás en cuanto permanece la pandemia. Así es el Arte a través de la producción artística fue posible en muchos casos reconstruir las vicisitudes, usos y costumbres de cada época, las características de cada construcción social y las modalidades de expresión y comunicación del hombre. Presupone una manera de comunicación donde en el artista convergen simultáneamente el deseo de dar a conocer la cultura que lo habita y el poder decir y expresar los sentimientos. Visualizando las obras de la artista Conchi Ororbia, no es difícil asociar su estilo a al expresionismo, es una artista expresionista desde el pensamiento hasta el acabado de su obra, es expresionista incluso en sus paisajes.
Una selección de la obra de Conchi Ororbia
El expresionismo es una de esas palabras que poseen dos significados. En su sentido más amplio se utiliza para describir obras de arte en las que predomina el sentimiento sobre el pensamiento, en las que el artista utiliza su pintura, no para describir situaciones o hechos, sino para exteriorizar emociones.
El arte, es una forma de expresión universal, pues podemos encontrarla en cualquier parte del mundo sin importar el idioma, lengua, dialecto, costumbres y tradiciones del lugar, puesto que sentimientos como la alegría, tristeza, amor, etcétera son percibidos de la misma manera.
El arte de Conchi se entiende como cualquier actividad o producto realizado por el ser humano con una finalidad estética o comunicativa, a través de la cual se expresa ideas, emociones o una visión del mundo. El arte de Conchi es un componente propio de la cultura, en el cual se refleja la concepción del mundo social. A través de su arte se transmite ideas, historias y valores, y si nos fijamos en las obras de nuestra compañera, entenderemos la felicidad de los que se aman, y comprender el dolor de los que se enfadan, y poder ver la distancia existente en algunos corazones.
Obras de Conchi Ororbia
El artista expresionista como Ororbia deforma la realidad, expresa sus emociones y su propia visión del entorno a través de colores violentos y un tratamiento brusco de la obra. Supone una representación del sentimiento de la soledad y amargura provocada por la indignación al ver los problemas sociales o las guerras que sacuden al mundo. También podemos ver algunas obras de Conchi que riman con el surrealismo, un surrealismo pensado y no es producto de la inconsciencia humana. Es una manera de expresar los anhelos ocultos en el interior de la artista que pretenden ser expresados a través de los elementos creados por ella.
Abdul Kader Al Khalil
عبد القادر الخليل
Si quieres saber más sobre la obra de Conchi Ororbia visita su página web www.conchiororbia.com
Como colofón a nuestra recién clausurada expo de Santurtzi, y de la mano de la experimentada periodista, María Jesús García, ayer noche, al filo de las 11:30h, nuestros compañeros Nistal Mayorga y Santidepaulas, eran entrevistados en los estudios de TeleBilbao, dentro del Magazine dominical nocturno “Revista Semanal “(22:00/ 00:00H).
Una nueva oportunidad de hablar de nuestro proyecto encontrarte y mostrar en la gran pantalla las obras de nuestros 24 artistas, a modo de estandartes cromáticos de nuestra lucha y denuncia social.
Primer plano de nuestro catálogo encontrarte y Santi en plena entrevista
¡¡Enhorabuena, compañeros!! Con vuestra valiente presencia, con vuestras voces, la verdad de nuestro mensaje volvió a fluir de forma natural, amena y emotiva, durante 23 inolvidables minutos y ante la audiencia de una de las televisiones locales más importantes de todo Euskadi.Cada vez, a mayor escala, seguimos despertando conciencias...
Y recordando un poderoso argumento que subrayó Santi, lo hacemos a través de ese unificado «grito interior» que tiene el mensaje conjunto de todas nuestras obras.Porque todas ellas, configuran solo UNA; espejo de esa triste, pero esperanzadora realidad que puso ampliamente de relieve Nistal…
Santidepaulas y Nistal Mayorga, ya en plató. Casi, como en el el sofá de sus casas
Permitidme que añada algo más: son fraternales eslabones de un mismo cordón umbilical o de una misma cadena…
Una original aventura en el reivindicativo camino del arte, que cuenta con el vital amparo de AVIDNA (Asociación de Víctimas contra la Impunidad de las Desapariciones Infantiles en todo el Ámbito Nacional ) y el respaldo del Gobierno Vasco, como dos de sus principales apoyos.
Mil ¡¡GRACIASSS!! a ellos y a TeleBilbao.
Entre todos, ¡¡ SIGAMOS AVANZANDO!!
Aquí, el video completo de la entrevista . Esperemos que os guste.
Entrevista realizada por Abdul Kader Al Khalil para encontrarte.
1-¿Qué representa para ti el proyecto «encontrarte»?
La lucha por la verdad y la justicia desde un punto de vista artístico.
Uno piensa muchas veces en como poder ayudar en diferentes injusticias o problemáticas sociales. Normalmente nos sentimos demasiado insignificantes como para poder ayudar a marcar la diferencia y conseguir cambiar las cosas a mejor.
Cuando me ofrecieron participar en este proyecto vi la manera de aportar mi granito de arena por la causa y así luchar de alguna manera contra esta horrible injusticia social, en la que personas sin Alma se atrevieron a robar de la manera más cruel y comerciar con vidas humanas bajo engaños.
2-Ya van varias exposiciones que hemos inaugurado con el proyecto «encontrarte», ¿crees que hemos alcanzado nuestro objetivo?
Pienso que los objetivos son varios y no todos son tan sencillos de conseguir.
El principal objetivo que nos concierne a los artistas participantes, sí, creo que se ha conseguido y con creces, a pesar de la situación actual que vivimos. Somos afortunados por haber podido seguir haciendo visible el tema de los bebés robados y acercarlo al espectador en ocasiones como la exposición en Medina de Pomar o ahora en Santurtzi. Nuestro papel es llevar la denuncia al público y eso sí que lo hemos conseguido.
