Entrevista a Paola de Miguel

Paola de Miguel junto a su obra “Vínculos perdidos” para encontrarte

Entrevista realizada por Abdul Kader Al Khalil para encontrarte.

Para mí es un placer entrevistar a una artista de la talla de Paola, compañera en encontrarte.

1-Hola Paola, ¿nos podrías explicar que representó para ti el proyecto de encontrarte?

Hola Abdul. Siempre me he sentido identificada con la problemática de la injusticia y la desigualdad, y a menudo me he cuestionado el porqué de tales conductas en la sociedad. Cuando me propusieron formar parte del proyecto encontrarte, participar me permitió expresar a través de mi obra la problemática en la que se encuentran muchas mujeres en muchos ámbitos de sus vidas. Un tema trágico como el que trata encontrarte, la comercialización y sustracción de niños robados, me ha dado la oportunidad de sensibilizar a la sociedad del sufrimiento de tantas mujeres y sus familias y aportar un “granito de arena” como apoyo a esta noble causa, donde toda ayuda es poca. Desearía que este hecho haya servido para refrescar y dar continuidad a la ayuda a estas familias, tan necesaria y que tanto consuelo y apoyo necesitan.

2-Para llegar a tu nivel en el arte, ¿crees que es suficiente el aprendizaje, aunque no se tenga vocación, o no basta el aprendizaje si no que se nace desde pequeño?

El arte ha sido y es una necesidad en mi vida. Nunca he tenido que tomar la decisión de ser artista, por lo que entiendo que es una premisa importante para dedicarte a este mundo. En mi caso, se trata de un tema vocacional. Sin embargo, contar con vocación no es condición suficiente para ser artista. Para ser un buen profesional; alcanzar un adecuado desarrollo en diferentes disciplinas y una alta calidad en el desarrollo de la técnica, es necesaria la formación continuada con constancia y autoexigencia para poder desarrollar un alto potencial.

La vocación, desde mi punto de vista, aporta esa magia interior que permite construir un trabajo diferencial, único, especial y complicado de reproducir, que te descubre un camino propio en el desarrollo personal. Desde temprana edad, mis padres fomentaron en mí la creatividad, me facilitaron poder trabajar en diferentes áreas artísticas, me enseñaron a disfrutar de la naturaleza y apreciar los pequeños detalles que forman parte de nuestro entorno. Todo ello, ha enriquecido mi desarrollo perceptivo y emocional.

Como conclusión, una buena base técnica en la preparación del artista es indispensable. Pero lo que te dará un carácter diferencial es la búsqueda de tu propio camino, que te lleve a conseguir tu pleno desarrollo y tu crecimiento vocacional.

3-¿Cuánto tiempo sueles tardar en pintar un cuadro? ¿Y cómo es el proceso de convertir la realidad en símbolos?

Depende de la técnica que utilice, del tema a tratar y de lo que quiera expresar con la obra. Por lo general, hago un estudio previo y lo plasmo con pinceladas rápidas y decididas.
Considero que la importancia de la obra realmente no está en el tiempo de desarrollo; sino más bien, en el resultado que te propones alcanzar.
La constancia y el trabajo te permite generar un proceso mental en desarrollo. Cuando comienzas a formarte, te preocupas en ser un buen dibujante, delimitar contornos, usar sombras y generar expresiones. Posteriormente, las inquietudes por progresar te generan la búsqueda de un propio camino e intentas pintar lo que no existe. Cambias la forma de interpretar a través de símbolos, produciéndose un fenómeno de sustitución de los elementos representados, situándolos a un nivel más profundo que la propia forma representada.

4-¿Qué es para ti el surrealismo y como ves el desarrollo del surrealismo en Euskadi?

El surrealismo representa un movimiento que apuesta por la expresión espontánea y desinhibida del pensamiento, buscando sobrepasar los límites de la imaginación, de la realidad que se imponían en el arte en ese momento. Intenta hacer que la realidad parezca absurda, en un mundo fantástico y onírico.

Hoy en día, las corrientes en Euskadi han evolucionado y nos muestran unas posibilidades de llegar al público diferentes. El panorama artístico difiere mucho de lo que un día fue. La posibilidad de viajar, de conocer nuevas culturas y la incidencia de nuevas corrientes internacionales, han sido significativas para generar un cambio a un arte más moderno y contemporáneo. En Euskadi esas corrientes se han introducido poco a poco, con un contenido actual y renovador, e intentando promover nuevas propuestas.

5-Cuando pintas, ¿te alejas de la realidad y das rienda suelta al sentimiento, o más bien estudias el trabajo antes de comenzar?

En la mayoría de mis obras, trato de potenciar la creatividad y la imaginación plasmando sentimientos internos.

En el estudio previo de la obra, investigo sobre la diversidad de cuestiones que pueden incidir en su desarrollo. Los bocetos suelen ser ,en algunos casos, un fiel reflejo de la obra final. Aunque muchas veces, incorporo innovaciones espontáneas a las que me conduce la obra en el momento de ejecutarla.

