Entrevista a José Ramón Muro Pereg

José Ramón Muro Pereg

Entrevista realizada por Abdul Kader Al Khalil para encontrarte.

1- Una pregunta de obligada norma. ¿Qué representó para ti el proyecto encontrarte

Ante todo, una oportunidad de visibilizar y denunciar mediante la pintura una causa sobre una injusticia como es la de los bebes robados después de su nacimiento y la separación de sus madres. Pocas veces nos encontramos ante un hecho tan claro que debemos denunciar y podemos hacerlo mediante el arte pictórico. Por otro lado, ha sido muy gratificante el hecho de participar y conocer a otros artistas unidos por la misma causa, con diferentes técnicas y diferentes formas de ver la realidad a través de la pintura, pero unidos por un mismo proyecto.

2- Como artista de mucho recorrido, ¿qué valor otorga la paciencia del pintor?

Me parece fundamental, al menos en mi caso. La observación a la hora de escoger un tema es muy importante y posteriormente como afrontarlo, depende mucho de la paciencia. Creo que tenemos una tendencia predestinada hacia un cierto estilo, por nuestra formación, nuestros genes y nuestro estilo de vida y la paciencia es una de esas características que te pueden encauzar en uno u otro estilo. No pintamos como queremos sino como sentimos con nuestras influencias de vida.

3- ¿Si no te hubieras dedicado al arte, en que oficio estarías ahora?

En realidad, mi principal profesión ha sido durante muchos años la de ingeniero. En el año 1985 realice mi primera exposición en solitario en la Galería Arteta de Bilbao. Esta exposición fue exitosa y vendí gran porcentaje de las obras, a pesar de ello quedé endeudado con la Galería, además de no recibir ninguna compensación económica por las obras vendidas. De esta forma mi primera experiencia expositiva fue muy negativa en el sentido económico y me di cuenta que no iba a ser mi principal medio de subsistencia.

Nunca dejé de pintar y mantuve algunos encargos, pero mi principal profesión ha estado en la industria y durante varias décadas la pintura ha tenido que estar en un segundo plano, hasta que en un momento determinado tuve la necesidad de volcarme de nuevo, reencontrarme con la pintura y dar rienda suelta a la creatividad que necesitaba expresar.

4- Cuando ves las obras de otros artistas y su forma de trabajar, ¿crees que aún puedes aprender algo?

Siempre estamos aprendiendo y es muy importante gestionar bien los cambios y estar siempre motivado para la mejora continua, aprendiendo de todos los pintores, de sus estilos, de sus técnicas y de sus herramientas, siempre hay algo que aprender de cada pintor.

En los últimos cinco años he asistido a workshops de varios pintores españoles reconocidos actualmente, Modesto Trigo, Carmen Mansilla y Alejandro Carpintero, diferentes técnicas y diferentes estilos y grandes pintores actuales, de cada uno de ellos siempre he aprendido en multitud de detalles.

5- ¿Qué ves en los automóviles como obras de arte?

Como comentaba anteriormente, somos en parte dependientes de nuestro bagaje y mi formación técnica y mi carrera industrial en ingenierías de diseño de empresas de automoción y aeronáutica del País Vasco hacen que una de mis pasiones sean los automóviles, cuyo diseño tiene mucho de artístico, sobre todo los automóviles clásicos. Por otro lado, el dibujo técnico y la perspectiva, influyen decisivamente en mis obras. En este caso busco en diferentes eventos obtener una foto generada como una pintura, es decir, con el encuadre, la perspectiva y los reflejos que sea la base para una posterior obra.

6- Los Hiperrealistas desean mejorar la realidad, incluso superar la fotografía. ¿En qué podemos diferenciar aquí entre la fotografía y la pintura Hiperrealista?

En realidad, no me considero Hiperrealista ya que estos pintores realizan un dibujo muy meticuloso y fotográfico de sus pinturas. Un buen amigo definio en una ocasión mis pinturas como “en la frontera del Hiperrealismo”, y estoy de acuerdo con esta definición.

Si ves una de mis pinturas de cerca, son realistas, pero no tienen un detalle muy marcado. Pero sí me gusta alcanzar una apariencia realista por el color o el tono tan cercano a la realidad, que da esa sensación de hiperrealismo. Por otro lado, muchas de mis obras son collages, con bocetos formados por distintas escenas o personajes mezclados en la misma imagen y por lo tanto gestionar sus luces, sombras y perspectivas resulta complicado para encajarlo todo en un conjunto compacto y realista.

7- ¿Qué ideas sobre la realidad has extraído a través de tus obras?

La principal idea es que la realidad es efímera, por eso pintas solo un instante, donde las luces y las sombras alcanzan un determinado conjunto armónico que debemos retener antes de que cambie. Otras artes audiovisuales me acompañan desde la juventud, la fotografía, el cine amateur y eso me ha influido en la forma de ver la realidad. Me gustan mucho los reflejos, la mayoría de mis cuadros los contemplan y es una forma de ver más allá de la superficie reflejada. Es como si duplicáramos el espacio del lienzo, porque estamos viendo directamente un sujeto e indirectamente la escena reflejada.