3-¿Qué es lo que vino primero, el diseño gráfico o tu pasión por la pintura?
La pintura desde luego. Lo poco que sé de diseño gráfico ha sido de investigar un poco para ir aprendiendo a usar las nuevas tecnologías. Admito que es un mundo que me encanta y que está lleno de posibilidades, pero aún tengo mucho que aprender y practicar.
La pintura llego a mi vida a los 6 años. Comencé a ir a las clases de pintura que ofrecía el ayuntamiento de mi pueblo. Tuve una profesora fantástica a la que le debo mi pasión, Izaskun Ibarretxe. A pesar de que van pasando los años y no tenemos mucho contacto, siempre tendrá un lugar muy especial en mi corazón.
4-¿Has considerado realizar una exposición de tus creaciones?
Pues la verdad es que no. Nunca me he sentido como una artista preparada para ello. Con el tiempo he ido acumulando diferentes trabajos y para cuando he juntados suficientes, los primeros no me parecen tan buenos como los últimos. Es una evolución y aprendizaje constate.
Si tuve hace algunos años una pequeña exposición en la biblioteca de mi pueblo y he hecho otras con más participantes.
Me animan a ello, el tiempo dirá, todo puede ser…
5-¿Tu obra se destacó por el color y por la luz, que proceso sigues al crear tu obra?
Primero siempre hago un boceto con papel y lápiz. Si la escena es compleja, aparte diseño los personajes de manera simple, para después incluirlos en la composición. Cuando ya está terminado, lo repaso todo con boli. Me gusta que quede como si fuera un dibujo para colorear. Estos bocetos siempre los conservo.
Normalmente utilizo acuarelas, así que si puedo calco el dibujo muy finito para que luego el lápiz no traspase los colores. Otra técnica que suelo usar habitualmente es el óleo, pero también puedo usar acrílico u otras técnicas, me gusta experimentar y aprender cosas nuevas.
Mis creaciones suelen estar llenas de colores vivos y tengo muy en cuenta el círculo cromático y sus combinaciones a la hora de dar vida a mis dibujos.
El resto, la verdad que me va saliendo solo, no tengo que pensarlo demasiado.
6-¿Te apoyas mucho desde el principio en el ordenador?
No mucho, a veces miro muchas imágenes en busca de inspiración, pero poco más.
7-¿Hay alguien a quien admiras o en quien te ves reflejada?
Me veo reflejada en todo aquel que pinta o dibuja en su casa y que no cree que es suficientemente bueno como para mostrar su trabajo.
Admiro a muchos. Desde artistas más reconocidos como Anita Mejía o Suzanne Woolcott, conocida por sus muñecas Gorjuss, hasta otros no tan conocidos como mi compañero de la uni Javier Alfonso, un gran ilustrador, muy creativo y con una capacidad de aprendizaje impresionante, todo acompañado de mucho trabajo, por él y los demás ya que es el presidente de la asociación de ilustradores canarios.
Hay un montón de gente con muchísimo talento y tanto que mostrar…
8-¿Cuál es tu formación artística, y si piensas centrarte en esta modalidad artística?
He ido a clases de pintura muchos años y en el instituto me gustaba mucho el dibujo técnico. Con idea de ser profesora de ello, empecé los estudios de Bellas artes.
Hice unos cursos para aprender a manejar programas como Ilustrador o Photoshop.
Me gustaría estudiar ilustración y profundizar más en las técnicas digitales. Soy una persona curiosa, siempre me gusta aprender cosas nuevas, sobre todo en el ámbito de las manualidades, ya que es una de mis grandes aficiones.
9-¿Qué género te motiva más?
Especialmente me gusta la ilustración infantil, hacer versiones de personajes de cuentos y películas clásicas infantiles, pero desde luego lo que más disfruto es haciendo interpretaciones de amigos y familiares, los resultados suelen ser muy satisfactorios.
La colección de los horóscopos que hice con niñas de diferentes partes del mundo es muy interesante y disfruté mucho haciéndola. Puede que próximamente trate temas como la mitología, creo que daría mucho juego.
CRÓNICA SOBRE LA OBRA DE LEIRE GONZÁLEZ ORTIZ
Vida desencajada, por Leire González para encontrarte
Afortunadamente en el proyecto encontrartehemos visto todos los estilos pictóricos y han participado en este gran proyecto artistas que representan todas las escuelas de arte. Artistas con estilos propios, artistas consagrados, artistas conocidos, y artistas jóvenes como es nuestra compañera Leire González.
A lo largo de la historia vimos que el arte lo hacen los jóvenes, y la fama se la llevan los consagrados. Y todos sabemos que el arte sin la experiencia nos queda flaco, y sin el valor de la juventud nos queda sin innovación. Agradezco la presencia de la joven artista.
En nuestra exposición colectiva es un valor que representa la fuerza, el atrevimiento y la innovación en el arte. Es nuestra compañera Leire González Ortiz, la que nos ha permitido ver otro tipo de hacer arte. Otro tipo de representar a una madre. Su obra hecha con fuerza y vigor, en la que habla bien del colorido y de la magia de la luz. Una obra cercana al diseño gráfico.
He de decir que el diseño gráfico no se encuentra dentro de las bellas artes, al menos en algunos países, sin embargo, sabemos que muchos diseñadores hacen diseños y hacen arte. Arte de gran belleza como lo representa la obra de Leire González Ortiz, artista influenciada por la Mexicana Anita Mejía y esta, a la vez está influenciada por Tove Jansson. Grandes artistas del diseño y de la ilustración.