En otras ocasiones, la espontaneidad despierta en mi fantasía e imaginación más libre e impulsiva.

6-¿Qué papel han tenido en tu formación los museos? ¿Y cómo influye Galicia en tu pintura?

La educación familiar en mi infancia ha ido siempre acompañada, entre otras, de visitas a museos, salas de arte y monumentos, hecho muy determinante en mi andadura artística. Asímismo, en mis viajes no dejo de visitar la riqueza artística del país. Una gran aportación para el desarrollo de mi creatividad. Como referente, la Feria de Arco Madrid, una de las citas a la que acudo todos los años y me aporta una visión de las nuevas tendencias.

Con respecto a tu segunda pregunta, Galicia, como sabes, es mi ciudad natal por parte materna, pero desde muy joven he residido en Bizkaia. Este hecho, hace que mi influencia artística provenga del País Vasco, donde me he criado, formado, relacionado con pintores y galerías, y donde ejerzo actualmente mi profesión. Sin embargo, mantengo un contacto estrecho con Galicia y la visito a menudo. Allí, he realizado algunas exposiciones. Siempre me parece enriquecedor observar los movimientos de vanguardia gallegos.

7-¿Alguna vez has comenzado una obra y no la has podido acabar?

Efectivamente, en muchas ocasiones he dejado obras sin terminar por mi autoexigencia con el resultado. Y en otras, son pruebas de pura investigación.

8-¿Interfieren las salas de exposiciones en tu estilo y si te pidieran que cambies les harías caso?

Las salas de exposiciones no interfieren en mi estilo; cada artista es único y su obra representa su personalidad. Las galerías son piezas indispensables para el artista; ya que, nos permiten una estabilidad y visibilidad de nuestra obra en el mercado, a través de espacios físicos y virtuales. La imagen que quiere proyectar el galerista es diferente en cada caso y tienen claro qué tendencia quieren representar. Por consiguiente, si un galerista decide exponer tu obra es porque encaja en su perfil.

9-¿Qué papel otorgas a los críticos de arte?

Los críticos de arte tienen una importante responsabilidad, porque su ejecución exige un alto nivel de conocimiento sobre arte y cultura; una alta responsabilidad, imparcialidad y estar capacitado para realizar una opinión de valor. Por ello, tener en cuenta su opinión aportará opciones de desarrollo.

Parece que su influencia en el mercado se ha ido mermando por la baja difusión en los medios. Aunque pienso, que siguen manteniendo una alta relevancia en el círculo del arte y sectores especializados. Por otro lado, hay que tener en cuenta el desarrollo de las nuevas tecnologías, que apuntan a una nueva revolución.

CRÓNICA SOBRE LA OBRA DE PAOLA DE MIGUEL SÁNCHEZ

“Vínculos perdidos” de Paola de Miguel para encontrarte

Hablar de Paola de Miguel, es hacer referencia a un estilo pictórico que representa la realidad convertida en magia, después de un proceso largo y de una manera diferente. Es hablar del surrealismo que nos lleva a la reflexión y la realidad en un nivel subconsciente, donde las reglas desaparecen y todo puede pasar. 

Desde Brotón hasta Dalí, y desde entonces hasta hoy, muchísimos artistas han sido surrealistas en sus creaciones; unos en forma total y otros de forma parcial. Encontramos la mayor fidelidad al surrealismo en las obras de Max Ernst, Dalí, Man Ray, Miró, Chirico y Magritte, entre otros. El surrealismo propone una teoría de lo irracional como medio para cambiar la vida, la sociedad y el arte. Y tiene como base teórica la interpretación de los sueños.

Pinturas de Paola de Miguel

Nuestra compañera Paola, intenta encontrar la inspiración en su mente, en ella misma; es decir: intenta olvidar todo pensamiento lógico o racional;  ya que, en este estilo de arte la realidad no nos ayuda para poder representar una nueva obra con una distinta expectativa. Es por ello, por lo que no representa temas que hablen de experiencias pasadas, de objetos, de cambios, entre otras cosas. Su objetivo principal es representar la realidad que no ven los demás; es decir: una realidad que está en el inconsciente o los sueños. Es por esto, por lo que el arte surrealista es uno de los estilos más difíciles de comprender.

En este movimiento siempre hablamos de los hombres surrealistas, mientras se olvida hablar de muchas buenas pintoras surrealistas. Las mujeres surrealistas contribuyeron a este movimiento en aspectos tales como el estilo narrativo con conciencia feminista; ya que, desde el ámbito artístico, consiguieron reflejar en sus obras la relación entre la ciencia y el arte, buscando revelar el orden interno del mundo fantástico tomado de sus experiencias personales; buscando lo racional en el mundo de la fantasía, la naturaleza, la alquimia, lo sobrenatural, unido a la mujer como fuente de sensibilidad y poderes regenerativos. Así, encontramos las obras de Remedios Varo, una de sus representantes, como Eileen Forrester Agar (1899-1991) de Argentina. Y la Belga Rachel Baes (1912-1983) que era del grupo de René Magrite. También, la británica Leonora Carrington (1917-2011), compañera de Max Ernst. Además, la artista argentina Leonor Fini (1907 -1996), o la mexicana Frida Kahlo y Paola de Miguel.