8- ¿Qué retos planteas tocar después de que ya eres un consagrado artista?

La verdad es que cuesta encontrar nuevos proyectos. Actualmente no pinto si no tengo una idea muy clara que me llene. Creo que es el momento más complicado, cuando estas diseñando lo que vas a hacer, tener clara la idea y tener ganas de realizarlo o tener un mensaje que queremos plasmar en el lienzo. Una vez que tienes clara la idea, el desarrollo de la obra es algo más mecánico y es aplicar los conocimientos adquiridos.

Por otro lado, hoy en día existen espacios virtuales que dan a conocer tu obra por todo el mundo y amplía los horizontes expositivos, por eso participo en varias galerías on-line internacionales y es donde me muevo actualmente, además de participar en concursos y revistas de arte.

9- ¿Cómo describirías tu trabajo y qué consejos puedes dar a los demás que están a medio camino?

Describiría mi trabajo como realista claramente, de contrastes con luces y sombras, con colorido y con alguna tendencia hacia el Pop-Art.

Como consejo para otros pintores, además de formarte adecuadamente, conocer diversas técnicas y herramientas, es importante saber dibujar y entrenar el dibujo una y otra vez. Luego, creo que lo más importante es seguir tu propio camino y hacer lo que sientes en lugar de seguir tendencias pictóricas de moda.

CRÓNICA SOBRE LA OBRA DE JOSÉ RAMÓN MURO PEREG

«Desencuentro forzado» de José Ramón Muro Pereg para encontrarte

Decir José Ramón Muro Pereg es decir realismo y hablar del realismo es hablar de todo el arte después del siglo XVIII. Incluso el de antes. Como tal obtuvo ese nombre en el siglo XIX y también hay que retratar que hay muchos realismos en el mismo tema: Realismo moderno, Naturalismo, Realismo y fotografía, Realismo Épico, Realismo Político, Hiperrealismo, Realismo Mágico, Realismo social, Realismo socialista y otros realismos en Europa y América.

Hablar de la pintura que realiza el artista José Ramón es presenciar a un artista consagrado, un artista que está muy adentrado más allá de tres fronteras: el realismo, el hiperrealismo por sus detalles, y  el mágico en la belleza, por lo que transmite en sus pinturas. No cabe duda de que estamos ante un artista especial.

«Surfeando hacia la luna» (134 x 100 cm) de José Ramón Muro Pereg

La única fuente de inspiración en el realismo es la realidad. Y la única belleza válida proviene de la realidad. Mientras desde el punto de vista ideológico el realismo queda vinculado a lo social y a las clases más desfavorecidas después de la revolución industrial, aunque los pintores realistas defienden una pintura sin argumentos. Simplemente de la realidad. Y se basan en representar la imagen sin desarrollo narrativo.

El arte realista es el arte objetivo, tanto el artista como la persona que observa dicha obra. Por lo tanto, carece de cualquier conclusión idealista o cualquier forma de embellecimiento.  El realismo pictórico del artista José Ramón Muro Pereg es la mejor forma de conocer la realidad, es una forma de expresión en que resisten las impresiones básicas de la realidad, además de relatar e interpretar la realidad que se esconde debajo de las apariencias de las cosas. El arte realista, se considera aquel estilo de arte que intenta representar y exponer temas que estén conformes. Para una muestra, mirar cualquier obra del artista José Ramón. Es decir, este estilo de arte representa obras en las cuales sus contenidos pueden explicarse por causas naturales.

En las palabras del artista José Ramón encuentro la manera de amar el arte y la manera de aprender, la observación del tema antes de ejecutar el trabajo sobre el lienzo, el reconocerse a si mismo que es de otra profesión y que la pintura es una pasión. Por eso digo: “Ojalá que muchos titulados del arte tengan esta gran pasión.”    

«Sueños» (116 x 89 cm) de José Ramón Muro Pereg

Ocasionalmente se escuchan comentarios como que el hiperrealismo no es arte, que carece de valor creativo. Quizás es muy difícil criticar estas obras y por ello dicen que es un arte sin valor. Para mí no es el arte el que carece de valor, sino el no saber que el talento se tiene o no se tiene y no se puede aprender. Mucho talento es lo que posee José Ramón.

Existen cientos de miles de artistas que logran profundizar en su conocimiento del dibujo y la pintura, pero son pocos los que logran el dominio de la técnica y se dan el lujo de crear cosas maravillosas como las que hace nuestro compañero José Ramón Muro Pereg.

«David en el garaje» (130 x 97 cm) de José Ramón Muro Pereg

El superrealismo se inició en 1960 en Estados Unidos. Y de allí vino con el nombre foto-realismo: se trata de copiar la realidad tal como es, mientras que en el Realismo mágico se tiende a mejorar la realidad, incluso mejorar los fallos que existen en la fotografía. Intenta suplir el vacío de contenido artístico con un mensaje más trascendental. No todos lo consiguen, esta misma aspiración de reproducir lo real tiende a exigir niveles de detalle y exactitud que refuercen el efecto de realidad. Y puede emplearse en la representación de temas y figuras fantásticas. 