Algunas obras de la colección Cuentos clásico, por Leire González
El arte gráfico hace referencia a la elaboración de todo tipo de elementos visuales, sus temas son relacionados con la imprenta. No es nueva la utilidad del arte gráfico, aunque lo parezca, desde que se inventó la imprenta allá por los años 1450 de la mano de Johannes Gutenberg, encontramos las raíces del Arte Gráfico. Y más tarde aparece en la litografía.
En la actualidad, se incluye como sabemos la impresión digital, motivado principalmente por el gran avance tecnológico que se ha ido produciendo desde hace años. De hecho, las artes gráficas se emplean como medio de difusión publicitaria, aplicándose diversas técnicas en rótulos y carteles. Un gran número de autores y profesionales alude a la simplicidad como uno de los atributos fundamentales en la definición del buen diseño; sin embargo, cabe preguntarse por la percepción del público ante este rasgo visual. Y este rasgo visual ha sido muy notable en la obra de Leire González en estas exposiciones que hemos realizado.
Acuario, Sagitario, Piscis y Tauro de la colección Horóscopos de Leire González
La Artista Leire González, lleva muchos años haciendo dibujos y experiencias personales, aún no se siente totalmente identificada con ningún estilo, está en busca de su lugar particular, pero aún no es definitivo, mantiene los lazos con la infancia, dónde encuentra la sinceridad, el valor de no refugiarse en el miedo, y la fuerza de hacer lo que más le gusta. Fuerzas que necesitan muchos mayores, para poder renovar sus estilos. Un valor para disfrute de una liberadora actividad creativa, y lograr un remanso de paz interior… crear algo hermoso y único en el proceso. Repleto de escenas relajantes, motivos florales, animales y otros elementos de la naturaleza, así como bonitos estampados, este exquisito volumen te brindará la desconexión necesaria.
Inauguramos hoy nueva sección. Un emotivo apartado de entrevistas, estructuradas en dos o tres partes (publicaciones de fin de semana), y dedicado a personas , colectivos e Instituciones de los más diversos ámbitos (arte, cultura, deporte, sociedad…), que hayan desarrollado o desarrollen actualmente una labor altruista y humana en favor de los demás.
En esta dura época de pandemia, en donde la dramática situación de incertidumbre que estamos viviendo, nos ha “robado” esos cálidos besos y abrazos, tan necesarios para nuestro bienestar anímico y personal, queremos aprovechar este rincón para dar un simbólico y merecido ABRAZO, en forma de generoso HOMENAJE escrito, a todos esos héroes -anónimos o públicos- que dedican gran parte de su preciado tiempo a ayudar al prójimo.
Y que mejor estreno, utilizar como guiño y eventual bandera de la nueva sección, esta simbólica ilustración de «candente» actualidad – a pesar de haberse realizado de forma premonitoria hace ya tiempo-, obra de un colaborador especial de nuestro colectivo encontrarte y primer invitado: el simpático ilustrador y humorista gráfico, Asier Sanz.
Asier, también diseñó desinteresadamente la imagen contraportada de nuestro catálogo . Una ilustración de gran fuerza expresiva e icono de nuestra lucha social.
Por otra parte, a lo largo de su trayectoria, ha colaborado con diversas asociaciones benéficas. Buen ejemplo de ello, la creación del cartel de la campaña Huchas solidarias “Invita a desayunar a un niño”, promovida en febrero de este año por la asociación benéfica bilbaína “La gota de leche”.
» Soy un niño encerrado en un cuerpo de adulto »
Con paraguas y a lo Gene Kelly, jugando con el sirimiri
El laureado bilbaíno Asier Sanz ( 1969), Villano de Honor, ilustrador, humorista gráfico y creador de la contraportada del «catálogo encontrarte», ilustración icono de nuestro colectivo a la que define como un «grito interior”, siempre se ha caracterizado por ser un hombre muy solidario
Autor de la caricatura más famosa del mundo sobre Trump – publicada en el libro “ Fake Views? The Donald Trump Book Covers”- y ganador de numerosos premios internacionales – como el I Premio de caricatura y Premio del Público “Luigi Mari» 29 Biennale Internazionale dell´Umorismo nell Arte (2017)-, está convencido de que su mayor premio es la VALENTIA en el trabajo: “Sin eso, no hubiera conseguido todo lo demás”.
Con la humildad suficiente para no dejar que tantos galardones se le suban a la cabeza, necesita de la inquietud para crear y huir de todo tipo de convencionalismos, con tal de evitar los temidos fantasmas de la repetición y el aburrimiento. Encuentra la inspiración en Picasso , en su hija Lucia de 6 años -a quien califica como el amor de su vida -, y con la que no se cansa de jugar y divertirse. También, en las metáforas visuales escondidas en los libros de poesía, de cuya lectura se considera un auténtico adicto.
Su infinito talento para el dibujo, fue descubierto a los 15 años por su abuela Águeda, quién le dijo: —“tenemos un Dalí en la familia y no nos habíamos dado cuenta”.
A pesar de haber retratado con collages a numerosos personajes de todos los ámbitos, nunca se ha realizado el suyo propio. Pero le seduce la idea de hacerlo algún día con elementos que su hija ama y forman parte de su universo ( unicornios, arco iris, galletas, la tortilla, libros…).
Contempla a Bilbao como una extensión de su mesa de dibujo, y anota fielmente en su libreta todas aquellas ideas que le van surgiendo. Con el primordial objetivo, de reflejar la verdadera esencia de las personas y las cosas.
Sobre el Athletic, del que lleva ya casi la friolera de 30 años haciendo sus tiras cómicas en el DEIA, ve muy complicado que vuelvan a sacar la gabarra. Augura que este año, sin público en San Mamés, nos va a tocar sufrir mucho. Y piensa que la vida tendría que ser una Aste Nagusia permanente; que todos deberíamos tener una Mari Jaia en nuestro corazón los 365 días del año.