Una muestra de la obra de Paola de Miguel Sánchez

Paola mezcla objetos, sentimientos y conceptos que la razón mantiene separados, apareciendo asociaciones libres e inesperadas palabras, metáforas insólitas e imágenes. Para conseguir esa finalidad de liberar al ser humano de las represiones personales y sociales, se vale de una serie de técnicas para buscar la libertad de creación.

En sus creaciones plásticas, parte de que la forma es considerada el motivo central y el concepto es clave. Por lo tanto, se considera que las formas siempre transmiten valores éticos. En consecuencia, desde el surrealismo se quiere hacer ver que detrás de cada uno de los conceptos formales básicos existe una visión del mundo, una concepción del tiempo y una idea definida del sujeto.

Abdul Kader Al Khalil

عبد القادر الخليل

Entrevista a Amaia Cadenato

Amaia Cadenato

Entrevista realizada por Abdul Kader Al Khalil, artista e investigador, para encontrarte.

1.- ¿Qué ha representado para ti el proyecto de encontrarte?

El proyecto de encontrarte ha supuesto para mí todo un reto. Es una oportunidad de poder participar junto con un montón de artistas, para poder dar visibilidad a una problemática concreta. El tema de bebés robados. Una trama durísima, que concentra un dolor enorme en madres y padres, hermanos y familiares.

Es un asunto complicado de difícil solución. No existe ninguna voluntad de querer aclarar, resolver o apoyar a las familias. Es una lucha solitaria, ingrata– muy pocos casos se han resuelto-; los impedimentos y las trabas de las instituciones no ayudan.

Por eso es un honor poder gritar “¿Dónde está mi bebé?”.                                                                      

2.- ¿Cómo defines tu estilo artístico?

Desde pequeña me ha encantado pintar. Cuando estudiaba en la universidad (estudiando otra cosa) empecé con distintos artistas en sus talleres a aprender, pasando por el Museo de Reproducciones Artísticas de Bilbao con Manuel Balsa “El Ruso” y terminando con Richard. Dibujo, pintura: óleo, acrílico y acuarela. Me he inclinado por la acuarela, el agua, la fusión de los colores, la luz. Richard me hizo enamorarme de la acuarela.  Pinto tanto realista como impresionista y cada vez más impresionista.

3.- Todo artista intenta transmitir un mensaje en sus obras, ¿qué deseas transmitir tú en tu pintura?

Me gusta mucho la fotografía, e intento captar “momentos” mágicos. Son sensaciones mías: un rincón de mi ciudad, un juego de luces, una mar en calma o agitada, un paisaje, que luego tiendo a plasmar en un cuadro. Normalmente son lugares reconocibles, que en ese momento tienen valor para mí. Me importa mucho mi ciudad, Bilbao. Cuando era pequeña, no era un lugar amable ni bonito. Ahora está precioso y disfruto pintando sus rincones.

4.- Cuando haces una exposición, ¿qué sensaciones te produce antes de la inauguración? ¿Miedo, preocupación o felicidad? ¿Y por qué?

En parte preocupación, ¿gustará no gustará?, y ese gusanillo de que todo salga bien. El compromiso de que esté toda la obra preparada, bien enmarcada (bien vestida), todo a punto, catálogos, folletos y a partir de ahí a disfrutar.

5.- ¿Has alcanzado los sueños que llevabas al comienzo de tu trayectoria, o te ha defraudado el arte?

Mis sueños están todavía intactos. Mi vida laboral ha transcurrido por otros caminos, una familia a la que he dedicado tiempo, y he pintado, no lo que yo quería dedicarle. Dentro de poco me voy a jubilar y empezarán a realizarse mis sueños.

El arte no me defrauda nunca. Requiere constancia, esfuerzo, tiempo, dedicación. Y hasta ahora no he podido.

6.- ¿En qué te fijas al comenzar una obra, en cómo quedará el aspecto exterior, o en las emociones que puedes transmitir?

Diría que en las emociones que puedo transmitir. Qué sensaciones puede percibir el espectador; en el caso de la acuarela el juego de las transparencias para las marinas, o los colores para transmitir un mensaje, o un lugar con encanto.

7.- ¿Ha podido afectar la pandemia en tu pintura? Y si es así, ¿ha sido para pintar más o menos?

Dentro de una circunstancia tan extraña, a mí me ha beneficiado. Toda mi vida ha sido un sin vivir. No he tenido tiempo para nada. De repente todo se para, nos confinan, y precisamente lo que tengo es tiempo. Para conocer a mi hija, para cocinar, y he pintado relajada y disfrutando.

