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Entrevista a Ana Belén González García «Nistal Mayorga»

Ana Belén González junto a su obra «El vacío de tu ausencia» para encontrarte

Entrevista realizada por Abdul Kader Al Khalil para encontrarte.

Con mucho placer entrevisto hoy a la presidenta y comisaria del proyecto encontrarte, Ana Belén.

1- ¿En qué momento ha surgido la idea de este gran proyecto y qué representó para ti personalmente?

Esta idea, como casi todas, siempre surgen un poco por casualidad y otro por un montón de circunstancias encadenadas que se alinean en un momento dado.

Mi lucha en la causa de los bebés robados se remonta a 2012, cuando soy consciente y encuentro un montón de indicios de que mi hermana no falleció, ni cuándo, ni cómo, ni dónde les dijeron a mis padres; y eso que en ese momento la llevábamos llorando 46 años.

Cuando a principios de 2019 el pintor Roberto Zalbidea y yo estábamos colaborando en otros temas, nos comenzó a rondar por la cabeza la ilusión de poder ayudar a dar visibilidad a esta causa a través de nuestro Arte. Cuanto más hablábamos sobre el tema, más útil y real nos parecía la idea.

También yo lo comenté en los grupos de víctimas y afectados a los que pertenezco y así comenzamos a darle forma y a evolucionar esa primera idea.

Personalmente, por muchos motivos, creo que hay un antes y un después en mi vida, hasta convertirse en un motor, una meta y una ilusión en ella.

2- ¿Con qué dificultades has topado en este proyecto? ¿Te has sentido sola en algún momento?

Las dificultades han sido grandes, a la altura del gran proyecto en el que se ha convertido. Pero también es muy reconfortante ir superando los obstáculos, ver que vamos consiguiendo lo que pretendíamos y que se van sumando y colaborando más personas interesantes, apoyando cada una desde su realidad o experiencia.

Cada vez vamos siendo más conscientes de la dimensión y amplitud que esto va cogiendo.

Como siempre en tus entrevistas Abdul, siento que haces la pregunta justa, denotando tu intuición e inteligencia, y dando gracias de que seas un gran colaborador en nuestro proyecto.

La soledad es un estado de ánimo, a mí modo de ver, muy profundo e íntimo… Quiero decir que a veces depende más de ti mismo que del exterior… Y sí, he sentido soledad muchas veces, pero no por no estar arropada y acompañada, sino como una especie de vértigo por la vorágine en la que se convirtió todo, incluso con el parón de la pandemia y todas las circunstancias; muchos de los preparativos dispuestos se paralizaron, pero a la vez no hemos dejado de trabajar en la retaguardia en ningún momento.

3- ¿Qué experiencias estás recopilando siendo promotora y comisaria de encontrarte?

Muchas y variadas. Está siendo un gran crecimiento personal, a todos los niveles, estoy haciendo cosas que jamás habría imaginado, incluso algunas que ni sabía que existían. Mi carácter es curioso por naturaleza, aparte de que me siento muy útil, porque estamos consiguiendo lo que pretendíamos en la causa de las «maternidades robadas» de una manera original y única… Ayudando de la mejor manera que podemos hacer los artistas: con ARTE.

Siempre he dicho que mi mayor tesoro son mis amigos y aquí los que ya lo eran lo están demostrando día a día, apareciendo otros que se han quedado en mi vida y que nunca habrían llegado sin este proyecto.

4- ¿Cuáles son las nuevas propuestas que tienes para este año?

Lo primero que podamos recuperar la movilidad territorial y contacto con otras personas sin riesgo para nuestra salud. A partir de ahí podremos ir poniendo en práctica todas las ideas, qué son muchas: poder seguir mostrando nuestra exposición pictórica en muchas salas variadas de las que tenemos ofrecimiento, todavía sin concretar por las circunstancias.

Lo que seguimos teniendo clarísimo desde el primer día es que nuestro proyecto no puede ser algo triste, eso se queda para los afectados y las víctimas; por el contrario, tiene que ser algo interesante, entretenido y hasta divertido, para que los eventos artísticos que propongamos tengan seguimiento y repercusión.

Eso incluye un poemario que ya está en ciernes.

Actuaciones musicales, conferencias… etc.

Convenios de colaboración con otras entidades.

Para todo eso, es necesario y te lo digo en primicia (aunque ya los colaboradores más directos estamos trabajando en ello) crear la «Asociación encontrarte», para poder conseguir los medios prácticos que nos permitan financiar nuestras actividades.

5- ¿En tu faceta de artista, cómo logras tener tiempo para dedicarlo a realizar pintura, a mover el proyecto, atender a los medios y atender a tu familia?

Pues no te voy a engañar, haciendo encaje de bolillos, quitándole muchas horas al sueño y a actividades privadas, intentando organizarme bien sin conseguirlo muchas veces.

6- El lenguaje de la pintura no es el lenguaje de las palabras, ¿Cuál es el papel de una comisaria para articular un diálogo social?

He tenido que pensar mucho en esta pregunta para intentar contestarte y la verdad es que no lo sé. La palabra «Comisaria» surgió al fallecer Roberto, que iba a ser el encargado de esa labor. Yo me lo he tomado como una coordinación de todos los factores que conozco y que han ido surgiendo de una manera no improvisada, pero si intuitiva… Se van creando las necesidades y vamos intentando darle solución.

Y lo digo en plural porque he tenido la suerte de tener colaboradores muy capaces a mi lado.

Pero realmente el diálogo social del que hablas, se consigue siendo nexo de unión entre el Arte, la Causa y los Medios… Y eso creo que es lo que estamos sabiendo hacer entre todos desde encontrarte; por lo menos esa es nuestra meta.

7- ¿Cuáles son tus estrategias para que te atiendan los medios de información?

Pues intentar que nuestro proyecto sea lo suficientemente interesante como para que nos den voz, de ahí el intentar aglutinar todo lo que a mí como espectadora me gustaría ver.

Y después tener detrás la verdadera causa por la que luchamos desde las Asociaciones de Bebés Robados cada día, intentando transmitir el drama de las maternidades robadas a una sociedad a la que durante muchos años se ha ocultado.

8- ¿Qué significa en este momento de tu carrera el ser comisaria?

Algo con lo que convivo con naturalidad. En estos momentos no me puedo imaginar mi vida sin esta parte… y eso que he estado muchas veces a punto de tirar la toalla, por desesperación, por agotamiento… Por sentirme David contra Goliat.

Me quita tanto tiempo a mi vida privada y a mi propia colección pictórica que no sé si sabría vivir de otra manera… Los que me conocéis sabéis de mi entrega rayando la obsesión…

Quiero pensar que esa parte también suma y enriquece el resto.

La verdad es que me siento totalmente responsable de no fallar a todos los que han confiado en mí.

9- ¿En qué medida el covid 19 ha modificado tu proyecto para llegar a la sociedad? ¿Crees que se puede recuperar el tiempo perdido? 

Creo que esta pandemia lo ha cambiado todo a todos los niveles, está siendo un parón del que nos va a costar salir y sobrevivir; en nuestro proyecto no es distinto… 

La mayoría de las cosas no se pueden poner en marcha otra vez todavía…

El tiempo perdido es algo muy significativo, sobre todo en nuestra causa… El tiempo perdido nunca se recupera y en esto si me estoy refiriendo a nuestros niños robados, pero tampoco podemos ahogarnos en el pasado, hay que luchar por el presente y el futuro… Estoy segura que en eso Abdul, tú eres capaz de entender mejor que nadie, por tu propia batalla personal también.

Sé que esta entrevista de alguna manera no trata ni de ti ni de mí, pero a la vez no quiero dejar pasar la ocasión de valorar tu gran cruzada por Siria y dejar patente mi gran admiración por tu causa.

CRÓNICA SOBRE LA OBRA DE ANA BELÉN GONZÁLEZ

«El vacío de tu ausencia» de Nistal Mayorga para encontrarte

La pintura es un estado mental, «un estado del alma» decía Joaquín Sorolla. El pintor que hace de su trabajo un estilo de vida. El regalo de ser pintor lleva total dedicación y entrega. Como lo hace Nistal Mayorga. Pintar no es fácil y requiere la atención absoluta de la mente y la mano en la observación fría, callada y constante. Hay que poder retener cantidades enormes de combinaciones de color, espacios y líneas. Es imprescindible dotarse de innumerables recursos técnicos, de precisos conocimientos de los materiales y mantenerlo todo ello vivo y actualizado para poder utilizarlo en el instante más inesperado. Pero aún en el caso de tener todo esto bien engrasado y al día, aun así, se corre el enorme riesgo de no saber parar a tiempo. El momento más crítico para un pintor es decidir cuándo ha llegado el momento de dar por terminado un cuadro.

Nistal Mayorga pinta desde el alma, y hace de la pintura su estilo de vida. Sus obras en los últimos años son meditadas, llenas de mensajes e imaginación. Obras personales dotadas de impulso, de fuerza, y de valentía. Pintora decidida, su evolución continuada en cada obra.  Y su inspiración se desarrolla en la ejecución, obteniendo una buena nitidez en la imagen como en el colorido, sean pinceladas gruesas en sus óleos, o pinceladas sutiles en sus acuarelas, todo es un colorido armonizado e intenso. Sus pinturas gozan de colores entonados, obtenidos por la mezcolanza de expresión y sentimiento en paralelo. A tono en el momento de su expresión romántica, con sensualidad en sus manifestaciones artísticas.