En la obra del artista José Ramón Muro Pereg se aprecia el movimiento, dejando a un lado la belleza, y el concentrarse en la vida. Cuenta y describe los detalles meditadamente. Asimismo, consigue las expresiones de los sentimientos más íntimos y la consagración de la luz y posee un lenguaje sofisticado.

Abdul Kader Al Khalil

عبد القادر الخليل

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Entrevista a Ángel Momoitio «ANTIO»

El artista con su obra Oscura premonición

Entrevista realizada por Abdul Kader Al Khalil para encontrarte

En este día, tengo el honor y el placer de entrevistar a nuestro compañero el artista Ángel Momoitio. Lo primero, felices fiestas y feliz año.

1- Si me permites, me gustaría preguntarte, ¿ qué representa para ti tu participación en el proyecto encontrarte?

Gracias Abdul, feliz año también para ti y los tuyos.

Este proyecto, ha supuesto para mí la oportunidad de ofrecer mi arte, mis constantes esfuerzos, conocimientos y gestiones, al servicio de una noble causa que no debemos permitir que se repita…

Cuando me lo propusieron, te confieso que me sentí muy ilusionado, pero también con muchas dudas… Conociéndome, sabía que me implicaría al 200%; que tantas horas de dedicación podrían, incluso, afectar a mi vida privada. Pero, aun así, me dejé llevar por esa voz interior que me lo suplicaba a gritos…

Mi mujer y yo, habíamos sentido el frustrante vacío de no haber podido conquistar nuestro anhelado sueño de ser padres, a pesar de numerosos tratamientos de fertilidad. De hecho, estuvimos a punto en varias ocasiones. Y cuando parecía que, al fin, ya íbamos a conseguirlo, perdimos a nuestra niña a los seis meses de embarazo. Este cuadro, es muy simbólico y especial para mí; aparece en el vientre de la figura protagonista, la ecografía real de ese pequeño “ángel”.

No intento comparar ese dolor con el que sufren tantas madres y padres a los que la maldad y la ambición humana les han robado un hijo. Pero tampoco te voy a negar que, muchas veces, hemos sentido un vacío mínimamente parecido. Como si la caprichosa naturaleza, las negligencias de la ciencia médica de los hombres…o, incluso, la fatalidad de nuestro propio destino, nos hubiera arrebatado ese natural derecho. Con este proyecto, intento secar, aliviar, esas cicatrices que me siguen sangrando dentro. Y lo hago de la mejor manera que sé, contribuyendo a ayudar a los que sufren o han sufrido alguna vez algo parecido.

Dedicar mi arte y mi trabajo a este proyecto es para mí una necesidad vital. Y, al mismo tiempo, una especie de liberación o catarsis, encaminada a potenciar la esperanza entre tantas sombras y preguntas sin respuesta…Me colma de infinitas satisfacciones y me ayuda a seguir adelante cada día. En el fondo, pienso que es un gran reto que el destino me estaba reservando…

2- La vocación, tu vocación. Háblanos sobre tu obra y de tu inspiración creativa

Mi amor por la pintura surge en la infancia (6 o 7 años). Veía pintar a mi padre, el pintor internacional vasco Julián Momoitio, y ese gusanillo fue hechizando todo mi ser. Con él aprendí los fundamentos básicos del color y de la forma. Recuerdo una curiosa anécdota de aquellos primeros años…Con tan solo 6, garabatee la parte trasera de un viejo sofá que tenía en su estudio. Yo, pensaba que al verlo, me echaría una fuerte reprimenda. Se acercó lentamente hacia mí, observó detalladamente aquel dibujo —una especie de paisaje, con un grupo de figuras en un camino—, me dio una leve palmadita en la espalda y me dijo: “hijo, no te asustes. ¡¡tienes madera!!» En ese instante, descubrí que quería ser pintor, que había nacido para el arte…

Luego, mi vida ha dado muchas vueltas (la actividad comercial, el periodismo, la poesía, el ajedrez…) Pero la pintura siempre ha estado ahí, muy presente en cada una de mis etapas. He procurado Impregnar mi sello personal en cada una de mis obras. Y humildemente, creo que con los años, he logrado configurar las bases de un estilo propio, caracterizado por un peculiar cromatismo de colores grises y quebrados. Una gama que mi alma ha llegado a subjetivar y con la que me identifico plenamente.

Me gusta tanto la abstracción como la figuración. A veces, de forma aislada y otras, yuxtapuestas una con la otra. También, a través de los encargos, me he ido especializando bastante en el retrato. Sobre todo, al óleo y al pastel. Otros géneros como el paisaje y el bodegón, los cultivo menos.