8.- ¿Volverías a participar en un proyecto como encontrarte y por qué?

Sin dudarlo volvería a participar en un proyecto como encontrarte. Durante toda mi vida me he comprometido en muchas causas, dentro de mis posibilidades y he participado activamente. Donde haya una injusticia y si puedo colaborar, estaré.

9.- ¿Crees que los artistas son privilegiados entre la sociedad, o solo es espejismo?

En el fondo hay de todo. Aquellos artistas que tienen nombre y fama son unos privilegiados. Se les compra por la firma no por lo que hacen. Hay muchísimos artistas que creen en lo que hacen y son capaces de transmitir y generar emociones, que llegan al público y merecen todo mi respeto.

CRÓNICA SOBRE LA OBRA DE AMAIA CADENATO

Amaia Cadenato junto a su obra Dónde estás corazón, para encontrarte

En el siglo XIX el ser autodidacta era un factor de orgullo, ya que implicaba una cierta ruptura hacia los cánones establecidos por las rígidas academias de arte en Europa de entonces. Este aspecto de auto didactismo va a ser también recalcado por algunos artistas formados por sí mismos. Mientras, en el siglo XX esto comenzó a transformarse en un ideal. Pero con doble cara; por un lado, un modo de orgullo para los autodidactas, sin menospreciar a los universitarios. Y por otro lado, no es suficiente ser académico sin amar el arte. “El arte nace y no se hace”. El arte es un don. DaVinci fue uno de los grandes autodidactas, no nos olvidamos de Van Gogh que aprendió el arte mirando lo que hacían sus compañeros, o el gran Munch, o el maestro del simbolismo, el artista Henri Rousseau quien no pintó nada antes de los 40 años. Entre ellos encontramos muestras de toda aplicación, referencias para la reflexión. Para cuando miramos una obra, debemos fijarnos en lo que vemos sin más, ya que el arte lo trabajan en mayor grado los autodidactas.  

De esta forma entiende el arte nuestra compañera Amaia Cadenato. Una artista que se hizo a si misma, llevando los estudios de arte en compañía de otras especialidades, ya que el arte es la vida como el pan, pero no se pude vivir de ello. Un tremendo peso el ser artista en nuestra época. A pesar de esto encontramos a buenos artistas que se esfuerzan cada día haciendo bellas obras como las obras de Amaia. Y sus obras nos permiten analizar las consecuencias reales sobre las creaciones. Nadie duda que un académico tiene el don de ser artista al superar los exámenes finales de su carrera, pero quién duda de los exámenes a los que se somete el artista autodidacta cada día de su vida, ya que cada exposición es un examen para ellos.

Varias obras de Amaia Cadenato

Amaia se ha aficionado al arte desde pequeña y su mayor fuente de influencia en el aprendizaje ha sido el Museo de Bellas Artes de Bilbao, No nos debe sorprender, ya que en el pasado vimos a grandes maestros del arte que han aprendido casi todo mirando los museos, tal como lo hizo Pierre Renoir. ”No tengo la culpa de que mis obras no se vendan” dijo Van Gogh. Yo añado: el artista de hoy no tiene culpa de la crisis, ni de que haya muchos artistas en el mundo. Particularmente pienso yo que debería haber el doble de artistas en el mundo, de esta manera habrá más paz y más belleza. Los artistas conservan las bellezas y no destrozan la historia.

Amaia Cadenato es licenciada en Economía y discípula del Profesor Richard. Se esforzó mucho para estudiar las dos carreras y aprendió todas las técnicas del arte. Nos ofrece bellas obras sencillas en su composición y sin ornamentaciones forzadas, eligiendo la técnica de la acuarela. Trabaja  sin complejos y sin buscar un estilo diferente, simplemente obras de bella ejecución, utilizando una de las técnicas más difíciles que hemos conocido en el arte y la más antigua, que es la acuarela. La acuarela es un término que etimológicamente deriva del latín “agua”. Es una técnica que ha gozado de gran popularidad ya que era la primera técnica usada en el mundo y sigue siendo la técnica noble hasta hoy, desde antes de los egipcios. El agua es el protagonista y el causante de su transparencia y luminosidad, dos características imposibles de conseguir casi con ningún otro medio.

Una selección de la obra de Amaia Cadenato

Dicho esto, debemos mirar las cualidades de la obra del artista con ojos limpios, es decir, sin preocuparnos sobre si esta realizado con uno u otro material, simplemente comprender su obra.

Es interesante mencionar la transformación que experimentan las obras de Amaia ejecutadas con esta técnica. Se trata del paso de la presentación de un aspecto muy vivo, a pesar de que no coinciden las opiniones sobre la acuarela. Sin embargo, la mayoría de los expertos en la técnica y en el análisis dicen que es la técnica mas compleja. Es la mejor manera para la representación de la luz y de la transparencia del agua. Debido a su condición acuosa, la fusión entre los distintos colores termina dando a la obra una belleza que no se consigue con otras técnicas. Su luz.