«Arlequín onírico» y «Espacio de magia y danza», por Nistal Mayorga

En el retrato hecho a mano es donde se ve la belleza del arte y la belleza ha sido, a lo largo de los siglos, una preocupación constante del ser humano y en especial para los pintores. Y cada artista lo identifica de forma distinta. Nistal Mayorga trata la expresión en las escenas e incluso de un sentimiento a través de una adecuada combinación entre dibujos y colores. El retrato es el tema más notable que conocemos desde los siglos: en el barroco, en el realismo o en el rococó, sin olvidar el romanticismo y el impresionismo. Es en este movimiento, el impresionismo, donde vemos la inspiración de la artista Mayorga. Observo en su pintura cómo se introduce en el alma del personaje y desde allí comienza a retratar la figura, con vigor y exactitud. La artista procura plasmar material de belleza y esta materialización provoca en quien contempla una obra una sensación de gozo, denominada, por algunos psicólogos “gozo estético”. Por otra parte, esta belleza es consecuencia de la inventiva de la creadora que intenta plasmar en su obra su propia concepción de la realidad, esto es, una parte de su espíritu.

El arte, debe decirse, no tiene límite, no tiene comienzo ni fin: no es más que la expresión de la creación concebida por el espíritu humano. Desde que existe una creación del espíritu, el arte se manifiesta filosófico y tiene como fuente el espíritu del autor.

Ana Belén junto a su «Autorretrato», «Granjero americano», «Tuareg» y «Maternidad en acuarela» también obras suyas

Nistal Mayorga domina bien el uso de las capas gruesas sin la necesidad de aplicar veladuras repetidas. El usar directamente capas gruesas señala un dominio del uso del color. Posee gran soltura en el retrato. Sin embargo, no muestra su total alegría por lo que consigue y apremia un descontento interior que sobresale, como un manifiesto que promete hacer más y mejor. Expone sensibilidad en sus pinturas, influenciada por los innatos sentidos sociales de humanidad.

Se observa dolor en sus pinturas, sentimientos nostálgicos, especialmente en las miradas de sus retratos. Es leal a la doctrina que dice: realismo es Verdad. Su Composición es meditada tema a tema, con una profunda imaginación. Capta temas fortuitos extraídos de la vida cotidiana. Traspasa las fronteras y elige tonos mágicos que deciden la armonía y el contraste con claridad.

Portada de la edición de septiembre de 2020 de la revista internacional Peón de Rey, realizada con dos de las obras de Nistal Mayorga y «Colección 20 campeones mundiales de ajedrez» hechos al óleo también por ella

Se destacan las obras de Nistal por la belleza natural y por sus pinceladas muy ricas en los tonos. Una artista que plasma los movimientos fugaces, los cambios que no retornan y la luz en cada momento. Buenos retratos hechos en armonía, excelentes perspectivas en sus paisajes. Tiene la capacidad de captar los susurros de las hojas del bosque. Y captar el pensamiento en sus figuras con esos toques propios.

Verdaderamente el arte es un espejo donde puede mirarse todo el mundo, el arte es el lenguaje de las almas. Y como admirador del arte, he disfrutado cuanto he podido de ver las obras que nos muestra Nistal Mayorga. Un poeta dijo: “nos gusta ser como las mariposas, pero siempre volvemos a la primera casa”. El realismo es más bello en ciertas manos, como en las manos de Nistal y lo hace con talento.

Abdul Kader Al Khalil

عبد القادر الخليل

Si quieres ver más de la obra de Nistal Mayorga visita su Blog o página web.

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Entrevista a Olatz Candina

Olatz Candina junto a su obra «Maternidad robada» para encontrarte

Entrevista realizada por Abdul Kader Al Khalil para encontrarte.

1.- ¿Qué representó para ti el proyecto encontrarte?

encontrarte es un proyecto artístico y solidario muy ilusionante.  Personalmente, me ha llenado el poder contribuir a divulgar una causa justa. Todas las madres y padres deberían disfrutar viendo crecer a sus hijos e hijas. Es un derecho irrenunciable y respetado en la Naturaleza. Artísticamente, ha sido un reto. Y el resultado ha sido muy interesante. Pintores de estilos muy distintos nos hemos adaptado a las directrices compositivas que estableció Roberto Zalbidea, promotor de la idea. Dichas reglas nos han dado una uniformidad que, lejos de limitar nuestra creatividad, han estimulado nuestra imaginación, creando una unidad de mensaje que ha sido fundamental para que el proyecto encontrarte haya adquirido una fuerza emotiva.

2.- ¿De qué forma tus obras describen el despertar de la conciencia dormida con respecto a los derechos de la mujer?

Mis obras se inspiran en las musas de la mitología grecolatina. No es una pintura reivindicativa. Se centra en resaltar la importancia de la inspiración para él o la artista. Mis obras pretenden retratar ese momento mágico del nacimiento de una idea en la mente del artista.  A través de un lenguaje figurativo, propongo una reinterpretación de la inspiración que tradicionalmente ha tenido la figura de una mujer como protagonista. Pero a diferencia de fijarme en la belleza exterior de la figura femenina me vuelco en plasmar la fuerza creadora, que va más allá de la contemplación de la realidad para, a través de la imaginación, alcanzar lo más sublime del ser humano. En definitiva, son las portadoras de la luz que el artista ansía plasmar.

3- ¿Encuentras oposición en tu empeño de destacar el tema femenino o simplemente lo haces por ser mujer?

Destaco el mundo femenino porque refleja mejor la inspiración desde un punto de vista poético. Represento una feminidad idealizada de lo etéreo, como una fuerza intrínseca, misteriosa y muy potente que nos empuja a enfrentarnos a un lienzo en blanco.

4- Opino que tu obra se emparenta con la magia y con la poesía visual. ¿Crees que es así o solo es una visión mía?

Efectivamente se enmarca en la poesía visual. Trato de mostrar la belleza del arte inspirado en una fuerza creadora que roza lo mágico, en cuanto a lo inalcanzable. Es una influencia de mi faceta como escritora.  Mi libro “Siete retratos y un jardín” es un compendio de ocho relatos unidos por una idea común: cada uno de ellos está inspirado en un famoso cuadro pintado por un genio de la pintura. Sus protagonistas: Picasso, Miguel Ángel, Monet, Velázquez, Da Vinci, El Greco, Van Gogh y Goya. Todos ellos genios indiscutibles de la pintura. Mi planteamiento es imaginar cómo vivieron su lado más humano sin renunciar a su genialidad.

5- ¿Crees que la mirada tradicional hacia lo masculino ha quedado atrás o todavía nos queda mucho por recorrer?

La mirada es una aptitud personal. Cada artista vuelca su mirada hacia aquello que le permite representar mejor la idea que quiere transmitir en el cuadro. Tradicionalmente la inspiradora era una mujer y el artista un hombre, pero en la actualidad todos estos roles han cambiado. También existe la figura inspiradora masculina, los musos. La libertad siempre beneficia a la creación artística. La diversidad de roles amplía horizontes. Queda mucho camino por recorrer. Cada época artística tiene sus propios códigos y sus estilos que han recorrido y seguirán recorriendo nuevos caminos.

6- ¿Eres consciente de la pérdida de poder que ha sufrido el arte, y según tú, cómo lo podremos recuperar?

El arte estará siempre presente en nuestras vidas. Es parte de nuestra esencia y una tendencia humana desde los principios de la humanidad. Desde el arte rupestre en las cavernas hasta la actualidad siempre ha sido una necesidad del ser humano. Va evolucionando con los tiempos y con los valores culturales de cada época. Quizás ahora se entienda de una manera muy distinta a cómo se ha hecho en épocas anteriores. En la actualidad hay más libertad de estilos, de interpretaciones y de materiales, que incluyen el arte digital. El arte seguirá siendo importante, solo varían las formas de ejecutarlo y las miradas de las personas que lo contemplan. Seguirá teniendo el poder de despertar conciencias, como se ha demostrado con encontrarte. La emotividad que desprenden los cuadros refleja el profundo dolor de una madre. Las imágenes son mucho más impactantes de lo que se pueda describir con palabras porque van directas al corazón.

7- Como mujer de leyes, ¿no crees que los artistas carecen de derechos?

El trabajo del artista es muy solitario y esa característica es un hándicap de cara a lograr un reconocimiento profesional. Se hace difícil la creación de grupos o asociaciones que defiendan la representación de los artistas. Las agrupaciones juegan un papel fundamental a la hora de que se valore su trabajo en la sociedad. Existe el colegio de abogados, de médicos, de periodistas… Es un tema de difícil resolución ya que el arte no deja de ser una interpretación muy personal y es difícil crear grupos con   intereses comunes. Precisamente es el éxito que me gustaría resaltar de encontrarte. Esta experiencia ha demostrado que artistas con estilos muy diferentes y diversas trayectorias han logrado unirse para una exposición con una idea común. Resulta muy enriquecedor y en cierta manera, fortalece nuestra posición como pintores.