Ve muy difícil la lucha social contra el Covi; ya que, según él, la verdadera pandemia es el egoísmo humano. Y se emociona al decirnos que le gustaría ser recordado como una buena persona que apostó con valentía por sus sueños.Quizás de ahí, esa necesidad de colaborar con su arte en diversos proyectos y asociaciones.
Diseño ilustración contraportada catálogo expo encontrarte. En la imagen, adaptación al cartel concentración feminista del pasado 7 marzo
Son ya casi las 12:00h de la mañana de este martes 15 de septiembre. Ana y yo, podíamos haber intentado quedar perfectamente con nuestro simpático invitado en el Mercado de la Ribera, en la cafetería de la Campa de Los ingleses, en alguna de las salas del Guggen, o en cualquiera de las fruterías o charcuterías de nuestro Casco Viejo…Pero no. De mutuo acuerdo con él, decidimos que fuese en el mítico Hotel Indautxu.
En su cafetería interior esperamos pacientemente su llegada. Con puntualidad británica, le vemos aparecer por el horizonte, con sus inquietos andares y su gran altura, más propia de un jugador de baloncesto de la NBA que de un currante del humor.
Tras los saludos y presentaciones de rigor, decidimos salir a la terraza exterior de la cafetería. Allí, rodeados de estivales mesas de madera y el murmullo de escasas personas, comenzamos la entrevista. Una charla que, en principio, pretende ser un fluido y ameno diálogo a tres bandas.
Buenos días, Asier. ¿Cómo te inspiraste para diseñar la ilustración de la contraportada de nuestro catálogo encontrarte? Imagen que, como sabes, hemos utilizado en distintos formatos… ¿Qué opinas de esta utilización del arte para visibilizar socialmente la injusta trama de las maternidades robadas?
Quise hacer algo que tuviera fuerza y fuera muy expresivo. Que con una imagen ya lo dijera todo. Pensé en el dramático e inmenso dolor de perder a un hijo; en ese vacío emocional…Me decidí por una mujer vacía de corazón pero que, al mismo tiempo, transmitiera también fuerza por no rendirse y tirar hacia adelante…Un ser desencajado que manifestara su alma. En realidad, si os fijáis, este dibujo es como un grito interior…
– le hago la observación de que mucha gente nos ha comentado que esa figura de mujer, con esos pelos desaliñados y expresión diabólica…les recuerda a una especie de bruja- .Asier continua…
Bueno…no me importaba no representar algo estéticamente bello; sino más bien, todo lo contrario. Todos tenemos que aceptar nuestra parte animal. Y el dolor no tiene por qué ser bello, sino real…
El poder reivindicativo del arte no es nada nuevo. Es el poder mágico de intentar atraer a lo que tu quieres…El arte siempre se ha basado en utilizar su función reivindicativa. Mira las cuevas prehistóricas; los frisos de los griegos, los pórticos de las iglesias utilizados por la propia religión, con los apóstoles para contarnos determinadas historias…Y dentro, la imagen de cristo en la cruz…Un ejemplo más cercano, lo tenemos en el Gernika de Picasso, que es la pura imagen del horror…
– Como no podía ser de otra manera, Nistal Mayorga (Ana), abanderada del proyecto encontrarte yComisaria de nuestra exposición, interviene…” En nuestro caso, no tenemos tiempo material para llegar a las víctimas; para ofrecerles algo mejor. Y todo esto, es la fuerza de lo gráfico que llega a las masas de forma mucho más rápida. Y una forma de quedarse, porque si no, se nos va olvidando. Un día, me di cuenta de que en lo que yo estaba haciendo no podía dar más. Y ahora, estoy orgullosa con este grupo de gente – me mira y se sonríe-..Seguimos la entrevista…-
Para alguien como tú, que tienes en tu trayectoria multitud de premios y reconocimientos internacionales, independientemente de la mayor o menor repercusión mediática de cada uno de ellos, ¿cuál es el galardón que guardas en tu “mochila” con especial cariño y del que te sientes más orgulloso?
Mi mayor premio es ser valiente en el trabajo. Los premios son solo la espuma de la ola. La creatividad es, sobre todo, compromiso. Del compromiso diario de hacer cosas, pueden surgir otras que merezcan la pena.
Digo que lo más importante es ser valiente, porque si no lo eres, no exploras; y si no exploras, no experimentas. Y si no experimentas, no encuentras nuevos terrenos, te aburres y puedes llegar, incluso, a aburrir a la gente…Precisamente, una de mis luchas es ir en contra de la repetición y evolucionar.
Yo digo siempre, que, si no hubiera sido valiente, tampoco hubiera tenido todos estos premios, ni una hija, ni una mujer, ni una profesión que me gusta y con la que disfruto día a día. Hubiera sido un buen profesional. Sin más…Y a mí, lo que me interesa es divertirme con mi trabajo. Necesito de la inquietud para crear.
Aparte de eso, es un compromiso que requiere disciplina. La imaginación es solo un músculo que hay que activar. La mayoría de la gente busca la cultura del entretenimiento, para así, evitar desarrollar su imaginación. No se toman la molestia de intentar conectar sus neuronas…Y pienso que las personas deberían ser creativas en todo, no solo en el arte...
En el fondo, para mi todo esto es como un juego, en el que es esencial el darte el permiso de poder equivocarte. El error es fundamental para poder crear.
Yo suelo decirle a mi hija: “no lo borres, eso es parte de tu camino; no tienes por qué pretender conseguir siempre un 10…”
Portada del libro » Fake Views? The Donald Trump Book Covers «
Nos impresiona tu extenso curriculum… ¿Consideras a los premios una plataforma imprescindible para potenciar la carrera de un ilustrador y humorista gráfico?
Los premios te dan credibilidad a tu carrera. Todo esto, aumenta tu caché. Por un lado, te dan cierta presión al exigirte más. Y por otro, te dan también más libertad.