Abdul Kader Al Khalil

عبد القادر الخليل

Entrevista a Enrique López Suárez “Elosu”

Enrique López Suárez “Elosu” con su obra Siento que estás ahí para encontrarte

Entrevista realizada por Abdul Kader Al Khalil para encontrarte.

1-Amigo Enrique, ¿qué representó para ti el proyecto “encontrarte”?

Este caso de los bebés robados en las clínicas, hospitales y maternidades, ya había salido en los medios de comunicación, y todos estábamos enterados.

Pero ocurre que las noticias en la prensa, radio y televisión duran lo que dura su emisión; es decir, que a los cuatro días, si alguien no se ocupa de remover el tema, todos nos olvidamos.

Pues bien, en el caso de encontrarte, han sido un pequeño grupo de artistas de la pintura los que se han preocupado de recordarnos que siguen estos problemas.

En mi caso, los artistas Nistal Mayorga y Ángel Momoitio, fueron los que me informaron e invitaron a que participara en el proyecto. Me pareció muy interesante el desafío de colaborar y realizar una obra, que, de acuerdo con sus ideas, debía reflejar el vacío provocado por el bebé ausente.

En el lienzo, reflejé la imagen de una madre pensando que no iba a ver crecer a su hijo. El dolor y misterio de cómo fue, como era y como sería el niño que no estaría a su lado, mostrando la silueta de un bebé en un collage de un recorte de prensa con noticias sobre los bebés robados.

2-En tu opinión ¿crees que es necesario que el artista sepa utilizar todas las técnicas para ser artista?

Creo que no. Podemos utilizar el medio que tenemos en ese momento a nuestro alcance; un ejemplo son las pinturas prehistóricas, un niño realiza un dibujo efímero sobre el vaho de un cristal. Con un simple carboncillo se pueden crear obras preciosas. Por supuesto, cuanto más técnicas conozcamos, más oportunidades tendremos.

3-Si no es ninguna molestia para ti, ¿podrías decirnos cuantas obras has creado hasta el momento? ¿Y qué técnica trabajas más?

No lo sé exactamente. Unas mejores y otras peores, pero más de trescientas seguro. Me siento muy cómodo con el óleo y la acuarela, dependiendo del tipo de obra que se me ocurra, aunque las he realizado también con pastel, acrílico, gouasch, etc.

4-A lo largo de tu trayectoria como artista, ¿has comenzado alguna obra y no la has terminado?

Procuro rematar todas las obras que comienzo, aunque una parte de ellas (sobre todo acuarelas) son destruidas.

5-Todos los artistas al comenzar son influenciados por alguien. ¿Quién fue tu fuente de inspiración? ¿Es el mismo ahora que entonces?

Mis primeros óleos que realicé de manera autodidacta, fueron copias de Sorolla. Quedé cautivado por su pintura y creo que, aunque he ido evolucionando dentro de mi estilo, ha influido mucho en mi trayectoria como pintor.

6-El artista Eugène Delacroix en cierta ocasión dijo: “dame lodo y pintare con ello la piel de venus”. ¿Crees es tan fácil pintar figuras humanas?

Mi aprendizaje de la figura la hice con unos libros que me dejaron del norteamericano Andrew Loomis. Después practiqué en el Museo de Reproducciones con El Ruso y apuntes al natural en el Estudio Richard.  Dentro de la pintura de figura humana, me resulta más fácil pintar desnudos a los personajes que vestidos. Es menos complicado.

7-Algunos críticos de arte dicen que la acuarela es el hermano chiqui del arte, ¿Qué te merece esta opinión? ¿Y los que dicen esto, crees que conocen el arte?  

Pinto acuarelas y pinto óleos.  No considero a la acuarela como hermano menor, salvo en el tamaño; al fin y al cabo, la principal diferencia está en los aglutinantes y en el soporte. La pintura a la acuarela exige una previa estrategia por parte del pintor para tener todos los pasos de la pintura en su mente. De lo que uno quiere hacer a lo que salga… el agua es caprichosa y hace lo que le da la gana. El resultado de una buena acuarela es una gozada. 

8-Según Picasso, la escultura es el arte de los inteligentes. ¿Crees que los pintores son menos inteligentes?  

No creo que tenga nada que ver. Ambos trabajan con soportes diferentes. Y para crear una escultura considero imprescindible tener una idea de dibujo.

9-Según Oscar Wilde, el arte es el amor, la ternura es la que le da la fuerza. ¿Crees que el arte de hoy se hace todo con ternura?

Por lo menos eso intento. Poner todo el cariño en lo que hago.

CRÓNICA SOBRE LA OBRA DE ENRIQUE LÓPEZ SUÁREZ “ELOSU”

Siento que estás ahí, de Enrique López para encontrarte

“No se trata de pintar la vida, se trata de hacer viva la pintura.”