8- Las leyes se basan en las pruebas y en hechos, mientras que el arte es parte de sueños e imaginación. Como abogada, ¿cómo puedes conciliar dos conceptos tan opuestos?

Es cierto que las leyes se basan en hechos y pruebas porque son textos escritos. Pero es igualmente cierto que las crean las personas y los seres humanos nunca somos absolutamente objetivos. Siempre lo vemos desde nuestro punto de vista y de las circunstancias que rodean los hechos, con lo que siempre las leyes están sujetas a la interpretación del juez.

El arte también tiene una visión muy subjetiva de la realidad. Referida a la realidad que vive el artista y de las personas que contemplan su obra, por lo tanto, también desde su punto de vista. En el arte intervienen los recuerdos, los sentimientos, las sensaciones… y todos ellos son subjetivos y personales. Esa exaltación de la emotividad es precisamente la grandeza del arte.

CRÓNICA SOBRE LA OBRA DE OLATZ CANDINA

«Maternidad robada» de Olatz Candina para encontrarte

El Proyecto encontrarte es un proyecto maravilloso y no solamente por el motivo humano y por despertar las conciencias dormidas, además ha sido un centro para descubrir muchas y muchos artistas. Artistas con ideas excepcionales y de gran talento, como es nuestra compañera Olatz Candina, abogada, escritora y artista. Para mi es un honor la gentileza de Olatz en la entrevista que me ha concedido y es un placer poder hacer un escrito sobre su obra.

Analizar la obra de Olatz Candina es hablar de la pintura mitológica, por sus temas vinculados a la pintura histórica, la que se considera del subgénero de la histórica pero es un género pictórico propio. Destaca el mundo femenino con una especial inspiración personal. Refleja la belleza interna en forma de poesía visual. Consagra los personajes femeninos en escenas mitológicas, cercanos al estilo Greco-Romano. También podemos ver otro tipo de mitología de forma distinta en otras civilizaciones: en Europa (como la nórdica) y en oriente con la escultura.

«Celeste» y «Grecia» de Olatz Candina

La pintora Olatz Candina, representa el papel de la mujer como musa en armonía con la naturaleza, en forma narrativa, y afirma que las musas son seres divinos y una fuente de inspiración.  Sus obras van más allá en el papel de la mujer: representan el derecho de la mujer y no como fuente de inspiración sino que son las creadoras y las protagonistas en el arte y en la vida. En este concepto encuentro la fuerza de sus obras, mientras que en muchas pinturas del pasado hemos visto que la mujer ha sido utilizada para representar la belleza, no como dueñas de su papel real en la sociedad. En las obras de Olatz se representa a la mujer en el papel en que merece estar, el papel ejecutivo en cualquier sociedad y muestra que en la armonía social es necesario que la mujer sea la que decide y que no decidan por ella. Verdaderamente sus obras transmiten una manifestación excepcional ante el mundo en forma de arte.

La pintura mitológica se vale de figuras en cuya condición divina no se cree. Sin embargo, es muy estético e intelectual. Olatz nos hace recordar a los maestros del renacimiento como Botticelli, Rembrandt, Velázquez y Rubens, entre otros y en las épocas posteriores como en el barroco, el rococó, en el neoclasicismo, en el romanticismo y el impresionismo.

«Centáuride» y «Atlante» por Olatz Candina

Dicen que el amor es la energía que mueve el mundo. Es un sentimiento, es un estado de ánimo, es una pasión, pero también es un dios. Así lo han creído y lo han consagrado en Grecia y en Roma, dándole el nombre de Eros-Cupido. ¿Y por qué no puede ser mujer? Nos ilumina la artista Olatz con estas ideas en sus pinturas: ¿por qué es un dios y no una diosa?, aunque siempre fue representado como niño que se divertía jugando con los corazones de dioses y mortales.

Los mitos expresan las creencias y los valores sobre temas que tienen cultura en concreto: la condición humana, los orígenes del ser humano, las tradiciones, el significado de la vida, la vida y la muerte. Estas obras de mucha belleza que nos presenta nuestra compañera con su particular modo filosófico y creativo, sobre todo transmiten ideas para cualquier artista sobre cómo conseguir el éxito en un estilo propio. Sería importante leer el libro de Olatz Candina, “Siete retratos de un Jardín”, donde retrata en palabras siete obras de grandes maestros del arte pictórico: Velázquez, el Greco, Van Gogh, Goya, Miguel Ángel, Picasso y Monet. Un título que atrae.

«Dama con león» y «Japonesa en jardín» de Olatz Candina

El ser humano siempre ha conservado en la memoria temas de mitos y leyendas, no podría existir sin estas escenas que representan verdad e ilusión, verdad y fantasía, héroes y dioses. Es la naturaleza del mundo y de sus orígenes. Pero no debemos confundir mitología con religión. Las obras de Olatz no son parte de la ilusión, son el derecho al papel de la mujer como lo mas natural.

En mi relato debo describir la pintura mitológica, un estilo conocido, pero diferente en las obras de Olatz, diferente visualmente y diferente en el concepto, aunque sea tradicionalmente pintura histórica. Sus temas se basan en la mitología, pero de forma personal, dando un aspecto especial a la mujer. Las imágenes mitológicas también pueden basarse en fábulas o parábolas o leyendas históricas. Y cualquiera que sea su origen, estas imágenes generalmente involucran pintura de figura. Hasta el siglo XX las pinturas mitológicas mas comunes eran aquellas que ilustraban mitos griegos o romanos, que involucraban a dioses, con símbolos de hombre y mujer tomando su significado de los relatos. Ya es hora de que tomen su significado de la realidad, de lo mas natural y no de la parte de las leyendas.

Abdul Kader Al Khalil

عبد القادر الخليل

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Entrevista a José Ramón Muro Pereg

José Ramón Muro Pereg

Entrevista realizada por Abdul Kader Al Khalil para encontrarte.

1- Una pregunta de obligada norma. ¿Qué representó para ti el proyecto encontrarte? 

Ante todo, una oportunidad de visibilizar y denunciar mediante la pintura una causa sobre una injusticia como es la de los bebes robados después de su nacimiento y la separación de sus madres. Pocas veces nos encontramos ante un hecho tan claro que debemos denunciar y podemos hacerlo mediante el arte pictórico. Por otro lado, ha sido muy gratificante el hecho de participar y conocer a otros artistas unidos por la misma causa, con diferentes técnicas y diferentes formas de ver la realidad a través de la pintura, pero unidos por un mismo proyecto.

2- Como artista de mucho recorrido, ¿qué valor otorga la paciencia del pintor?

Me parece fundamental, al menos en mi caso. La observación a la hora de escoger un tema es muy importante y posteriormente como afrontarlo, depende mucho de la paciencia. Creo que tenemos una tendencia predestinada hacia un cierto estilo, por nuestra formación, nuestros genes y nuestro estilo de vida y la paciencia es una de esas características que te pueden encauzar en uno u otro estilo. No pintamos como queremos sino como sentimos con nuestras influencias de vida.

3- ¿Si no te hubieras dedicado al arte, en que oficio estarías ahora?

En realidad, mi principal profesión ha sido durante muchos años la de ingeniero. En el año 1985 realice mi primera exposición en solitario en la Galería Arteta de Bilbao. Esta exposición fue exitosa y vendí gran porcentaje de las obras, a pesar de ello quedé endeudado con la Galería, además de no recibir ninguna compensación económica por las obras vendidas. De esta forma mi primera experiencia expositiva fue muy negativa en el sentido económico y me di cuenta que no iba a ser mi principal medio de subsistencia.

Nunca dejé de pintar y mantuve algunos encargos, pero mi principal profesión ha estado en la industria y durante varias décadas la pintura ha tenido que estar en un segundo plano, hasta que en un momento determinado tuve la necesidad de volcarme de nuevo, reencontrarme con la pintura y dar rienda suelta a la creatividad que necesitaba expresar.

4- Cuando ves las obras de otros artistas y su forma de trabajar, ¿crees que aún puedes aprender algo?

Siempre estamos aprendiendo y es muy importante gestionar bien los cambios y estar siempre motivado para la mejora continua, aprendiendo de todos los pintores, de sus estilos, de sus técnicas y de sus herramientas, siempre hay algo que aprender de cada pintor.

En los últimos cinco años he asistido a workshops de varios pintores españoles reconocidos actualmente, Modesto Trigo, Carmen Mansilla y Alejandro Carpintero, diferentes técnicas y diferentes estilos y grandes pintores actuales, de cada uno de ellos siempre he aprendido en multitud de detalles.

5- ¿Qué ves en los automóviles como obras de arte?

Como comentaba anteriormente, somos en parte dependientes de nuestro bagaje y mi formación técnica y mi carrera industrial en ingenierías de diseño de empresas de automoción y aeronáutica del País Vasco hacen que una de mis pasiones sean los automóviles, cuyo diseño tiene mucho de artístico, sobre todo los automóviles clásicos. Por otro lado, el dibujo técnico y la perspectiva, influyen decisivamente en mis obras. En este caso busco en diferentes eventos obtener una foto generada como una pintura, es decir, con el encuadre, la perspectiva y los reflejos que sea la base para una posterior obra.

6- Los Hiperrealistas desean mejorar la realidad, incluso superar la fotografía. ¿En qué podemos diferenciar aquí entre la fotografía y la pintura Hiperrealista?