Encuentro mis fuentes de inspiración en mis propias formas de sentir y de pensar. En este difícil mundo del arte, casi todos pecamos de alguna u otra influencia; casi todo está creado o inventado ya.  Por eso, a nivel del mensaje, pretendo hacer todo lo posible por alejarme de ellas. Técnicamente, considero imprescindible estudiar a los clásicos: Rembrandt, Velázquez, Goya, el gran  Da Vinci…Son en este sentido, fuentes inagotables de conocimientos.

3- El periodismo camina siempre en busca de la verdad, cómo puedes asociar la verdad del periodismo con la imaginación como fundamento del arte? Los sueños…

Cierto. El periodismo a nivel general y, sobre todo, desde la vertiente de la fría noticia, implica una búsqueda de la verdad desde un prisma objetivo, con paradigmas o pilares en torno a básicas preguntas (¿qué? ¿quién?, ¿cómo?, ¿cuándo? ¿dónde?). Pero no olvidemos esas otras caras del periodismo: las editoriales, los artículos de opinión y  columnas, las crónicas…Donde el margen de la interpretación personal es muchísimo más amplio. Aquí, el poder de la libertad de expresión, la proyección del yo humano, y, por ende, la personalidad del autor, aflora de forma instintiva e inexorable. Es un tipo de periodismo “hermano menor del género literario”.

Es en este terreno donde siempre me he sentido más a gusto y en el que, salvando las distancias, encuentro mayores conexiones con el apasionante cosmos del arte.

Soy un hombre muy comunicativo y expresivo por excelencia. Y si tenemos en cuenta, que tanto el mundo del arte como este tipo de periodismo son también expresión en estado puro, no es extraño que mi personalidad necesite “beber” de ambas fuentes para calmar su sed.

Por otro lado, el mundo onírico y el poder de la imaginación que «alimentan» el arte, son para mí especies de puertas escondidas pero abiertas. Con ellas juego para poder escapar de la triste realidad. Privilegiados y salvadores viajes de ida y vuelta,  que me ayudan a descubrirme, día a día…

4- ¿Cuál es el trabajo tuyo que más te ha impactado hasta ahora?

Sería difícil contestarte. Por elegir uno, quizás un cuadro de gran formato (60fig/ 130 x 97 Cms) que pinté hace ya más de una década, en el 2004, Euskadi: un amanecer de esperanza. A base de pigmentos, resinas acrílicas, tintas especiales, materia degradada, texturas y materiales de relieve similares a la técnica escultórica…

Una pieza de mi colección particular. Forma parte de una época en la que tuve la necesidad de experimentar; pintar una serie de obras con nuevas técnicas y soportes que encontraba habitualmente abandonados en la calle: pallets, chapas de hierro oxidadas, tableros húmedos de madera…y otros, como maderas tratadas previamente con barniz o quemadas, telas rotas y rasgadas de lienzos, etc…Intentaba reflejar la degradación progresiva de mi entorno más inmediato. Incluso, con temas  mucho más universales: la pobreza humana, la exclusión social, el hambre, el oscuro y deprimente mundo de las drogas, las guerras y la violencia del terrorismo…Todas ellas, bañadas en atmósferas cromáticas de un deliberado y marcado tenebrismo.

Esta obra,  fue seleccionada en varios concursos. Me siento plenamente satisfecho de ella. Por su fuerza, su desgarrador cromatismo y ese drama social, representado desde un profético y esperanzador enfoque: la violencia terrorista del Pais Vasco. Hoy, ese sueño es ya una realidad conquistada por la PAZ.

5- Si pudieras parecerte a otro artista por un solo día, ¿a quién te gustaría parecerte?

Sinceramente, aspiro en todo momento poder alejarme de las influencias y ser yo mismo. Pero ya que me lo pones tan fácil diciéndome que solo por un día…jajaja, te diré sin dudarlo que al genial Picasso.

Me fascina su infinito torrente creativo y esa enérgica pasión por el arte. Su hambrienta y obsesiva curiosidad hacia todo lo que le rodeaba. Su autenticidad y singular sello en todos los trabajos que hacía (pintura, escultura, grabado…). Por encima de modas, influencias externas y la condicionante, peligrosa y manipuladora opinión de la sociedad, ¡era él y solo él!

Tenía tanto talento y  una imaginación tan fértil y poderosa,  que se permitía el lujo de pintar sin pinceles y con lo primero que pillaba a mano. ¡Todo él era arte!

Es muy posible, que como persona y en sus relaciones amorosas y de convivencia dejaría mucho que desear. Pero como artista, me parece una personalidad única e irrepetible.

En el fondo, fue siempre un niño grande, que jugaba a crear y a “devorar como un caníbal” las emociones humanas, para después  plasmarlas y “bautizarlas” en otras dimensiones en cada una de sus obras. Para mí, Picasso marcó un antes y un después en el mundo de la pintura.

6- Por costumbre, siempre hablamos de los artistas distantes en el tiempo y restantes del lugar. Sin embargo, hay muchos artistas de Euskadi que pondrían contento a cualquier persona amante del arte. ¿No te parece?