De todas formas, yo soy un inconformista y no me tomo muy en serio esto de los premios. La vanidad es algo ridículo. En este mundo hace falta mucha más humildad…
Cuando pienso en todo lo que hizo Picasso, Da Vinci…me doy cuenta de que no les llego ni a los tobillos; de que soy insignificante al lado de ellos. Esa gente, si que eran ¡¡ARTISTAS de VERDAD!!
Si en el fondo, no somos nada y nos vamos a morir todos… Murió Einstein, Picasso, Da Vinci…Entonces, ¡¡que cojooones !! Yo veo en Internet todos los crack que hay por ahí y alucino…Todo eso, hace que a mí no me alimenten el ego tan fácilmente.
Kim Jong-Un. I Premio de caricatura » Luigi Mari » 29 Biennale Internazionale dell’ Umorismo nell Arte (2017)
Hablando de Picasso… ¿En tus collages hay influencias de su cubismo?
Totalmente. Picasso ha sido un gran creativo, un gran jugador …Sabia inventar realidades paralelas. Mira esa escultura suya de un sillín de bicicleta, a la que luego pone un simple manillar y ya la convierte en un toro…
A mi, también siempre me ha gustado jugar, incluso, ahora de adulto. Desde que nació mi hija, jugaba con ella con las cosas en los desayunos. Te liberas de todo y empiezas a ser un niño…Y los niños son infinitos, son auténticos genios. Ellos, no tienen condicionado el cerebro
– le observo que ya lo decía Miró-.
También Picasso – me responde Asier-, cuando decía:
“ Yo he tardado 90 años en aprender a dibujar como un niño…”
Picasso, Miró, Paul klee…tenían otra visión de la realidad e iban en contra del convencionalismo.
A mi, no me interesa el realismo. Me interesa algo en lo que pueda poner fantasía y no aburrirme. No quiero caer en el simple inventario de cosas. Siempre hay que añadir algo más…
-Ana menciona también la importancia de la técnica y del oficio-.
Por supuesto -continua Asier-, tienes que saber construir para poder destruir….
Numerosos personajes de todo tipo han sido objeto de tu mirada creativa y crítica (Trump, Kim Jong-Un, Putin, Boris Johnson, Merkel…). Y curiosamente, en la mayoría de esas creaciones has recurrido metafóricamente a elementos de la alimentación o relacionados con la gastronomía… ¿Cómo es Asier Sanz dentro de la cocina de su hogar?, ¿te consideras el típico “cocinillas” o, más bien, te gusta que “te lo den todo hecho”?
Bueno, si…antes me inspiraba mucho en cosas gastronómicas que encontraba, sobre todo, en los desayunos. Ahora, mi mente va buscando nuevas cosas; y estoy con los collages de herramientas,etc.…
– Le comento un dibujo suyo que vi en Facebook, del que se inspiró en la calle. Dos tubos que Asier transformó hábilmente en una mujer tumbada-.
Tubos que sueñan ser mujer . Inspiración fruto de uno de sus paseos por la Gran Vía bilbaina
Es que…de hecho, para mi Bilbao es una extensión de mi mesa de dibujo. Ponerte solo a trabajar cuando vas a hacer un chiste o una tira no tiene sentido. Es necesario tener la maquinaria de la mente bien engrasada. Por eso, anoto en una libreta todas las ideas que voy recogiendo por ahí.
Pero la cocina no es lo mío. Requiere mucho tiempo y yo no lo tengo. ¿Cocinillas? ¡¡Noooo !! Soy un desastre en la cocina. Suelo poner la comida, la merienda y la cena a mi mujer y a mi hija, pero me repito muchísimo. Te pondré un ejemplo – Asier, sonríe como un niño travieso-.
Ayer, le hice un par de huevos fritos para comer a mi hija, y le he dicho que hoy para cenar le pondría huevos con patatas fritas. Me ha mirado y me ha dicho: “Aita, haz alguna vez, algo serio “ jajjjajjj
Al menos, lo bueno es que comemos todos juntos y así disfrutamos de esos momentos alrededor de la mesa. Pero ya te digo, tiramos de lo primero que pillamos, porque a mi mujer, Ignacia – socióloga argentina- tampoco le gusta cocinar.
Rafa Nadal, reciente ganador del Roland Garros 2020
( FIN 1ª PARTE ENTREVISTA / CONT. PRÓXIMO FIN DE SEMANA)
Rubricando la amplia cobertura mediática que está teniendo nuestra actual exposición encontrarte en Santurtzi, ayer jueves día 5 de noviembre, al filo de las 10,30h de la mañana, fuimos invitados a una amena conexión en directo desde la propia sala de la Casa Torre, a cargo de la periodista de RADIO POPULAR DE BILBAO, Mai Madrazo.
Una bonita y soleada mañana -eso sí, algo fresquita- en la que daba gusto estar en la sala; rodeados de nuestros «niños/as vestidos/as de colores» y viendo por los ventanales el intermitente paso de los transeúntes.
En definitiva, la vida fluyendo, y nuestro arte, nuestras obras, testigos privilegiados casi al pie de calle…
Solventados unos imprevistos problemas técnicos iniciales, y después de una interesante introducción radiofónica de los primeros pasos de nuestro proyecto, Ana y yo, nos abrazamos una vez más a la magia de las ondas, para alzar nuestra voz con el sello de esta necesaria denuncia social.
A continuación el audio de este inolvidable encuentro de trabajo.
Ángel MOMOITIO GARCÍA
(Directivaencontrarte)
Preciosa panorámica de la sala vista desde la calle
Entevista realizada por Abdul Kader Al Khalil para encontrarte.
Hoy me complace entrevistar a mi compañero y amigo Fernando Alea.
1- ¿Qué representa para ti el proyecto de encontrarte?