En realidad, no me considero Hiperrealista ya que estos pintores realizan un dibujo muy meticuloso y fotográfico de sus pinturas. Un buen amigo definio en una ocasión mis pinturas como “en la frontera del Hiperrealismo”, y estoy de acuerdo con esta definición.

Si ves una de mis pinturas de cerca, son realistas, pero no tienen un detalle muy marcado. Pero sí me gusta alcanzar una apariencia realista por el color o el tono tan cercano a la realidad, que da esa sensación de hiperrealismo. Por otro lado, muchas de mis obras son collages, con bocetos formados por distintas escenas o personajes mezclados en la misma imagen y por lo tanto gestionar sus luces, sombras y perspectivas resulta complicado para encajarlo todo en un conjunto compacto y realista.

7- ¿Qué ideas sobre la realidad has extraído a través de tus obras?

La principal idea es que la realidad es efímera, por eso pintas solo un instante, donde las luces y las sombras alcanzan un determinado conjunto armónico que debemos retener antes de que cambie. Otras artes audiovisuales me acompañan desde la juventud, la fotografía, el cine amateur y eso me ha influido en la forma de ver la realidad. Me gustan mucho los reflejos, la mayoría de mis cuadros los contemplan y es una forma de ver más allá de la superficie reflejada. Es como si duplicáramos el espacio del lienzo, porque estamos viendo directamente un sujeto e indirectamente la escena reflejada.

8- ¿Qué retos planteas tocar después de que ya eres un consagrado artista?

La verdad es que cuesta encontrar nuevos proyectos. Actualmente no pinto si no tengo una idea muy clara que me llene. Creo que es el momento más complicado, cuando estas diseñando lo que vas a hacer, tener clara la idea y tener ganas de realizarlo o tener un mensaje que queremos plasmar en el lienzo. Una vez que tienes clara la idea, el desarrollo de la obra es algo más mecánico y es aplicar los conocimientos adquiridos.

Por otro lado, hoy en día existen espacios virtuales que dan a conocer tu obra por todo el mundo y amplía los horizontes expositivos, por eso participo en varias galerías on-line internacionales y es donde me muevo actualmente, además de participar en concursos y revistas de arte.

9- ¿Cómo describirías tu trabajo y qué consejos puedes dar a los demás que están a medio camino?

Describiría mi trabajo como realista claramente, de contrastes con luces y sombras, con colorido y con alguna tendencia hacia el Pop-Art.

Como consejo para otros pintores, además de formarte adecuadamente, conocer diversas técnicas y herramientas, es importante saber dibujar y entrenar el dibujo una y otra vez. Luego, creo que lo más importante es seguir tu propio camino y hacer lo que sientes en lugar de seguir tendencias pictóricas de moda.

CRÓNICA SOBRE LA OBRA DE JOSÉ RAMÓN MURO PEREG

«Desencuentro forzado» de José Ramón Muro Pereg para encontrarte

Decir José Ramón Muro Pereg es decir realismo y hablar del realismo es hablar de todo el arte después del siglo XVIII. Incluso el de antes. Como tal obtuvo ese nombre en el siglo XIX y también hay que retratar que hay muchos realismos en el mismo tema: Realismo moderno, Naturalismo, Realismo y fotografía, Realismo Épico, Realismo Político, Hiperrealismo, Realismo Mágico, Realismo social, Realismo socialista y otros realismos en Europa y América.

Hablar de la pintura que realiza el artista José Ramón es presenciar a un artista consagrado, un artista que está muy adentrado más allá de tres fronteras: el realismo, el hiperrealismo por sus detalles, y  el mágico en la belleza, por lo que transmite en sus pinturas. No cabe duda de que estamos ante un artista especial.

«Surfeando hacia la luna» (134 x 100 cm) de José Ramón Muro Pereg

La única fuente de inspiración en el realismo es la realidad. Y la única belleza válida proviene de la realidad. Mientras desde el punto de vista ideológico el realismo queda vinculado a lo social y a las clases más desfavorecidas después de la revolución industrial, aunque los pintores realistas defienden una pintura sin argumentos. Simplemente de la realidad. Y se basan en representar la imagen sin desarrollo narrativo.

El arte realista es el arte objetivo, tanto el artista como la persona que observa dicha obra. Por lo tanto, carece de cualquier conclusión idealista o cualquier forma de embellecimiento.  El realismo pictórico del artista José Ramón Muro Pereg es la mejor forma de conocer la realidad, es una forma de expresión en que resisten las impresiones básicas de la realidad, además de relatar e interpretar la realidad que se esconde debajo de las apariencias de las cosas. El arte realista, se considera aquel estilo de arte que intenta representar y exponer temas que estén conformes. Para una muestra, mirar cualquier obra del artista José Ramón. Es decir, este estilo de arte representa obras en las cuales sus contenidos pueden explicarse por causas naturales.

En las palabras del artista José Ramón encuentro la manera de amar el arte y la manera de aprender, la observación del tema antes de ejecutar el trabajo sobre el lienzo, el reconocerse a si mismo que es de otra profesión y que la pintura es una pasión. Por eso digo: “Ojalá que muchos titulados del arte tengan esta gran pasión.”    

«Sueños» (116 x 89 cm) de José Ramón Muro Pereg

Ocasionalmente se escuchan comentarios como que el hiperrealismo no es arte, que carece de valor creativo. Quizás es muy difícil criticar estas obras y por ello dicen que es un arte sin valor. Para mí no es el arte el que carece de valor, sino el no saber que el talento se tiene o no se tiene y no se puede aprender. Mucho talento es lo que posee José Ramón.

Existen cientos de miles de artistas que logran profundizar en su conocimiento del dibujo y la pintura, pero son pocos los que logran el dominio de la técnica y se dan el lujo de crear cosas maravillosas como las que hace nuestro compañero José Ramón Muro Pereg.

«David en el garaje» (130 x 97 cm) de José Ramón Muro Pereg

El superrealismo se inició en 1960 en Estados Unidos. Y de allí vino con el nombre foto-realismo: se trata de copiar la realidad tal como es, mientras que en el Realismo mágico se tiende a mejorar la realidad, incluso mejorar los fallos que existen en la fotografía. Intenta suplir el vacío de contenido artístico con un mensaje más trascendental. No todos lo consiguen, esta misma aspiración de reproducir lo real tiende a exigir niveles de detalle y exactitud que refuercen el efecto de realidad. Y puede emplearse en la representación de temas y figuras fantásticas. 

En la obra del artista José Ramón Muro Pereg se aprecia el movimiento, dejando a un lado la belleza, y el concentrarse en la vida. Cuenta y describe los detalles meditadamente. Asimismo, consigue las expresiones de los sentimientos más íntimos y la consagración de la luz y posee un lenguaje sofisticado.

Abdul Kader Al Khalil

عبد القادر الخليل

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Entrevista a Viky Taboada

Viky Taboada junto a su obra «Criando un vacío» para encontrarte

Entrevista realizada por Abdul Kader Al Khalil para encontrarte.

1-La primera pregunta es de obligado cumplimiento: ¿qué representó para ti el proyecto encontrarte? 

Ana Belén González me habló de la idea y, posteriormente, Roberto Zalbidea me dijo que contaba con mis pinceles para formar parte del proyecto. No tuve que pensarlo demasiado y supuso, inicialmente, un nuevo impulso. Este proyecto me llegó en un momento especial por problemas de salud y era un motivo para volver a arrancar de nuevo. Pero al introducirme más en él y conocer las historias de primera mano, que hasta ese momento solo conocía por la prensa, me sentí unida con el proyecto y con las personas que, considero, han vivido una crueldad sin límites. Por ello, supone orgullo poder participar en este proyecto, que creo que tiene mucho poder ya que creo que lo que se escucha enseguida se olvida, pero lo que se ve siempre impacta algo más.


2- Solo con ver tus obras por primera vez, comprendí tu admiración por la belleza de Bizkaia. ¿Cómo nació esta pasión?  

A lo largo de los años he pasado por distintas etapas; desde paisajes, flores o naturalezas, pasando por bodegones y figuras hasta llegar al mar. Pero realmente, nuestras costas y las de nuestros vecinos y, sobre todo, la ría actual y pasada es un tema que me atrapó. La ría es un elemento que ha definido la historia del Gran Bilbao, el cual es inconcebible sin ella, es una puerta al pasado y una mirada al futuro. Lo pinto y cuando acabo un cuadro ya me está esperando otro. El tema es inagotable ya que puede expresar diferentes cosas por su riqueza. 

3- Haciendo un repaso por tus obras encuentro en ellas aromas y olores del óxido. ¿A que se debe? 

Para mí, el óxido es la pátina del tiempo, el tiempo que marca mi vida. Y es una pátina familiar, vinculada a mí, porque es la pátina de los astilleros donde trabajaba mi padre y hermano, la pátina y el olor de los paseos por la ría. El óxido está lleno de matices, igual que mi vida. 

4- Nos ha impresionado tu obra “Criando un Vacío” donde representas el comercio no deseado. ¿Cómo te vino la idea? 

La obra es una denuncia en tono de pregunta y en la que se representan los culpables y los afectados. Sin tapujos. Nada es al azar en la obra. Los tonos fueron escogidos, fríos, para enfatizar la dureza del tema. Y el formato peculiar, utilizando el lienzo en dirección de rombo, apoya la perspectiva de la composición. 