Por supuesto que sí. Los que vivimos el arte de forma especial y somos de aquí, sabemos bien que Euskadi, a lo largo de su historia, ha sido cuna y tierra de grandes sagas de pintores. Ahí están los Arteta, Arrúe, Zubiaurre, mi admirado Zuloaga, Regoyos, Iturrino, Guinea…Más recientes, Badiola, Urzay, Cristina Iglesias, Lazkano…

Particularmente, siempre me ha llamado la atención ese mundo oscuro y sucio emanado de la paleta de Zuloaga.  Hace un año, tuve la oportunidad de ver su retrospectiva en el Bellas Artes, y disfruté muchísimo. Sus retratos a personajes de la época demuestran que, además de un exquisito pintor, fue un mago de la psicología humana…

7- ¿Con qué estilo te quedarías mejor definido, por lo menos hasta ahora?

Muchos me han dicho que, analizando aisladamente determinados fragmentos de mis obras, podían encontrar un poquito de todo. Que son como jardines impregnados del perfume de múltiples flores: impresionismo, expresionismo abstracto, surrealismo, realismo…Posiblemente, tengan bastante razón al afirmar esto. Sin embargo, exceptuando algunos coqueteos con el impresionismo en mis comienzos, personalmente me identifico mucho más con el expresionismo abstracto.

Mi visión del arte y mi alma, necesitan de este concepto universal a la hora de crear. Las brújulas sagradas que me orientan durante la aventurera travesía del arduo proceso creativo, suelen ser, casi siempre, los sentimientos y las desnudas emociones. Utilizo la realidad como un simple referente o pretexto inicial para poder canalizar este arco iris de sensaciones, y de manera instintiva, impulsiva y espontánea.

El mensaje global que puedo llegar a transmitir al espectador es el motor que siempre más me ha motivado e interesado. Hacerles primero sentir y luego pensar. Por encima de distracciones formales o cánones meramente estéticos. Para mí, un cuadro o cualquier tipo de obra de arte, tiene que ser ante todo mensaje. Un lenguaje o forma de expresión que tenga como esencial objetivo: calar en lo más profundo del corazón del espectador y les haga interrogarse o cuestionarse inmediatamente algo.

8- ¿Qué opinas del espectáculo visual en el arte modernista?, ¿crees que todo lo que vemos lo podemos llamar arte?

El mayor espectáculo visual, sublevando muchas veces los límites del fraude y protegido por el marketing, donde sin duda más abunda es en el arte contemporáneo. Parece que lo único que se pretende aquí es llamar la atención, provocar a toda costa un fuerte impacto psicológico en  el espectador. Buscar egoístamente la promoción del propio artista, sin pretender aportar nada relevante o nuevo al conjunto de la sociedad.

Por supuesto que hay que respetar la libertad de expresión a la hora de crear. Pero siempre, dentro de unos límites que nunca se deberían traspasar. Este tipo de descaradas actitudes, nos perjudican a todos los que de verdad sentimos el arte.

En este sentido, los galeristas, organizadores de Ferias y demás escenarios nacionales e  internacionales, y sobre todo, los críticos reputados y avalados por sus conocimientos y años de experiencia, deberían tener el peso de esa responsabilidad depurativa, haciendo de filtro mediante “justas operaciones quirúrgicas”, con sus estrictas selecciones y publicaciones.

Sería una forma de proteger al mercado general del arte; no denigrarlo .De que, a la postre, vayan quedando solo en primer plano los que realmente sientan aquello que hacen y su mensaje sea verdaderamente útil para los demás.

La  palabra arte, es demasiado sagrada como para hacer con ella un “circo” y desprestigiarla como muchos lo hacen…No podemos llamar a todo arte. En todo caso, utilizar más habitualmente y en su justa medida, expresiones como espectáculo, performance o experimentos  visuales. El arte es otra cosa…

Y los artistas debemos sentirnos seres especiales y privilegiados, por el carácter eterno de nuestras obras. Con una clara misión: el reciclaje ideológico y espiritual, como paso previo a futuras y profundas transformaciones de la sociedad.

9- Como periodista, te hago esta pregunta si me lo permites, ¿por qué todos los colectivos tienen ayudas de la administración durante la pandemia, excepto los artistas plásticos?, ¿ acaso viven de su arte, o es que deben dejar de pintar?

Ampliaría esa observación al conjunto de artistas de otras disciplinas y al sector de los autónomos específicamente.

Los políticos y la sociedad en general no valoran suficientemente el arte. Todavía no son conscientes de que constituye un alimento primordial para la renovación del espíritu humano. Capaz de generar a gran escala gérmenes ideológicos masivos que pueden llegar a producir marcadas transformaciones sociales.

Lo consideran un artículo de lujo o un submundo donde se camuflan los vagos, los marginados y los lunáticos. Como consecuencia y, salvo contadas excepciones amparadas o dependientes de poderes institucionales y gubernamentales, o contados genios que han sabido relacionarse y explotar bien sus numerosos contactos, es prácticamente imposible poder vivir dignamente de esto.