Creo que es un proyecto de 24 amigos en común para algo verdaderamente importante. El arte da felicidad y en este caso busca justicia.
2- Montmartre es el lugar de culto para los artistas en Paris, ¿Crees que la calle mayor en Medina de Pomar se inspira en París?
Ya me gustaría, y desde luego yo voy a hacer todo lo posible para que así sea, aunque me pongan todas las pegas del mundo, que no es así porque casi siempre cuento con la colaboración de las autoridades y de todo el pueblo. Hablo con conocimiento de causa porque en su tiempo yo fui uno de los que estuvo en Montmartre.
3- Muchos lectores han conocido a Soria leyendo a Antonio Machado, o viceversa. ¿Crees que podemos conocer a Fernando Alea cuando se habla de Medina de Pomar y viceversa?
No tengo ningún interés, yo procuro pasar por la vida intentando ser lo más feliz que pueda y hacer lo que me gusta y en este caso he encontrado el lugar y la gente que me proporciona todo eso.
4- ¿Qué es para ti la naturaleza? ¿Y por qué te sientes atraído por Claude Monet más que por otros?
Siempre me ha gustado Claude Monet, Modigliani y Sorolla, como referentes en mi pintura. Últimamente hice un viaje a París con Alumnos de Marbella y fuimos a casa de Monet en Giverny y quedé fascinado de su jardín. Hice cantidad de fotografías que me han servido para hacer dos exposiciones en honor a él y espero que aún me quede alguna más.
5- Tú sabes que todos los artistas nos sentimos orgullosos de Velázquez, de Goya, de Picasso o de Pedro Berruguete, sin embargo, todos han sido profetas fuera de su tierra, ¿crees que seguimos despreciando el conocido?
Eso es muy normal, o ser reconocido después de muerto, pero un pintor tiene que vivir el gozo de pintar, no importa lo que pase, aunque sí debes ganar lo suficiente como para vivir tú y tu familia honestamente. Yo por lo menos nunca he buscada ni fama ni dinero, me conformo con otras cosas más humanas
6- ¿Crees que los artistas en general estamos unidos? ¿No debemos pedir mayor participación en la cultura?
Yo procuro ser amigo de todos los que conozco y tengo con casi toda una gran unión, la prueba es la cantidad de amigos que han colaborado en el Museo a Cielo Abierto de Medina de pomar. En cuanto a pedir mayor participación en la cultura, yo creo que es el punto flaco de los políticos, no se dan cuenta de lo importante que es para su pueblo tener cultura y educación. Creo que eso colabora a hacer más felices a los pueblos.
7- Entre el ayer y el hoy, qué destacarías del ayer para conservarlo, ¿y qué eliminarías del hoy y que nos sobra?
De ayer no quitaría nada porque hasta las cosas malas que han pasado, han hecho que hoy seamos como somos y estemos en este momento. En todo caso crítico la guerra y matar seres humanos sin ninguna culpa. Hoy quitaría tanta máquina y tanto móvil que nos hace perder el diálogo y el acercamiento a los demás.
8- París es la Meca del arte, ¿No crees que debe ser visitada por todos los artistas, y que recuerdos conservas aun de París?
Paris debe ser visitado por artistas, por relojeros, por carniceros y por ingenieros, es decir por todo el mundo, aunque el Paris que yo conocí en el año 62 del siglo pasado no tiene nada que ver con el Paris actual, mucho más limpio y más cuidado, pero con mucha menos alma y glamour del que yo conocí y del que me enamore.
9- Por último ¿Cuál es el cuadro que te gustaría pintar y aun no has pintado, y que cuadro tuyo consideras que es tu obra maestra?
Me gustaría haber pintado algún rostro de Modigliani, pero yo no creo que tenga ninguna obra maestra, soy un pintor que pinta y mi afán en la vida es vivir feliz y aprobar el minuto a minuto todo el tiempo que esté aquí. Me gustaría dejar un buen recuerdo. Nada más.
CRÓNICA SOBRE LA OBRA DEL ARTISTA
Madre
Hasta la llegada del impresionismo la pintura reproducía escenas de acontecimientos, Los Impresionistas estaban cansados de pasar su tiempo en los estudios, y cansados de pintar interiores, y también de pintar solo figuras humanas o bodegones, necesitaban libertad y no solo de pintar al aire libre que también, además libertad en salirse de lo académico, salirse de la formalidad, y libertad en sus creaciones, obras decididas por ellos mismos, y se centraron en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos y no en la representación exacta, ya que la luz tiende a difuminar los contornos.
La luz es el espíritu del arte y cualquier pintura es una combinación de luz y color. Quien observa las pinturas del artista Fernando Alea, verá claramente el significado de estas cualidades.
El artista Fernando Alea es uno de los mejores artistas del impresionismo. En su trayectoria, representa habilidades teóricas y prácticas en la iluminación del paisaje. Leal al concepto de conseguir una representación del mundo espontaneo. Y parte del análisis de la realidad. A Fernando Alea no le importa el objeto, sino la variación cromática, los impresionistas eliminaron los detalles minuciosos y han seguido las formas, empleando para ello el azul, amarillo y rojo. Y los complementarios naranja verde y violeta. Consiguieron ofrecer una ilusión de la realidad, aplicando sobre el lienzo pinceladas de color cortas.
El artista Fernando Alea pone especial atención en la personificación de las flores y jardines importantes para cambiar la iluminación en poco tiempo. Sus ojos dibujan un color verde limpio y con él las cosas simples que pasan en las horas diarias. Vemos su gran interés en el color casado con la luz. Las primeras luces del impresionismo podemos encontrarlas en Venecia del siglo XVI y en la época del Barroco como en las pinturas de Halls y Velázquez. O en la pintura Inglesa de Constable y de Turner. O en la escuela de Barbizón en las pinturas de Corot.