Respecto al tema, está centrado en una historia concreta que pude conocer cuando nos presentaron el proyecto. Una madre nos explicó cómo le entregaron el cuerpo de su bebé, teóricamente muerto, en una caja de zapatos. Esta historia me impactó profundamente y por eso quise denunciarlo en mi obra. Los médicos tienen toda mi admiración porque son quienes nos curan en el cuerpo, pero por desgracia, como en todas partes, hay manzanas podridas y hay que denunciarlo. Por eso está plasmado en el cuadro, al igual que otros cómplices que aparecen en la obra. Además, en primer plano presté la imagen de mis propias hijas para representar a esas madres que no han podido criar y disfrutar de la vida de sus hijos, sujetando siluetas de bebés vacíos. 

5- ¿Qué recuerdas de tus inicios en la pintura? ¿Has tenido el apoyo necesario de los tuyos? 

Creo que he dibujado y pintado siempre. No podría diferenciar entre mis recuerdos cuáles fueron los inicios, es algo que siempre ha estado ahí, desde muy pequeña. Ha sido parte de mí. Por ello, fue una fácil decisión realizar los estudios en diseño de modas, donde pude formarme en diferentes técnicas que fueron ampliando mi aprendizaje, formándome en las bases del dibujo y color. 

He sido afortunada en cuanto al apoyo. Mis padres me apoyaron siempre y respetaron mi elección, algo que en esos años tal vez no fuera tan sencillo. Pero así fue, lo cual les agradezco enormemente. Más tarde mi marido e hijas se convirtieron en mis cómplices y tenemos recuerdos de aventuras preciosas en torno a la pintura y las exposiciones. 

6- Según mi visión, encuentro en tus obras un modo de reciclaje histórico y lo conviertes en algo del futuro. ¿Qué piensas de eso? 

No me planteo el marco temporal de las obras. Tampoco el futuro de mi pintura. Si algo he aprendido de esta pandemia es vivir al día, aunque sea de una manera digna. Es lo mismo que deseo para mi obra, pero sin plantearse demasiado qué se ha hecho, o dejado de hacer. Es cierto que utilizar pigmentos naturales y texturas con barnices mezclados por mí, en vez de usar mezclas comerciales, han dado un sello personal a mi obra, pero ha sido una decisión artística y no temporal. 

7- Es claro que posees vocación por la pintura y eres fiel a tu estilo, pero si te piden por encargo hacer algo diferente y de otro estilo, ¿lo harías? 

Siempre he pintado lo que el momento y el ánimo me han inspirado, pero es cierto que he tenido épocas con muchos encargos, sobre todo de retratos. También he hecho restauraciones, trabajos manuales y he dado clases en mi estudio y en centros oficiales. Por tanto, me veo como una artista muy polivalente, así que no he rechazado lo que me llegaba; más teniendo en cuenta que los encargos me han dado libertad económica para mantener mi estudio. Por otro lado, la persona que te encarga un trabajo conoce tu estilo y trayectoria y, por tanto, aunque inicialmente sea algo teóricamente diferente y te condicione ligeramente, siempre tiene tu toque. En cualquier caso, por desgracia, poco hay que plantearse sobre los encargos ya que cada vez escasean más con las crisis que se encadenan y que afectan fuertemente al arte. 

8- ¿Qué medidas impondrías para superar la crisis del arte? 

Es una pregunta compleja. Es natural pensar que hay necesidades más básicas y urgentes. Pero también es verdad que hay poca voluntad ya que el arte está considerado un artículo de lujo y ese es el peor error que se puede cometer. Debería de haber un cambio de paradigma para inculcar a los jóvenes el amor por el arte y acercarlo a la sociedad para comprender que el arte es uno de los valores más importantes de una cultura y una sociedad y que si se pierde, perdemos parte de la historia y la evolución humana. Sobre acciones más concretas, por supuesto, sería no grabar el arte con un impuesto tan alto. Por tanto, educación y menos impuestos, serían dos acciones a tener muy en cuenta para ayudar a la crisis del arte. 

9- Supongamos que puedes amar a dos comunidades por igual, y querrías poner en un cuadro las dos, por ejemplo, Galicia y Euskadi. ¿Qué pintarías? 

Sencillo, ya que no tengo que suponer, porque amo ambas comunidades. Galicia me vio nacer y ha sido una parte importante de mi vida. Euskadi es mi historia, donde he crecido y evolucionado como persona. En parte mis obras no son solo el sitio que se representan en un principio, sino que se evocan también recuerdos y experiencias de vida. Por ello, ambas comunidades están representadas. Cualquier paisaje marítimo son ambas tierras, culturas y personas. Cualquier obra que represente personas o naturaleza, son ambas, porque ambas me hacen a mí. 

CRÓNICA SOBRE LA OBRA DE VIKY TABOADA

«Criando un vacío» de Viky Taboada para encontrarte

Me complace tratar en esta crónica de hoy la trayectoria de una buena pintora como lo es Viky Taboada, mi amiga y compañera de exposiciones colectivas hace muchos años.

La obra de Vicky se puede clasificar en dos estilos pictóricos y a la vez se pueden encontrar en su obra dos influencias ambientales. En la técnica su pintura se manifiesta en lo Figurativo y en el Impresionismo. En cuanto a lo que describe su obra, hay que decir que es Impresionista en el ambiente histórico de Bizkaia, y figurista en lo social y humano.

Pinturas de Viky Taboada

La pintura Figurativa es aquella donde las imágenes que vemos en la obra son reconocibles. Son distinguibles: personas, animales, paisajes, objetos. De todo lo que define este estilo, la artista Viky plasma en sus pinturas paisajes de Bizkaia, en ambos lados del Nervión, los astilleros de Altos Hornos, el palacio de la Música, el museo Guggenheim y las aguas de la ría en su recorrido hacia el mar.

Esas figuras pueden estar deformadas, exageradas, simplificadas, e incluso utilizadas de manera simbólica, donde representan otra cosa diferente de la que vemos. Pero mientras distinguimos una figura, se trata de arte Figurativo. Lo Figurativo se entiende fundamentalmente en relación por su opuesto a lo Abstracto (en realidad, hasta la aparición del arte Abstracto en el siglo XX, no existía la definición de arte Figurativo porque no tenía sentido. Todo el arte era Figurativo)

Una selección del trabajo de Viky Taboada

Mientras, el Impresionismo se caracteriza por su presente experimentación con la iluminación. El manejo de la luz se considera un factor crucial para alcanzar belleza y balance en la pintura. Los cuadros impresionistas se construyen técnicamente a partir de manchas de colores, las cuales actúan como puntos de una policromía más amplia, Por ello, al observar sus obras es necesario mantener cierta distancia dejando así que aparezcan las luces, figuras y sombras. La aparición del Impresionismo ocurre como consecuencia de un gran cambio social; suceden una serie de transformaciones sociales: la revolución industrial como la primera causa. Y de estos paisajes industriales nos ofrece la artista Viky Taboada obras de los astilleros donde recuerda a sus familiares cuando trabajaban allí. Las manchas más bellas en sus obras impresionistas son las del óxido, el color que fue lo más notable del paisaje vizcaíno durante muchos años. Y Viky Taboada trata al óxido como pátina del tiempo, la pátina de los recuerdos,   

El estilo del Impresionismo se considera la ruptura con las normas clásicas en busca de un arte más moderno. En la obra de la artista Viky (“Criando un vacío”), que presentó para el proyecto encontrarte también vemos una gran ruptura, es la ruptura al silencio. Una obra realista donde retrata los culpables que han causado mucho dolor y mucha tristeza. Los describe sin tapujos, sin ambigüedades y sin miedo. No deja nada hecho por la casualidad o por el azar, más bien plasma una escena de lo que ha sucedido en la realidad. El Impresionismo abre los ojos del espectador a la técnica y también a la variedad  y a la captura de paisajes cotidianos vistos desde las imaginaciones de las perspectivas. Los colores son puros y poco mezclados.

Obra de Viky Taboada

El primero de los recursos pictóricos más destacados de la pintura Impresionista es la pincelada más gruesa y corta. La artista capta la esencia del movimiento, dejando a un lado los detalles, para crear sensaciones de profundidad.

Y para terminar, he de decir que la pintora Viky Taboada pinta lo que siente, porque posee una gran cultura visual y mucho conocimiento sobre el tema. No se preocupa de ser la primera o la mejor, pero sí en hacer lo que siente y lo que le gusta. En mi parecer veo que estudia profundamente el tema en su mente y después deja toda la libertad a sus pinceles, guiados por el sentimiento. Estas son cualidades especiales de los pintores valientes.

Abdul Kader Al Khalil

عبد القادر الخليل

by encontrarte

Entrevista a Paola de Miguel

Paola de Miguel junto a su obra «Vínculos perdidos» para encontrarte

Entrevista realizada por Abdul Kader Al Khalil para encontrarte.

Para mí es un placer entrevistar a una artista de la talla de Paola, compañera en encontrarte.

1-Hola Paola, ¿nos podrías explicar que representó para ti el proyecto de encontrarte?