Paul Cézanne

Así es la obra de nuestro compañero el artista Enrique López: hace obras muy vivas, del entorno cotidiano, sean temas del paisaje urbano, o figuras sociales. Nacido para ser artista, hace suya la humildad a la hora de hablar de su obra. La humildad que deben tener todos los artistas ya que es la senda de todos los éxitos. El artista Enrique crea sus obras con lealtad al tema tratado o como notario de la historia. Mima el dibujo y cuida mucho de elegir las perspectivas. Realza sus paisajes transmitiendo en ellos la felicidad interna y nos hace ser partícipes de esta felicidad. Esa felicidad que necesitamos en los tiempos actuales para resistir a la pandemia.

“No hay medicina que cure lo que no cura la felicidad.”

García Márquez
Varias obras sobre músicos de Enrique López “Elosu”

La razón del artista Enrique López Suárez es una simbiosis de la pasión por la música vista por el arte. La música es uno de sus temas preferidos, como ha sido tratada en obras de grandes creadores como Vasili Kandinsky y Paul Klee, también en las obras del arte mexicano. Enrique López en sus pinturas trata este género con mucha ternura y usa unos colores que representan la intensidad del sonido, agradan la visión y son extraordinarios instrumentos reales.

Observo las obras de Enrique desde hace tiempo, es un artista sensible, creativo, con abundancia y renovador. En su obra trata todo lo que puede gustar al espectador: los paisajes, el mar, las ciudades históricas y las figuras humanas. Es un pintor hecho a sí mismo, lo cual tiene mucho mérito, como tantos artistas en el pasado que fueron autodidactas y de quienes nadie duda que fueron muy buenos artistas, como Giorgione, Turner, William Blake, Van Gogh, Henri Roseau, y Antonio Tapies entre otros; y de este calibre es el artista Enrique López.

“Yo soy un estudioso de la naturaleza, solo me he tenido a mí mismo como maestro, el trabajo más constante de mi vida ha sido consagrarme a la preservación de mi independencia.”

Gustave Courbet
Obra de “Elosu”

En las creaciones de Enrique López, vemos decenas de retratos y paisajes que podrían poner de buen humor a cualquier artista contemporáneo. Las pinturas de Enrique poseen una fascinación extraordinaria y conmueven las emociones y la nostalgia. Nos traslada con su pintura a desear estar dentro de sus lienzos, es un poder que atrae y lo hace con mucha habilidad.

Enrique pinta bajo el impulso del ansia de ser artista. Un pintor figurativo y paisajista, buen dibujante, tanto al óleo como en la acuarela, y en otras técnicas que practica con mucho conocimiento y con esmero.

Varios paisajes de Enrique López Suárez

El artista Enrique López, según mi conocimiento, es un amante de la luz y esa es su pasión que le lleva a tratar de plasmar su incidencia sobre las cosas, como embellece las cosas y como las hace más vivas. Prosigue la belleza de la luz de otra manera que hacía Sorolla, no es una definición académica, pero resulta una manera clara de explicarlo. No le han interesado impresiones abstractas, más bien paisajes que crean ánimo. Y son verdaderas obras de arte. Hay en ellas auténtica recopilación de cuantos rasgos definen el realismo. 

Abdul Kader Al Khalil

عبد القادر الخليل

Si quieres saber más sobre la obra de Enrique López “Elosu” visita su página web www.elosupintura.artelista.com

COMUNICADO ENCONTRARTE

Publicamos hoy esta entrevista, una semana después de lo habitual, coordinando que por ser época  navideña,  la próxima entrevista de Ábdul  será el miércoles 13 de enero.

Sin embargo, y en líneas generales, el resto de secciones y noticias de nuestro blog, seguirán pendientes de cualquier noticia  novedosa para contaros.

De hecho, el próximo miércoles día 23, antesala de la nochebuena, publicaremos en nuestro apartado  “Otros Encuentros” una interesante entrevista a Jon Mao y sus murales. Os invitamos a leerla.

Mientras tanto, solo nos queda lanzar un brindis por vuestra salud y desearos que disfrutéis de esta mágicas fiestas. Eso si, con mucha precaución.

¡¡ CUIDAROS Y OS ESPERAMOS A LA VUELTA !!

Ángel MOMOITIO GARCÍA

( Directiva Encontrarte )

Entrevista a Conchi Ororbia

Conchi Ororbia con su obra Noches oscuras, dónde está mi bebé para encontrarte

Entrevista realizada por Abdul Kader Al Khalil para encontrarte.

1-¿Qué representa para ti el proyecto de “encontrarte“?

Para mí simboliza una lucha ante la problemática y la sinrazón de la comercialización y sustracción de bebés que truncaron la vida a muchas familias. He tenido la suerte de participar junto a 24 pintores en busca de despertar conciencia social, colaborando y apoyando a AVIDNA (Asociación de Víctimas Contra la Impunidad de las Desapariciones Infantiles en Todo el Ámbito Nacional), lo cual me hace inmensamente feliz.