Varias obras de Fernando Alea
Veo en Fernando Alea un gran interés en mostrar las cosas como si estarían en la atmósfera natural, y sus pinceles dibujan el aire entre una cosa y otra, Notable atención en las pinturas del artista Fernando Alea encarna la brisa que sacude las hierbas. Esta es la ventaja del gran maestro.
El impresionismo en su búsqueda de los nuevos temas, ha llegado a eliminar los temas mitológicos religiosos e históricos. Desaparecen los personajes mitológicos, y tampoco aparecen las escenas idealizadas de los pintores románticos. No dan importancia al detalle sino al conjunto, a la impresión general. Que suscita la realidad en el pensamiento.
El impresionismo vino de la pintura del artista francés Monet, que significa poner colores directamente sobre las telas sin depender de los dibujos, por lo que los colores son claros y limpios. El color Es el que controla el espectáculo de las luces y sombras, y aquí, también, el artista Fernando nos da una lección útil de esta manera, y nos hace ver el reflejo de las cosas dentro del agua como algo divertido y pintoresco,
Fernando Alea utiliza la luz natural a pesar de que pinta en el interior. En cada una de sus encarnaciones, utiliza la iluminación natural como el artista Monet. Por eso es difícil ver y olvidar a un artista de esta escala. Es uno de los más grandes artistas en su diseño monumental.
Entevista realizada por Abdul Kader Al Khalil para encontrarte.
1- ¿Qué representa para ti el proyecto encontrarte y como lo defines?
Para mí el proyecto encontrarte representa la denuncia de unos acontecimientos que nunca tenían que haberse producido y que nunca deberían volver a repetirse.
encontrarte es la voz de miles de personas representada a través de 24 obras de 24 artistas.
Yo me siento muy orgulloso de formar parte de este proyecto que utiliza el arte como medio de expresión.
2- Nos complace saber sobre tus creaciones, ¿nos puedes definir tu estilo pictórico?
La verdad es que no sabría muy bien cómo definirlo. Digamos que es un estilo libre, propio, de fusión, que me permite hacer lo que quiero, de la manera que quiero.
Yo soy autodidacta y he ido explorando la pintura por unos caminos muy íntimos y personales. He trabajado como fotógrafo, he estudiado publicidad, he desarrollado el dibujo, el color…y supongo que este es el resultado.
3- Cuando comienzas una obra, ¿en qué te inspiras?
Si la obra es abstracta, me dejo llevar por mis sentimientos, por mi energía… y voy trabajándola sin saber a dónde voy. Pero si es figurativa, a veces tengo algo en la cabeza y lo voy transformando según la obra me vaya pidiendo. Normalmente cuando empiezo una obra, no sé cómo va a acabar, no es una ciencia exacta. La improvisación es fundamental.
4- Si hablamos del covid 19, ¿de qué modo ha afectado a tu creación? ¿Piensas que ha transformado la manera de hacer arte?
Yo puedo hablar de mi propia experiencia. Supongo que a otros artistas les habrá influido de otra manera.
En el momento del confinamiento, al no poder comprar materiales para pintar, he tenido que utilizar soportes y materiales que tenía por el estudio y utilizar otros medios como el digital, que ya venía utilizándolo a raíz de la lesión que me obligó a retirarme temporalmente de los pinceles. Y claro, descubres otro mundo lleno de posibilidades. Así que estoy en esa etapa de búsqueda y de exploración.
5- ¿A qué se debe la poca venta en el arte? ¿Acaso el arte es demasiado caro?
Yo creo que es cuestión de prioridades. Hay arte caro y arte barato, pero desde luego los sueldos no dan más de sí. El paro, la precariedad laboral… no permite a la gente hacer muchos planes e inversiones.
Una familia media no piensa en comprar arte, por mucho que le guste. No lo valoran como opción. Cada vez se gana menos dinero y hay muchas cosas por pagar. Se accede a aquello que se puede pagar a plazos, la compra, unas vacaciones, o un móvil. Y para decorar su casa, van a una gran superficie y arreglado.
6- ¿Dónde ha sido tu primera exposición? ¿Y qué tipo de exposiciones te gustan más, las individuales o las colectivas? Si hablamos de los deseos, ¿dónde te gustaría hacer tu próxima exposición?
Mi primera exposición fue en el año 2002 en la Fundación Gregorio Sánchez, en Madrid.
Respecto a las exposiciones individuales o colectivas, las dos me gustan mucho. Las individuales, que es el modelo que más he llevado a cabo, me gustan porque me permiten proyectar en esos espacios un concepto, y eso es un reto que te hace superarte, porque tienes que tomar tú todas las decisiones.
Las colectivas, porque como en este caso, estar rodeado de gente tan grande, me hacen sentir mejor de lo que soy. Conocer otros artistas, oírlos hablar de su experiencia, ver sus pinceladas, sus trayectorias, son un respaldo y una experiencia para todos los sentidos.
Ahora mismo no estoy pensando mucho en exponer. Quiero volver a ello, pero no tengo ninguna prisa y tampoco ninguna preferencia.
Cada sitio aporta algo. Indudablemente una galería o una sala de exposiciones cuida mucho la luz, el espacio, te publicitan, etc. Pero yo he expuesto mucho en bares y la experiencia ha sido muy positiva. Es una forma de acercar el arte a mucha gente que no acude a esas galerías o salas de exposiciones.
Cualquier lugar resulta interesante si te tratan con respeto. Mi deseo es seguir exponiendo, no me importa mucho donde. El caso es mostrar la obra, pues encerrada en el estudio, solo se llena de polvo y resignación.
7- El color es como las cuerdas de una guitarra, que nos hacen sentir sensaciones. ¿Qué deseas que transmitan tus colores?