Hola Abdul. Siempre me he sentido identificada con la problemática de la injusticia y la desigualdad, y a menudo me he cuestionado el porqué de tales conductas en la sociedad. Cuando me propusieron formar parte del proyecto encontrarte, participar me permitió expresar a través de mi obra la problemática en la que se encuentran muchas mujeres en muchos ámbitos de sus vidas. Un tema trágico como el que trata encontrarte, la comercialización y sustracción de niños robados, me ha dado la oportunidad de sensibilizar a la sociedad del sufrimiento de tantas mujeres y sus familias y aportar un “granito de arena” como apoyo a esta noble causa, donde toda ayuda es poca. Desearía que este hecho haya servido para refrescar y dar continuidad a la ayuda a estas familias, tan necesaria y que tanto consuelo y apoyo necesitan.

2-Para llegar a tu nivel en el arte, ¿crees que es suficiente el aprendizaje, aunque no se tenga vocación, o no basta el aprendizaje si no que se nace desde pequeño?

El arte ha sido y es una necesidad en mi vida. Nunca he tenido que tomar la decisión de ser artista, por lo que entiendo que es una premisa importante para dedicarte a este mundo. En mi caso, se trata de un tema vocacional. Sin embargo, contar con vocación no es condición suficiente para ser artista. Para ser un buen profesional; alcanzar un adecuado desarrollo en diferentes disciplinas y una alta calidad en el desarrollo de la técnica, es necesaria la formación continuada con constancia y autoexigencia para poder desarrollar un alto potencial.

La vocación, desde mi punto de vista, aporta esa magia interior que permite construir un trabajo diferencial, único, especial y complicado de reproducir, que te descubre un camino propio en el desarrollo personal. Desde temprana edad, mis padres fomentaron en mí la creatividad, me facilitaron poder trabajar en diferentes áreas artísticas, me enseñaron a disfrutar de la naturaleza y apreciar los pequeños detalles que forman parte de nuestro entorno. Todo ello, ha enriquecido mi desarrollo perceptivo y emocional.

Como conclusión, una buena base técnica en la preparación del artista es indispensable. Pero lo que te dará un carácter diferencial es la búsqueda de tu propio camino, que te lleve a conseguir tu pleno desarrollo y tu crecimiento vocacional.

3-¿Cuánto tiempo sueles tardar en pintar un cuadro? ¿Y cómo es el proceso de convertir la realidad en símbolos?

Depende de la técnica que utilice, del tema a tratar y de lo que quiera expresar con la obra. Por lo general, hago un estudio previo y lo plasmo con pinceladas rápidas y decididas.
Considero que la importancia de la obra realmente no está en el tiempo de desarrollo; sino más bien, en el resultado que te propones alcanzar.
La constancia y el trabajo te permite generar un proceso mental en desarrollo. Cuando comienzas a formarte, te preocupas en ser un buen dibujante, delimitar contornos, usar sombras y generar expresiones. Posteriormente, las inquietudes por progresar te generan la búsqueda de un propio camino e intentas pintar lo que no existe. Cambias la forma de interpretar a través de símbolos, produciéndose un fenómeno de sustitución de los elementos representados, situándolos a un nivel más profundo que la propia forma representada.

4-¿Qué es para ti el surrealismo y como ves el desarrollo del surrealismo en Euskadi?

El surrealismo representa un movimiento que apuesta por la expresión espontánea y desinhibida del pensamiento, buscando sobrepasar los límites de la imaginación, de la realidad que se imponían en el arte en ese momento. Intenta hacer que la realidad parezca absurda, en un mundo fantástico y onírico.

Hoy en día, las corrientes en Euskadi han evolucionado y nos muestran unas posibilidades de llegar al público diferentes. El panorama artístico difiere mucho de lo que un día fue. La posibilidad de viajar, de conocer nuevas culturas y la incidencia de nuevas corrientes internacionales, han sido significativas para generar un cambio a un arte más moderno y contemporáneo. En Euskadi esas corrientes se han introducido poco a poco, con un contenido actual y renovador, e intentando promover nuevas propuestas.

5-Cuando pintas, ¿te alejas de la realidad y das rienda suelta al sentimiento, o más bien estudias el trabajo antes de comenzar?

En la mayoría de mis obras, trato de potenciar la creatividad y la imaginación plasmando sentimientos internos.

En el estudio previo de la obra, investigo sobre la diversidad de cuestiones que pueden incidir en su desarrollo. Los bocetos suelen ser ,en algunos casos, un fiel reflejo de la obra final. Aunque muchas veces, incorporo innovaciones espontáneas a las que me conduce la obra en el momento de ejecutarla.

En otras ocasiones, la espontaneidad despierta en mi fantasía e imaginación más libre e impulsiva.

6-¿Qué papel han tenido en tu formación los museos? ¿Y cómo influye Galicia en tu pintura?

La educación familiar en mi infancia ha ido siempre acompañada, entre otras, de visitas a museos, salas de arte y monumentos, hecho muy determinante en mi andadura artística. Asímismo, en mis viajes no dejo de visitar la riqueza artística del país. Una gran aportación para el desarrollo de mi creatividad. Como referente, la Feria de Arco Madrid, una de las citas a la que acudo todos los años y me aporta una visión de las nuevas tendencias.

Con respecto a tu segunda pregunta, Galicia, como sabes, es mi ciudad natal por parte materna, pero desde muy joven he residido en Bizkaia. Este hecho, hace que mi influencia artística provenga del País Vasco, donde me he criado, formado, relacionado con pintores y galerías, y donde ejerzo actualmente mi profesión. Sin embargo, mantengo un contacto estrecho con Galicia y la visito a menudo. Allí, he realizado algunas exposiciones. Siempre me parece enriquecedor observar los movimientos de vanguardia gallegos.

7-¿Alguna vez has comenzado una obra y no la has podido acabar?

Efectivamente, en muchas ocasiones he dejado obras sin terminar por mi autoexigencia con el resultado. Y en otras, son pruebas de pura investigación.

8-¿Interfieren las salas de exposiciones en tu estilo y si te pidieran que cambies les harías caso?

Las salas de exposiciones no interfieren en mi estilo; cada artista es único y su obra representa su personalidad. Las galerías son piezas indispensables para el artista; ya que, nos permiten una estabilidad y visibilidad de nuestra obra en el mercado, a través de espacios físicos y virtuales. La imagen que quiere proyectar el galerista es diferente en cada caso y tienen claro qué tendencia quieren representar. Por consiguiente, si un galerista decide exponer tu obra es porque encaja en su perfil.

9-¿Qué papel otorgas a los críticos de arte?

Los críticos de arte tienen una importante responsabilidad, porque su ejecución exige un alto nivel de conocimiento sobre arte y cultura; una alta responsabilidad, imparcialidad y estar capacitado para realizar una opinión de valor. Por ello, tener en cuenta su opinión aportará opciones de desarrollo.

Parece que su influencia en el mercado se ha ido mermando por la baja difusión en los medios. Aunque pienso, que siguen manteniendo una alta relevancia en el círculo del arte y sectores especializados. Por otro lado, hay que tener en cuenta el desarrollo de las nuevas tecnologías, que apuntan a una nueva revolución.

CRÓNICA SOBRE LA OBRA DE PAOLA DE MIGUEL SÁNCHEZ

«Vínculos perdidos» de Paola de Miguel para encontrarte

Hablar de Paola de Miguel, es hacer referencia a un estilo pictórico que representa la realidad convertida en magia, después de un proceso largo y de una manera diferente. Es hablar del surrealismo que nos lleva a la reflexión y la realidad en un nivel subconsciente, donde las reglas desaparecen y todo puede pasar. 

Desde Brotón hasta Dalí, y desde entonces hasta hoy, muchísimos artistas han sido surrealistas en sus creaciones; unos en forma total y otros de forma parcial. Encontramos la mayor fidelidad al surrealismo en las obras de Max Ernst, Dalí, Man Ray, Miró, Chirico y Magritte, entre otros. El surrealismo propone una teoría de lo irracional como medio para cambiar la vida, la sociedad y el arte. Y tiene como base teórica la interpretación de los sueños.

Pinturas de Paola de Miguel

Nuestra compañera Paola, intenta encontrar la inspiración en su mente, en ella misma; es decir: intenta olvidar todo pensamiento lógico o racional;  ya que, en este estilo de arte la realidad no nos ayuda para poder representar una nueva obra con una distinta expectativa. Es por ello, por lo que no representa temas que hablen de experiencias pasadas, de objetos, de cambios, entre otras cosas. Su objetivo principal es representar la realidad que no ven los demás; es decir: una realidad que está en el inconsciente o los sueños. Es por esto, por lo que el arte surrealista es uno de los estilos más difíciles de comprender.

En este movimiento siempre hablamos de los hombres surrealistas, mientras se olvida hablar de muchas buenas pintoras surrealistas. Las mujeres surrealistas contribuyeron a este movimiento en aspectos tales como el estilo narrativo con conciencia feminista; ya que, desde el ámbito artístico, consiguieron reflejar en sus obras la relación entre la ciencia y el arte, buscando revelar el orden interno del mundo fantástico tomado de sus experiencias personales; buscando lo racional en el mundo de la fantasía, la naturaleza, la alquimia, lo sobrenatural, unido a la mujer como fuente de sensibilidad y poderes regenerativos. Así, encontramos las obras de Remedios Varo, una de sus representantes, como Eileen Forrester Agar (1899-1991) de Argentina. Y la Belga Rachel Baes (1912-1983) que era del grupo de René Magrite. También, la británica Leonora Carrington (1917-2011), compañera de Max Ernst. Además, la artista argentina Leonor Fini (1907 -1996), o la mexicana Frida Kahlo y Paola de Miguel.