Ha sido una gran satisfacción contribuir a tan noble causa y agradezco enormemente al reciente fallecido y alma de este proyecto Roberto Zalbidea que contara conmigo; todavía recuerdo su llamada y el entusiasmo con el que me explicaba el objetivo de este proyecto.

2- ¿De qué manera das a conocer tu obra en el mundo?

En un principio a través de galerías, centros culturales, circuitos artísticos, concursos y similares, aunque por supuesto muestro también mi evolución e informo sobre proyectos tanto en mis perfiles de redes sociales (como Facebook o Instagram) como en mi página web, donde suelo colgar nuevas obras.

3- ¿Crees que en el arte contemporáneo todo es válido?

Esta es una cuestión harto compleja, y no hay, a mi parecer, una única respuesta. En mi opinión el arte contemporáneo tiene que llegar, generar en el espectador un sentimiento, transmitir emociones… En definitiva, tiene que dialogar con el espectador, por lo que si consigue alcanzar dichas metas puede ser perfectamente válido.

4- ¿Qué intentan exteriorizar tus obras y que deseas que generen en el receptor?

Mis obras, como la vida, han ido cambiando con el tiempo hasta llegar al expresionismo e incluso, en algunos casos, al surrealismo.

Contestando a tu pregunta, intentan provocar en el espectador un sentimiento, ya sea de rabia, alegría, amor o empatía, pero nunca indiferencia. Como he contestado en la pregunta anterior, mi obra persigue el diálogo con el espectador, bien sea de manera afable o de rechazo, pero es fundamental que hable y transmita, que consiga la implicación del espectador e invite a la reflexión.

5- ¿Qué opinión te merece el arte en las redes sociales?

Mi  opinión sobre las redes sociales es que son una potente herramienta que logra llegar de manera exponencial a millones de usuarios y que te brinda la oportunidad de que se te reconozca más rápidamente que a través de métodos tradicionales, pero también existe una parte negativa ligada a la dinámica y la presión que estas ejercen si se les quiere dar un uso divulgativo o propagandístico: la fugacidad y vertiginosidad de estas aplicaciones hace que el usuario que publica sus obras se vea de algún modo forzado a generar contenido de forma constante y, además, novedosa; no vale con publicar incesantemente, también hay que sorprender en cada obra. Y eso es algo, a mi juicio, poco realista.

No obstante, haciendo un buen uso de dichas redes no cabe ninguna duda de que pueden ayudar y, de hecho, ayudan al artista a proyectar su obra, y que constituyen un complemento muy enriquecedor que expande el impacto que el artista genera en galerías, ferias, centros culturales, etcétera. Yo doy mucha importancia a la comunicación personal entre el artista y su representante, por eso pienso que deben usarse como medio en cierto modo publicitario.

6- ¿Qué es lo que más te emociona en una pintura, la composición o los colores?

La composición es fundamental en todas las obras, pero me considero colorista y pienso y persigo esa emoción por medio del uso de color y potentes contrastes.

7-¿Todos los artistas buscan un estilo propio, crees es necesario tener un estilo personal para ser buen artista?

Es lo que todo artista anhela, que se le conozca por un estilo personal, que tenga sello.

Yo creo que no hay que obsesionarse con ello, pues ser artista es una carrera de fondo. Aunque se tiene que tener una cierta disposición especial innata, hay que sumarle a eso el trabajo constante, la disciplina, la investigación y creatividad, la provocación, el inconformismo, y, en consecuencia, la evolución. El resto viene solo y el tiempo lo dirá. Lo fundamental es disfrutar y transmitir lo que uno lleva en su interior, su Alma. 

8- En tu historia personal, vi que has expuesto en muchas ciudades, ¿en qué ciudad te gustaría volver a exponer más que ninguna?

No sabría decirte, ya que en todas me han tratado muy bien y me he sentido cómoda. En algún sitio repito por compromisos adquiridos artista-galerías, pero me gustaría seguir ampliando el círculo y exponiendo en todo el mundo.

9- ¿Qué te impulsa a hacer más figuras y expresionismo que otros estilos pictóricos?

Yo creo que ha sido una evolución fruto del tiempo, dado que he tocado otros estilos y no ha sido hasta llegar al expresionismo que me he sentido tan cómoda. Aun así, mi meta es llegar a la abstracción, lo que es muy complejo y exige un estudio e investigación profundo y transversal, siendo necesario, para mí, la aproximación filosófica, poética, etcétera.

Contestando a tu pregunta, siempre me he sentido atraída por la figura como medio de expresión del momento en que se vive a través de sentimientos y emociones, y que también ha ido cambiando con el tiempo. De hecho, sobre todo en esta última etapa, mis obras son más conceptuales, con figuras sobrepuestas, caras que se cruzan, sin diálogo, hombres y mujeres ausentes, cada uno con su vida, su historia y vivencias, con lo que persigo representar la manera en que vivimos hoy en una sociedad vacía, vertiginosa, individualista, ensimismada, donde la apariencia es lo que vale. Por contra también realizo obras simbolizando “un canto a la esperanza” para volver a creer en lo esencial.