La mayoría, lo que hacemos es sobrevivir como buenamente podemos. Otros trabajos alternativos, encargos muy esporádicos, clases de arte…Cualquier cosa, con tal de poder seguir invirtiendo tiempo en nuestra pasión. Date cuenta que, cuando hay que recortar algún tipo de subvenciones o presupuestos, los destinados a Cultura siempre se llevan la peor parte del pastel.

Esperemos que algún día no muy lejano, todo esto empiece a cambiar de verdad y se otorgue al mundo del arte y a los artistas la importancia que realmente merecen.

A veces, tengo la extraña sensación de que esta cruel pandemia que nos está tocando sufrir es una dura y macabra prueba del destino. Me niego a pensar que todas estas montañas de injustas muertes no van a servir para nada…

Las actuales circunstancias nos están obligando a frenar el ritmo habitual de nuestras vidas; a dejar de vivir deprisa y como autómatas. Nos han robado los abrazos, las caricias, los besos…Tenemos que empezar a valorar, más que nunca, todos esos tesoros que antes teníamos y probablemente no valorábamos lo suficiente. Quizás, en tiempos de obligada introspección como este, nos demos al fin cuenta de la faceta salvadora del arte.

Sepamos valorar la distracción que nos ofrece una buena película para no pensar en problemas; la revitalizante belleza y estímulos de pensamiento, que puede brindarnos un genial cuadro; o el efecto terapéutico que puede provocar en nuestras narcotizadas neuronas una dulce canción o armoniosa pieza musical…

Quizás, llegue también pronto una nueva era para el arte…¡¡Quizás!!…

Fuerte ABRAZO, Abdul. Un placer haber sido entrevistado por tu pluma.

CRÓNICA SOBRE LA OBRA DEL ARTISTA

Fantasía Guggenheim (Acrílico y tintas) a la izquierda y Euskadi: un amanecer de esperanza (Acrílico/ Óleo) a la derecha

La belleza es un valor real y mundial, que debemos buscar y producir como objetivo estético. Con la intención de poder disfrutar de las sensaciones percibidas; apelando al vuelo de la imaginación y a la fantasía para suscitar interés y provocar una experiencia que nos haga sentir, vivir, esa realidad estética-creadora. La belleza visual, es para apreciarla, gozarla y conservarla con criterio, comprendiendo que todas las cosas bellas son arte.

Si no, ¿cómo  podemos apreciar la hermosura y el significado plástico de una obra sin que responda a la belleza? Las imágenes nos hablan por si mismas, alcanzan otros espacios más amplios y hermosos. Porque nos expresan mediante el soporte, la percepción directa que otorga la comunicación visual y el enfoque del arte, para conseguir una representación espacial del orden visual de la figura.

Al tesoro de tu infancia (Pastel) a la izquierda, Retrato de mi madre (Pastel) en el centro y Duelo de titanes (Acrílico/Óleo) a la derecha

Ángel Momoitio, artista y periodista, primogénito del pintor vasco Julián Momoitio, nos ofrece en su obra Oscura premonición otra manera de ver el valor del cromatismo en el arte. En atmósferas oscuras y cálidas a la vez. Siendo un pintor profesional, entiende el significado de las teorías y conceptos de la armonía cromática y las técnicas pictóricas y del color en general.

El concepto cromático de Ángel Momoitio constituye un verdadero principio de la armonía del color. Se basa en la obtención de una proporción y su particular correspondencia. La gran influencia de los conocimientos aportados por su experiencia del color, determina que la armonía de sus colores se encuentre hoy más cerca de lo cromato lógico que de lo icono lingüístico, concepto dado por la teoría tradicional del color.

Pentagrama a tu eternidad (Óleo. Hom. póstumo al poeta M. A. Marrodán) a la izquierda y Lágrimas perennes (Óleo) a la derecha

Ángel Momoitio, expresa en sus pinturas la casuística existencial de sus más íntimas inquietudes con la poesía del color. Nos proyecta, en todo momento, un paradigma consustancial con su propia personalidad, reflejada en momentos de evidente inspiración. Utilizando una gama de colores fríos para conseguir colores grises quebrados. Mientras, reina en la obra el color de la gama melódica dominante; haciendo un color Madre y luego, utilizando sus variedades para crear diferentes distancias entre los diversos planos. No utiliza colores directos, sino que son obtenidos de las mezclas derivadas de unos con otros.

Se aprecia un laborioso y previo estudio del color, y lo plasma como eje de la luz que orienta el motivo, para utilizarlo posteriormente en todas las mezclas. A esto llamamos , color madre o color ambiente. Siendo notable en sus obras la utilización de pocos colores, que juntos se ven bien.

Sinfonía cromática (Acrílico. Hom. al pueblo de Ortuella) a la izquierda y Renacimiento (Acrílico/ Óleo) a la derecha

El don artístico está muy arraigado a la opinión de que la actividad artística estaría reservada a una categoría muy limitada de seres dotados desde la más tierna edad, como es el caso de Ángel Momoitio. Pero no se convierte en gran pintor de la noche a la mañana, sino después de una trayectoria basada en el trabajo, en el estudio de las cosas y de una larga y profunda reflexión.