Una muestra de la obra de Paola de Miguel Sánchez

Paola mezcla objetos, sentimientos y conceptos que la razón mantiene separados, apareciendo asociaciones libres e inesperadas palabras, metáforas insólitas e imágenes. Para conseguir esa finalidad de liberar al ser humano de las represiones personales y sociales, se vale de una serie de técnicas para buscar la libertad de creación.

En sus creaciones plásticas, parte de que la forma es considerada el motivo central y el concepto es clave. Por lo tanto, se considera que las formas siempre transmiten valores éticos. En consecuencia, desde el surrealismo se quiere hacer ver que detrás de cada uno de los conceptos formales básicos existe una visión del mundo, una concepción del tiempo y una idea definida del sujeto.

Abdul Kader Al Khalil

عبد القادر الخليل

by encontrarte

Entrevista a Lucía Higueras

Lucía Higueras junto a su obra «Laberinto» para encontrarte

Entrevista realizada por Abdul Kader Al Khalil para encontrarte.

Hoy me complace entrevistar a nuestra compañera Lucía Higueras Mena, admirable artista.

1- Lo primero, si me permites, te pregunto: ¿qué representó para ti el proyecto «encontrarte»?

Participar en una forma de ayudar a visibilizar el drama que sigue atormentando a personas que fueron víctimas del robo de sus bebés. Han pasado muchos años, pero sigue en pie la esperanza…

2- Me siento dichoso de entrevistar a una artista de gran talento como eres tú. Me gustaría que tú nos presentes a Lucía Higueras Mena y cómo nació el arte en ti.

Muy amable, Abdul. No me considero «artista», dejémoslo en «pintora». Creo que todo el mundo dibuja en la infancia y algunos nos aficionamos, practicamos y, por ello, obtenemos resultados que nos animan a continuar.

3- En el arte solemos tener admiración por nuestros maestros. ¿Cuáles son los tuyos y cómo han influido en tu estilo?

Mis maestros han sido las obras que he ido admirando a lo largo de la vida. Soy autodidacta. He ido aprendiendo de libros y con el procedimiento de «ensayo y error» 😀

4- En tus obras se aprecia mucha perfección, hasta el punto que nos hace preguntar por qué hay obras que carecen de toda perfección. ¿No deberían aprender algo de ti?

¡No! Lo que llamas perfección es intento de realismo. Hay tantas formas de expresarse como personas. 

5- Tus pinturas poseen mucha profundidad, parecen esculturas de 3D. ¿Se debe esto de algún modo a que eres delineante también?

Seguro. Mi verdadera pasión es el dibujo técnico: atrapar una idea en un plano o en un archivo 3D para estudiarla, compartirla, realizarla…

6- ¿Qué piensas cuando ves obras hechas de un color plano o de dos colores como si fueran una lámina de papel? ¿No te resulta ilógico estudiar arte?

Con todas las técnicas se hacen cosas estupendas. Y creo que estudiar arte es la mejor manera de conseguir técnica para crear, además de la cultura que conlleva.

7- El hiperrealismo supera la fotografía en algunos casos. ¿Cuánto tiempo te lleva hacer una obra?

Creo que los hiperrealistas no intentan superar a la fotografía, sino apropiarse de la realidad al máximo en sus obras. Yo no llego a tanto. Me conformo con que «parezca», no que «sea». El tiempo empleado depende de la complejidad y el tamaño, pero, en general, menos de un mes.

8- Los museos en el pasado se interesaban por la perfección de la obra, mientras en los últimos tiempos se preocupan por lo extraño, aunque sea de chatarra. ¿No crees que esto debilita la belleza del arte?

Bueno, el arte no tiene por qué ser bello… es una forma de expresión humana. Sí que, al valorarse hoy expresiones de todo tipo, es fácil que se encumbren obras que sean «chatarra», como dices. El ser humano y sus intereses, ya sabemos.

9- Según la historia del arte, en los tiempos pasados el artista era el gran proyector de la cultura. ¿Crees que nos sobra cultura en estos tiempos, ya que pocos medios se preocupan por difundir el arte?

Creo que la palabra cultura es demasiado amplia, así que siempre sobra cultura. Lo que no sobra tanto es cultura general, conocimientos básicos en cada rama del saber. Creo que la relación arte-cultura está sobrevalorada. Y opino que los medios sí que promocionan el arte y en gran medida. Otra cosa es que nos promocionen a todos los que lo desearíamos. Somos demasiados.

CRÓNICA SOBRELA OBRA DE LUCÍA HIGUERAS MENA

«Laberinto» de Lucía Higueras para encontrarte

Desde siempre el arte ha estado presente entre nosotros, son muchas personas las que se dedican a crear arte en cada una de sus modalidades o tipos y, por lo general, las obras de arte reciben muchas críticas. Para nadie es un secreto que estas críticas pueden ser constructivas. En mi modo de ver el arte opino que deben de serlo en la mayoría de los casos. Como artista sé muy bien lo que cuesta realizar una obra de esta calidad que nos presenta Lucía Higueras. Sé muy bien lo que cuesta hacerse hueco el artista y mucho más difícil es poder vivir del arte. Es posible que seamos muchos y demasiados los que nos dedicamos al arte. A pesar de ser muchos, no debemos hacer críticas destructivas. Yo personalmente suelo destacar de cada artista lo mejor, lo más bello en su obra. Puede que me exceda en alabanzas, pero no lo creo cuando miro obras hechas con gran talento como las que hace Lucía. Y muchas veces comparo a los actuales artistas con los grandes del pasado. En verdad prefiero pasarme en halagos a hablar negativamente de mis semejantes. Y me pregunto, ¿acaso han obrado bien los críticos que han juzgado a Van Gogh? Los que no le han permitido exponer ninguna obra en su vida, cuando decían que su obra no valía nada. Y otros que dijeron que Cézanne no sabía pintar figuras; y otros han dicho que Velázquez solo pintaba caras no más; y no son más amables los que tacharon a Goya de traidor por pintar su obra el tres de mayo. No encuentro ninguna razón para no admirar y alabar las obras de Lucía. Mi lucha es hacer que la gente ame el arte en todos sus estilos, hacer que vean la belleza del arte y no los defectos. Todo artista sabe muy bien donde están sus fallos. Aunque he de decir no siempre son fallos no vistos, sino en muchas ocasiones son fallos deseados.    

Diferentes paisajes de Lucía Higueras

Lucía Higueras es una artista vizcaína con formación académica, delineante, dibujo y pintura. En su trayectoria ha tocado todas las técnicas y se inclina por el óleo, por ser la técnica más agradecida. Con el paso del tiempo ha optado por el realismo y lo sirve con gran destreza y minuciosidad en el detalle, en la profundidad y en el dibujo de los retratos. Sus obras conservan un alto grado de fidelidad al realismo.  El realismo se vincula a los artistas franceses del siglo XIX aunque, con claras diferencias entre los distintos autores: una actitud claramente comprendida entre la crudeza de Courbet y otros con posturas más moderadas como en el realismo de Millet. El realismo es un estilo que refleja la realidad histórica y que no copia objetos mitológicos o religiosos, dejando a un lado los temas sobrenaturales o mágicos y centrándose en temas más corrientes. Son fieles al detalle, característica que lo diferencia de la glorificación idealizadora romántica. Su concentración está en los rasgos esenciales y típicos de los caracteres. La meta del realismo no es la belleza, sino la verdad, y, por tanto, el conocimiento de la realidad. El Realismo de Lucía Higueras abre nuevos y diversos caminos de expresión, que terminarán desembocando en otros movimientos, como el Naturalismo, que no es otra cosa que un Realismo llevado a su último extremo. Independientemente del lenguaje que cada pintor emplea, todos los realistas comparten la radicalidad de los temas y estiman que no hay temas banales, cualquier cuestión puede ser objeto de interés pictórico. Dejan a un lado los temas sublimes y se centran en la vida cotidiana. 

Personajes de series por Lucía Higueras Mena

El realismo y el hiperrealismo siempre han representado un gran reto para muchos artistas y creo que el realismo representa una búsqueda interna que permite conocer los límites de uno técnicamente hablando. Permite incrementar los conocimientos técnicos en el dibujo y la pintura y es el placer de hacer bien las cosas. Se oyen algunas voces que dicen: el realismo carece del valor obtenido en el pasado. Sin embargo, hay muchos admiradores y críticos de arte que piden la vuelta del realismo. Yo pienso que nunca ha desaparecido el realismo, pero lo piden para señalar a los que no lo hacen bien ni aman el arte, frente a los que no saben pintar. Y si escuchamos un poco al público en general veremos que la mayoría en cualquier sociedad entienden y prefieren las pinturas realistas.