CRÓNICA SOBRE LA OBRA DE CONCHI ORORBIA

Noches oscuras, dónde está mi bebé de Conchi Ororbia para encontrarte

“En nuestra vida hay un solo color, como en la paleta del artista que ofrece el significado de la vida y el arte, es el color del amor.”

Marc Chagall

De esta manera trabaja La Artista Conchi Ororbia, con amor al arte, y con amor al ser humano.  A los diez años tomo el arte como su mayor afición, ganadora de varios premios, y paseó sus obras en muchos países del mundo, y en muchas ciudades de España.

Sus obras son de un estilo personal, asociadas al expresionismo en sus conceptos. Se distinguen sus pinturas por la fuerza del color en combinación con el mensaje. Posee altas cualidades en sus investigaciones y el uso de la técnica que despierta grandes emociones en el lector.

“No me hace falta la luna, ni tan siquiera la espuma, me bastan solamente dos o tres segundos de ternura.”

Edward Münch

Solo dos o tres segundos de mirar las obras de Conchi para aprender a gozar el arte del expresionismo. El arte de denunciar las injusticias y de describir el dolor de los demás.

Varias obras de Conchi Ororbia

Como la mayoría de los pintores, Conchi Ororbia ha atravesado un largo proceso de experimentación hasta llegar a perfeccionar completamente su técnica. Sus pinturas muestran su compromiso con el arte al responder en cada momento a su particular modo de pintar, y de responder a las exigencias del concepto en sí. Representa sentimientos y emociones. Valiente por proseguir su sueño y conseguir un estilo propio en estos tiempos difíciles para comprender el arte.

William de Kooning señaló: “De vez en cuando el pintor tiene que destruir pinturas”. Es decir, salirse de las cosas repetidas, Cézanne lo hizo, Picasso lo hizo, Jackson Pollock lo hizo, y también lo hace nuestra compañera Conchi Ororbia.     

El arte, a lo largo de la historia, significó una expresión que representaba cada momento social y cultural de la humanidad. Una muestra de humanidad significan las obras de Conchi, es una expresión personal al retratar la preocupación en los demás en cuanto permanece la pandemia. Así es el Arte a través de la producción artística fue posible en muchos casos reconstruir las vicisitudes, usos y costumbres de cada época, las características de cada construcción social y las modalidades de expresión y comunicación del hombre. Presupone una manera de comunicación donde en el artista convergen simultáneamente el deseo de dar a conocer la cultura que lo habita y el poder decir y expresar los sentimientos. Visualizando las obras de la artista Conchi Ororbia, no es difícil asociar su estilo a al expresionismo, es una artista expresionista desde el pensamiento hasta el acabado de su obra, es expresionista incluso en sus paisajes.                                                                                                                                           

Una selección de la obra de Conchi Ororbia

El expresionismo es una de esas palabras que poseen dos significados. En su sentido más amplio se utiliza para describir obras de arte en las que predomina el sentimiento sobre el pensamiento, en las que el artista utiliza su pintura, no para describir situaciones o hechos, sino para exteriorizar emociones.

El arte, es una forma de expresión universal, pues podemos encontrarla en cualquier parte del mundo sin importar el idioma, lengua, dialecto, costumbres y tradiciones del lugar, puesto que sentimientos como la alegría, tristeza, amor, etcétera son percibidos de la misma manera.

El arte de Conchi se entiende como cualquier actividad o producto realizado por el ser humano con una finalidad estética o comunicativa, a través de la cual se expresa ideas, emociones o una visión del mundo. El arte de Conchi es un componente propio de la cultura, en el cual se refleja la concepción del mundo social. A través de su arte se transmite ideas, historias y valores, y si nos fijamos en las obras de nuestra compañera, entenderemos la felicidad de los que se aman, y comprender el dolor de los que se enfadan, y poder ver la distancia existente en algunos corazones.

Obras de Conchi Ororbia

El artista expresionista como Ororbia deforma la realidad, expresa sus emociones y su propia visión del entorno a través de colores violentos y un tratamiento brusco de la obra. Supone una representación del sentimiento de la soledad y amargura provocada por la indignación al ver los problemas sociales o las guerras que sacuden al mundo. También podemos ver algunas obras de Conchi que riman con el surrealismo, un surrealismo pensado y no es producto de la inconsciencia humana. Es una manera de expresar los anhelos ocultos en el interior de la artista que pretenden ser expresados a través de los elementos creados por ella.   

Abdul Kader Al Khalil

عبد القادر الخليل

Si quieres saber más sobre la obra de Conchi Ororbia visita su página web www.conchiororbia.com