Fuerza, pasión, reflexión, energía, vida. El color es magia. Si no lo trabajas bien el mensaje cambia. Para mí el uso del color es muy importante, pues en él reside la fuerza de lo que hago. Yo no soy un gran dibujante, por lo tanto, el color es mi firma. Cuando alguien ve un cuadro de algún artista y le recuerda a mi obra bien sea por el color o porque no tiene rostro, me alegra mucho, porque veo que le ha calado.
8- Me gustaría preguntarte en qué momento has decidido ser artista. ¿O es que ha sido desde niño?
Supongo que se ha ido forjando desde niño. No te levantas un día y dices, voy a ser artista. Desde niño he dibujado y pintado y aunque no he estudiado nada relacionado con la pintura, sí que me ha apasionado tanto, que poco a poco fui profundizando en los materiales, las luces, las sombras, los colores… y así me he ido dedicando a esto.
No hay un interruptor que conectes o desconectes. Supongo que es una forma de mirar, de sentir, de ver la vida, que nos hace únicos y diferentes.
9- Generalmente, aparece en tus obras las figuras femeninas. ¿Por qué has tomado esta decisión al ser artista multidisciplinar?
Digamos que es una etapa de mi vida que, como todo, tuvo su comienzo y ha tenido su final. No quiere decir que no vaya a pintar más desnudos femeninos, pero ahora estoy explorando otras posibilidades utilizando otros medios (como he dicho anteriormente), y utilizando otros soportes.
Creo que es importante que haya esa evolución porque si no, nos aburriríamos y aburriríamos a la gente. Creo que lo más importante, es que haya pasión en aquello que se hace, que haya sentimiento. En el momento en que esa pasión pierde su fuelle, buscas otra opción que te vuelva a hacer sentir que estás vivo.
CRÓNICA SOBRE LA OBRA DEL ARTISTA
Tan cerca y tan lejosSi estuvieras aquí
Desde el comienzo de la historia, el arte ha sido sometido a la lógica de la perspectiva deseando reproducir la realidad visible. Con mayor y mejor acierto ha ocurrido en la pintura desde el siglo XIII, basando sus producciones en la tecnología, la ciencia y la filosofía. La llegada del siglo XX marcóel Inicio de una era artística en la que los artistas buscaban nuevos lenguajes para una nueva era que escapaba de los paisajes naturales y del figurativo clásico.
El artista Sergio Llorente ama la libertad. Y no se contenta con ir a la estructura de las cosas, quiere ver la verdad escondida bajo la conciencia. Escoge temas tomados del realismo y se parecen a un sueño, en las que no hay contradicciones entre el pasado y el presente. O entre el hoy y mañana.
Nuestro amigo Sergio Llorente desde su iniciación se ha movido en el estilo abstracto y luego ha pasado al figurativo expresivo, y de nuevo se inclina por lo abstracto. Todos sabemos que el arte figurativo es el arte representacional, es lo contrario al arte abstracto. Lo figurativo generalmente es lo más entendible por la mayoría de la gente. Pintar imágenes reconocibles, lo que se entiende en el movimiento realismo artístico, con su tendencia personal que elige sus figuras de forma personal y lo entendemos como un estilo idealista.
En cuando al arte abstracto, se puede afirmar quees un concepto general opuesto al concepto del arte figurativo, que remite lo más esencial del arte, reducido a sus aspectos cromáticos formales. La abstracción acentúa las formas abstrayéndolas, y las pone lejos de la imitación o reproducción. Rechaza cualquier forma de copia, ya que pierde esencia y la conciencia del artista que la ha creado, si esto sucede por otro artista.
El mundo ante tiAmargura
El artista Sergio Llorente es un pintor autodidacta, lo cual es de aplaudir por el esfuerzo que hace en una época que cuesta mucho al artista hacerse hueco. Merece todo mi respeto y apreciación por este gran esfuerzo, y en su favor le doy lasgracias a los artistas autodidactas que hacen llenar las salas de exposiciones en el mundo, y también,por supuesto,los académicos. Pero no olvidemos que muchos académicos en los últimos años han obtenido los títulos pero no el título de ser artistas. El artista verdadero es quien produce sin descanso y a pesar de las dificultades,como lo hace Sergio Llorente. No olvidemos que muchos maestros del arte han sido autodidactas: Henri Rousseau, William Blake, Benjamín Palencia, y Antoni Tapies, entre muchos.
Para un pintor, ser abstracto no significa transformar todos los objetos naturales, sino consiste en sacar la luz, las relaciones que existen entre dichos objetos. Para entender lo abstracto es necesario que contemplemos primero. En la pintura figurativa las modalidades de la representación son la relación con el lenguaje. En esta, las líneas y los colores se articulan para construir unidades significativas que remiten destacamento a la realidad. El referente es el objeto; el nivel de las formas reales son el sistema de referencia. Por otro lado, el abstracto rechaza la representación figurativa, el punto de contacto que tenía la pintura con el lenguaje.
El loco mundo de la corduraOtoño
El arte abstracto es el arte de la emoción, del sentimiento. Se puede decir quees lo que más se ajusta a la sociedad actual;el arte que sirve para reflejar lo que dice nuestro interior, sin la necesidad de recurrir a las formas del pasado. El abstracto no tiene que ser comprendido para ser valorado, pero también tiene que ser estudiado, pensado y no serel producto de la casualidad. Y, de cualquier manera, si dejamos alo casual ser el protagonista, estamos diciendo que el artista es quien mancha colores y no es el que nace.
Nunca desaparecerá el arte figurativo, es la esencia del realismo en la historia, y nunca se puede poner puertas al campo, es la libertad. Para mí no existe un estilo bueno o malo, solo existe el arte bien hecho, y cualquier pintura es bella si esta bien hecha, sea en el estilo que sea. Solo así entiendo el arte.
Encontrarte 
Debe estar conectado para enviar un comentario.