El don pictórico, tal como nos lo imaginamos, se manifiesta principalmente en una prodigiosa habilidad manual. Las obras que nos presenta este artista , son excelentes ejemplos de una gran  habilidad manual. Una notoria habilidad en crear obras en tantos estilos pictóricos: realismo, expresionismo, impresionismo, y abstracto, entre otros ligados a su personal estilo.  

Y tal como las plantas viven de la luz, las obras viven de la mirada. Algunas, irradiando una espiritualidad concentrada en ellas mismas. Para captar la belleza de esta mágica espiritualidad, hay que aprender a verlas con miradas limpias…

Abdul Kader Al Khalil.

عبد القادر الخليل.     الفنان والباحث التشكيلي السوري

Entrevista a Jon Mao

Jon Mao

Entrevista realizada por Abdul Kader Al Khalil para encontrarte

Hoy tengo el honor de entrevistar al compañero Jon Mao

1 – ¿Qué representa para ti el proyecto encontrarte?

Este proyecto artístico da voz a una situación tremendamente injusta y terrible que es el robo de bebés, el arrancar a unos padres la vida de su hijo, haciendo negocio con esta vida arrancada con engaños para ofrecérselas a familias que aceptan esta horrible transacción me hiela el alma.

Participar en esta denuncia colectiva, como es encontrarte, en la que coincidimos numerosos pintores para dar este grito a la sociedad y a las instituciones y que pongan su atención en este problemática me hizo ver y entender que el arte puede ser un arma muy poderosa para denunciar y dar a conocer estos hechos tan dramáticos.

2 –¿Cuáles son los temas que te gustan más para pintar?

Mis inquietudes y mis gustos han ido cambiando con el tiempo, con lo aprendido y con lo vivido.

En estos momentos me atrae mucho el ser humano: su relación con el otro, su comportamiento como grupo, como sociedad y todas las variables que estos grupos humanos me van sugiriendo, ubicándolos en escenarios de una naturaleza desbocada o en ciudades de arquitecturas oníricas.

La soledad inherente al ser humano o los conflictos que conlleva la búsqueda de la propia libertad son temas que me fascinan en estos momentos.

3 – ¿Trabajas solo con un cuadro o tal vez con varias pinturas a la vez? ¿Y por qué?

A veces, por no decir casi siempre, haces lo que puedes y no lo que quieres, es decir: me gusta centrarme en una obra y acabarla, pero no suele ser tan sencillo. Los encargos, las nuevas ideas o proyectos que te proponen, te roban tiempo para centrarte exclusivamente en una obra.

Esto he aprendido a valorarlo, puesto que el pensar en otras historias más o menos parecidas a lo que estoy trabajando te limpian la mente y te aclaran la mirada, lo que te permite volver a al cuadro con una energía renovada.

4 – En tu estilo hay influencias del realismo de Caravaggio, o de la época barroca. Si estoy en lo cierto, ¿qué te atrae más de esta época?

He estudiado a los grandes maestros barrocos, buscando no la simple reproducción de sus obras, sino los procedimientos, pasos y técnicas pictóricas con las que ejecutaban sus cuadros. Si en mis obras se percibe la influencia de estos maestros se debe a la realización de estos estudios.

Mis influencias van desde la Grecia Clásica hasta el realismo mágico de Peter Doig, pasando por pintores románticos, impresionistas, metafísicos, surrealistas… cualquier periodo del arte puede ser una fuente en la que beber.

5 – ¿Qué es lo más difícil de pintar para ti?

El retrato es para mi entender de una complejidad suma, el reproducir a la persona físicamente puede resultar una empresa ardua; las texturas de la piel, sus brillos, sus tonos variables en función de la luz que reciba…  pero captar los sentimientos, la esencia o mejor dicho el alma, ir más allá de la forma del retratado me resulta fascinante y tremendamente difícil.

6 –¿Qué aconsejarías a los que se están iniciando en la pintura?

Si lo que buscan es aprender a pintar, aconsejaría que busquen un buen profesor, que les enseñe tanto a dibujar como a pintar, que aprendan a matizar los colores, que se informen o estudien la historia del arte, desde sus comienzos en la prehistoria hasta el artista contemporáneo. Que vean mucho arte (literatura, arquitectura, cine, música…) que no tengan prejuicios ni ideas preconcebidas y sobre todo, que disfruten.

7 – Tus obras prometen y te representan como un gran artista, como Velázquez, Rembrandt, o Caravaggio entre otros. ¿A quién te gustaría parecerte?

Me alaga la pregunta y la afirmación que en ella viene por tu parte, pero en realidad no busco parecerme a nadie. Que se vean influencias de grandes pintores en mis obras me parece maravilloso, pero espero que sea debido a la interiorización de su pintura en mí, más que al hecho de querer imitarlos.