Varios retratos hechos por Lucía Higueras

En el mundo existen cientos de miles de artistas. Lo que no se puedo decir es que muchos logren profundizar tanto en su conocimiento del dibujo y la pintura logrando el dominio de su técnica, y se dan el lujo de crear maravillas como lo hace nuestra compañera Lucía Higueras. No se trata de negar la existencia de otros estilos pictóricos, sin duda alguna hay muchos estilos artísticos y en todos ellos encontramos tanta belleza como en el realismo. Pero si hablamos del realismo solo caben las buenas obras, las buenas pinturas como las que nos ofrece Lucía. Obras que gozan de luz, del buen colorido y del buen dibujo.

Abdul Kader Al Khalil

عبد القادر الخليل

by encontrarte

Entrevista a Amaia Cadenato

Amaia Cadenato

Entrevista realizada por Abdul Kader Al Khalil, artista e investigador, para encontrarte.

1.- ¿Qué ha representado para ti el proyecto de encontrarte?

El proyecto de encontrarte ha supuesto para mí todo un reto. Es una oportunidad de poder participar junto con un montón de artistas, para poder dar visibilidad a una problemática concreta. El tema de bebés robados. Una trama durísima, que concentra un dolor enorme en madres y padres, hermanos y familiares.

Es un asunto complicado de difícil solución. No existe ninguna voluntad de querer aclarar, resolver o apoyar a las familias. Es una lucha solitaria, ingrata– muy pocos casos se han resuelto-; los impedimentos y las trabas de las instituciones no ayudan.

Por eso es un honor poder gritar “¿Dónde está mi bebé?”.                                                                      

2.- ¿Cómo defines tu estilo artístico?

Desde pequeña me ha encantado pintar. Cuando estudiaba en la universidad (estudiando otra cosa) empecé con distintos artistas en sus talleres a aprender, pasando por el Museo de Reproducciones Artísticas de Bilbao con Manuel Balsa “El Ruso” y terminando con Richard. Dibujo, pintura: óleo, acrílico y acuarela. Me he inclinado por la acuarela, el agua, la fusión de los colores, la luz. Richard me hizo enamorarme de la acuarela.  Pinto tanto realista como impresionista y cada vez más impresionista.

3.- Todo artista intenta transmitir un mensaje en sus obras, ¿qué deseas transmitir tú en tu pintura?

Me gusta mucho la fotografía, e intento captar “momentos” mágicos. Son sensaciones mías: un rincón de mi ciudad, un juego de luces, una mar en calma o agitada, un paisaje, que luego tiendo a plasmar en un cuadro. Normalmente son lugares reconocibles, que en ese momento tienen valor para mí. Me importa mucho mi ciudad, Bilbao. Cuando era pequeña, no era un lugar amable ni bonito. Ahora está precioso y disfruto pintando sus rincones.

4.- Cuando haces una exposición, ¿qué sensaciones te produce antes de la inauguración? ¿Miedo, preocupación o felicidad? ¿Y por qué?

En parte preocupación, ¿gustará no gustará?, y ese gusanillo de que todo salga bien. El compromiso de que esté toda la obra preparada, bien enmarcada (bien vestida), todo a punto, catálogos, folletos y a partir de ahí a disfrutar.

5.- ¿Has alcanzado los sueños que llevabas al comienzo de tu trayectoria, o te ha defraudado el arte?

Mis sueños están todavía intactos. Mi vida laboral ha transcurrido por otros caminos, una familia a la que he dedicado tiempo, y he pintado, no lo que yo quería dedicarle. Dentro de poco me voy a jubilar y empezarán a realizarse mis sueños.

El arte no me defrauda nunca. Requiere constancia, esfuerzo, tiempo, dedicación. Y hasta ahora no he podido.

6.- ¿En qué te fijas al comenzar una obra, en cómo quedará el aspecto exterior, o en las emociones que puedes transmitir?

Diría que en las emociones que puedo transmitir. Qué sensaciones puede percibir el espectador; en el caso de la acuarela el juego de las transparencias para las marinas, o los colores para transmitir un mensaje, o un lugar con encanto.

7.- ¿Ha podido afectar la pandemia en tu pintura? Y si es así, ¿ha sido para pintar más o menos?

Dentro de una circunstancia tan extraña, a mí me ha beneficiado. Toda mi vida ha sido un sin vivir. No he tenido tiempo para nada. De repente todo se para, nos confinan, y precisamente lo que tengo es tiempo. Para conocer a mi hija, para cocinar, y he pintado relajada y disfrutando.

8.- ¿Volverías a participar en un proyecto como encontrarte y por qué?

Sin dudarlo volvería a participar en un proyecto como encontrarte. Durante toda mi vida me he comprometido en muchas causas, dentro de mis posibilidades y he participado activamente. Donde haya una injusticia y si puedo colaborar, estaré.

9.- ¿Crees que los artistas son privilegiados entre la sociedad, o solo es espejismo?

En el fondo hay de todo. Aquellos artistas que tienen nombre y fama son unos privilegiados. Se les compra por la firma no por lo que hacen. Hay muchísimos artistas que creen en lo que hacen y son capaces de transmitir y generar emociones, que llegan al público y merecen todo mi respeto.

CRÓNICA SOBRE LA OBRA DE AMAIA CADENATO

Amaia Cadenato junto a su obra Dónde estás corazón, para encontrarte

En el siglo XIX el ser autodidacta era un factor de orgullo, ya que implicaba una cierta ruptura hacia los cánones establecidos por las rígidas academias de arte en Europa de entonces. Este aspecto de auto didactismo va a ser también recalcado por algunos artistas formados por sí mismos. Mientras, en el siglo XX esto comenzó a transformarse en un ideal. Pero con doble cara; por un lado, un modo de orgullo para los autodidactas, sin menospreciar a los universitarios. Y por otro lado, no es suficiente ser académico sin amar el arte. “El arte nace y no se hace”. El arte es un don. DaVinci fue uno de los grandes autodidactas, no nos olvidamos de Van Gogh que aprendió el arte mirando lo que hacían sus compañeros, o el gran Munch, o el maestro del simbolismo, el artista Henri Rousseau quien no pintó nada antes de los 40 años. Entre ellos encontramos muestras de toda aplicación, referencias para la reflexión. Para cuando miramos una obra, debemos fijarnos en lo que vemos sin más, ya que el arte lo trabajan en mayor grado los autodidactas.  

De esta forma entiende el arte nuestra compañera Amaia Cadenato. Una artista que se hizo a si misma, llevando los estudios de arte en compañía de otras especialidades, ya que el arte es la vida como el pan, pero no se pude vivir de ello. Un tremendo peso el ser artista en nuestra época. A pesar de esto encontramos a buenos artistas que se esfuerzan cada día haciendo bellas obras como las obras de Amaia. Y sus obras nos permiten analizar las consecuencias reales sobre las creaciones. Nadie duda que un académico tiene el don de ser artista al superar los exámenes finales de su carrera, pero quién duda de los exámenes a los que se somete el artista autodidacta cada día de su vida, ya que cada exposición es un examen para ellos.

Varias obras de Amaia Cadenato

Amaia se ha aficionado al arte desde pequeña y su mayor fuente de influencia en el aprendizaje ha sido el Museo de Bellas Artes de Bilbao, No nos debe sorprender, ya que en el pasado vimos a grandes maestros del arte que han aprendido casi todo mirando los museos, tal como lo hizo Pierre Renoir. ”No tengo la culpa de que mis obras no se vendan” dijo Van Gogh. Yo añado: el artista de hoy no tiene culpa de la crisis, ni de que haya muchos artistas en el mundo. Particularmente pienso yo que debería haber el doble de artistas en el mundo, de esta manera habrá más paz y más belleza. Los artistas conservan las bellezas y no destrozan la historia.

Amaia Cadenato es licenciada en Economía y discípula del Profesor Richard. Se esforzó mucho para estudiar las dos carreras y aprendió todas las técnicas del arte. Nos ofrece bellas obras sencillas en su composición y sin ornamentaciones forzadas, eligiendo la técnica de la acuarela. Trabaja  sin complejos y sin buscar un estilo diferente, simplemente obras de bella ejecución, utilizando una de las técnicas más difíciles que hemos conocido en el arte y la más antigua, que es la acuarela. La acuarela es un término que etimológicamente deriva del latín “agua”. Es una técnica que ha gozado de gran popularidad ya que era la primera técnica usada en el mundo y sigue siendo la técnica noble hasta hoy, desde antes de los egipcios. El agua es el protagonista y el causante de su transparencia y luminosidad, dos características imposibles de conseguir casi con ningún otro medio.

Una selección de la obra de Amaia Cadenato

Dicho esto, debemos mirar las cualidades de la obra del artista con ojos limpios, es decir, sin preocuparnos sobre si esta realizado con uno u otro material, simplemente comprender su obra.

Es interesante mencionar la transformación que experimentan las obras de Amaia ejecutadas con esta técnica. Se trata del paso de la presentación de un aspecto muy vivo, a pesar de que no coinciden las opiniones sobre la acuarela. Sin embargo, la mayoría de los expertos en la técnica y en el análisis dicen que es la técnica mas compleja. Es la mejor manera para la representación de la luz y de la transparencia del agua. Debido a su condición acuosa, la fusión entre los distintos colores termina dando a la obra una belleza que no se consigue con otras técnicas. Su luz.

Abdul Kader Al Khalil

عبد القادر الخليل