8 –Si me permites hacerte una pregunta sobre tus últimas murales, ¿cómo puedes usar el fino pincel en el estudio y la brocha gorda a veces, y luego  crear murales con otros materiales. ¿Con qué estilo te sientes a gusto?

En mis pinturas, me gusta plantearlas de una manera global, abarcar toda su superficie y valorar las dinámicas que se van creando, el encaje de las formas contra el fondo, el movimiento de las figuras en la escena, el preparar las texturas y desarrollar las luces, las sombras y las zonas de transición. Estas acciones me gusta llevarlas a cabo de una manera gestual y ágil, para esto un pincel grande, una brocha, un trapo, las manos… todo vale si te dan mayor libertad.

9 –¿Nos podrías decir cómo preparas tus obras, y qué proyectos tienes en mente para este otoño próximo?

En estos últimos años estoy utilizando mucho el boceto, me ayuda a plantear de una manera tangible la idea que quiero formar en el lienzo, a concretar lo que ronda por mi cabeza y darle forma.

Redescubrir el dibujo a plumilla, utilizar pigmentos directamente sobre  lienzo o pintar con guas sobre papel me permite valorar si lo que estoy imaginando en mi mente se ajusta a lo que va ocurriendo en el boceto.

Cuando la imagen del boceto creado me convence empiezo a pensar en el tamaño del lienzo y preparar su superficie,  ajustándolo a la imagen para comenzar a pintar y a partir de aquí sería una historia demasiado larga para contarlo en esta entrevista.

Los proyectos artísticos que estoy preparando para este otoño pueden ser muy importantes para mí y espero con todas mis fuerzas que salga hacia delante, pero debido a que son proyectos y no realidades debo callar y no decir mucho más.

CRÓNICA SOBRE LA OBRA DEL ARTISTA

Algunas obras de Jon Mao

“Si queréis ver el dolor ved mis obras.”

Frida Kahlo

Y yo digo:

“Si quieres ver lo humano lo encontrarás en las obras de Jon Mao.

Dijeron hace tiempo que Caravaggio es el Rembrandt italiano. Creo yo que Jon Mao puede ser el futuro Caravaggio español.

Jon Mao pinta desde la emoción y sus obras provocan sentimientos en su uso del color, en la luz y en el movimiento. Estas normas son las que definen sus trabajos pictóricos. La luz difuminada en sus trabajos y notoria con naturalidad. Pinceladas sueltas y empleadas con mucha perfección. Cuando trabaja las figuras, se dedica a plasmar el carácter general de sus personajes.

Hay un dicho del pintor italiano Caravaggio que dice: *No deben solo mirar a mis cuadros, sino que deben sentirlos.” Así veo las obras de nuestro compañero Jon Mao Luengo. Son bellas para mirar, pero son muy bellas para sentirlas. No retrata solo los humanos, y no solo retrata figuras, también retrata sentimientos y retrata emociones.

Hubo en todas las épocas pintores realistas que han sido grandes artistas, no por haber pintado la realidad, sino porque se la han interpretado. Cuando preguntan a Velázquez por qué no imita a los grandes artistas de entonces, les contesta: “Prefiero ser el primero en mi estilo, aunque no guste a muchos, a ser el segundo en otros estilos.” Es cierto que Jon Mao es un artista realista, admira los grandes artistas de todas las épocas y en especial los del renacimiento. Conoce sus trabajos y les admira, pero no veo que los imita en ningún tema. Sin embargo, no puede ser un artista realista y pintar sus obras en forma abstracta. Y no olvidemos que los espíritus pueden tener influencias, aunque pase mucho tiempo, lejos de imitarles o hacer lo mismo.  La iluminación en la obra de Jon Mao se centra en el personaje con fondo oscuro que aísla al personaje.

Jon posee un gran conocimiento de la temática de la figura, mezclada con elementos históricos, filosóficos, y reflexiones. Pintura personal y original.

Comencé mi relato citando una reflexión de una gran artista como lo era Frida, ya que se considera una gran artista del realismo mágico, porque en estos jardines se nutren las obras del artista Jon Mao, en el realismo mágico. Y entre estos grandes están Antonio López y Jon Mao, entre otros.

El término “realismo mágico” fue ideado por Roh en Alemania, un crítico de arte que acuñó este término para esta disciplina en una exposición. También se denominó “nueva objetividad”, aunque la denominación tuvo origen en Italia a manos de Massimo Bontempelli, hacia 1926.

Decía Rembrandt: “Una pintura sin una atmósfera en la pintura no es nada”. Las obras de Jon Mao son creadas en una atmósfera personalizada, en atmósferas ambientales que marcan la profundidad, la perspectiva y el paso de los años, no solo lo natural, sino lo histórico. Basta mirar sus obras para darse cuenta de que es un artista muy preparado, muy culto en la materia y pose una gran cultura visual. Cuando vemos sus obras nos recuerdan a muchos grandes artistas. Mis palabras no son halagos hacía Jon Mao, son verdades: merece estar entre los grandes.

Abdul Kader Al Khalil