Entrevista a José Ramón Muro Pereg

José Ramón Muro Pereg

Entrevista realizada por Abdul Kader Al Khalil para encontrarte.

1- Una pregunta de obligada norma. ¿Qué representó para ti el proyecto encontrarte

Ante todo, una oportunidad de visibilizar y denunciar mediante la pintura una causa sobre una injusticia como es la de los bebes robados después de su nacimiento y la separación de sus madres. Pocas veces nos encontramos ante un hecho tan claro que debemos denunciar y podemos hacerlo mediante el arte pictórico. Por otro lado, ha sido muy gratificante el hecho de participar y conocer a otros artistas unidos por la misma causa, con diferentes técnicas y diferentes formas de ver la realidad a través de la pintura, pero unidos por un mismo proyecto.

2- Como artista de mucho recorrido, ¿qué valor otorga la paciencia del pintor?

Me parece fundamental, al menos en mi caso. La observación a la hora de escoger un tema es muy importante y posteriormente como afrontarlo, depende mucho de la paciencia. Creo que tenemos una tendencia predestinada hacia un cierto estilo, por nuestra formación, nuestros genes y nuestro estilo de vida y la paciencia es una de esas características que te pueden encauzar en uno u otro estilo. No pintamos como queremos sino como sentimos con nuestras influencias de vida.

3- ¿Si no te hubieras dedicado al arte, en que oficio estarías ahora?

En realidad, mi principal profesión ha sido durante muchos años la de ingeniero. En el año 1985 realice mi primera exposición en solitario en la Galería Arteta de Bilbao. Esta exposición fue exitosa y vendí gran porcentaje de las obras, a pesar de ello quedé endeudado con la Galería, además de no recibir ninguna compensación económica por las obras vendidas. De esta forma mi primera experiencia expositiva fue muy negativa en el sentido económico y me di cuenta que no iba a ser mi principal medio de subsistencia.

Nunca dejé de pintar y mantuve algunos encargos, pero mi principal profesión ha estado en la industria y durante varias décadas la pintura ha tenido que estar en un segundo plano, hasta que en un momento determinado tuve la necesidad de volcarme de nuevo, reencontrarme con la pintura y dar rienda suelta a la creatividad que necesitaba expresar.

4- Cuando ves las obras de otros artistas y su forma de trabajar, ¿crees que aún puedes aprender algo?

Siempre estamos aprendiendo y es muy importante gestionar bien los cambios y estar siempre motivado para la mejora continua, aprendiendo de todos los pintores, de sus estilos, de sus técnicas y de sus herramientas, siempre hay algo que aprender de cada pintor.

En los últimos cinco años he asistido a workshops de varios pintores españoles reconocidos actualmente, Modesto Trigo, Carmen Mansilla y Alejandro Carpintero, diferentes técnicas y diferentes estilos y grandes pintores actuales, de cada uno de ellos siempre he aprendido en multitud de detalles.

5- ¿Qué ves en los automóviles como obras de arte?

Como comentaba anteriormente, somos en parte dependientes de nuestro bagaje y mi formación técnica y mi carrera industrial en ingenierías de diseño de empresas de automoción y aeronáutica del País Vasco hacen que una de mis pasiones sean los automóviles, cuyo diseño tiene mucho de artístico, sobre todo los automóviles clásicos. Por otro lado, el dibujo técnico y la perspectiva, influyen decisivamente en mis obras. En este caso busco en diferentes eventos obtener una foto generada como una pintura, es decir, con el encuadre, la perspectiva y los reflejos que sea la base para una posterior obra.

6- Los Hiperrealistas desean mejorar la realidad, incluso superar la fotografía. ¿En qué podemos diferenciar aquí entre la fotografía y la pintura Hiperrealista?

En realidad, no me considero Hiperrealista ya que estos pintores realizan un dibujo muy meticuloso y fotográfico de sus pinturas. Un buen amigo definio en una ocasión mis pinturas como “en la frontera del Hiperrealismo”, y estoy de acuerdo con esta definición.

Si ves una de mis pinturas de cerca, son realistas, pero no tienen un detalle muy marcado. Pero sí me gusta alcanzar una apariencia realista por el color o el tono tan cercano a la realidad, que da esa sensación de hiperrealismo. Por otro lado, muchas de mis obras son collages, con bocetos formados por distintas escenas o personajes mezclados en la misma imagen y por lo tanto gestionar sus luces, sombras y perspectivas resulta complicado para encajarlo todo en un conjunto compacto y realista.

7- ¿Qué ideas sobre la realidad has extraído a través de tus obras?

La principal idea es que la realidad es efímera, por eso pintas solo un instante, donde las luces y las sombras alcanzan un determinado conjunto armónico que debemos retener antes de que cambie. Otras artes audiovisuales me acompañan desde la juventud, la fotografía, el cine amateur y eso me ha influido en la forma de ver la realidad. Me gustan mucho los reflejos, la mayoría de mis cuadros los contemplan y es una forma de ver más allá de la superficie reflejada. Es como si duplicáramos el espacio del lienzo, porque estamos viendo directamente un sujeto e indirectamente la escena reflejada.

8- ¿Qué retos planteas tocar después de que ya eres un consagrado artista?

La verdad es que cuesta encontrar nuevos proyectos. Actualmente no pinto si no tengo una idea muy clara que me llene. Creo que es el momento más complicado, cuando estas diseñando lo que vas a hacer, tener clara la idea y tener ganas de realizarlo o tener un mensaje que queremos plasmar en el lienzo. Una vez que tienes clara la idea, el desarrollo de la obra es algo más mecánico y es aplicar los conocimientos adquiridos.

Por otro lado, hoy en día existen espacios virtuales que dan a conocer tu obra por todo el mundo y amplía los horizontes expositivos, por eso participo en varias galerías on-line internacionales y es donde me muevo actualmente, además de participar en concursos y revistas de arte.

9- ¿Cómo describirías tu trabajo y qué consejos puedes dar a los demás que están a medio camino?

Describiría mi trabajo como realista claramente, de contrastes con luces y sombras, con colorido y con alguna tendencia hacia el Pop-Art.

Como consejo para otros pintores, además de formarte adecuadamente, conocer diversas técnicas y herramientas, es importante saber dibujar y entrenar el dibujo una y otra vez. Luego, creo que lo más importante es seguir tu propio camino y hacer lo que sientes en lugar de seguir tendencias pictóricas de moda.

CRÓNICA SOBRE LA OBRA DE JOSÉ RAMÓN MURO PEREG

«Desencuentro forzado» de José Ramón Muro Pereg para encontrarte

Decir José Ramón Muro Pereg es decir realismo y hablar del realismo es hablar de todo el arte después del siglo XVIII. Incluso el de antes. Como tal obtuvo ese nombre en el siglo XIX y también hay que retratar que hay muchos realismos en el mismo tema: Realismo moderno, Naturalismo, Realismo y fotografía, Realismo Épico, Realismo Político, Hiperrealismo, Realismo Mágico, Realismo social, Realismo socialista y otros realismos en Europa y América.

Hablar de la pintura que realiza el artista José Ramón es presenciar a un artista consagrado, un artista que está muy adentrado más allá de tres fronteras: el realismo, el hiperrealismo por sus detalles, y  el mágico en la belleza, por lo que transmite en sus pinturas. No cabe duda de que estamos ante un artista especial.

«Surfeando hacia la luna» (134 x 100 cm) de José Ramón Muro Pereg

La única fuente de inspiración en el realismo es la realidad. Y la única belleza válida proviene de la realidad. Mientras desde el punto de vista ideológico el realismo queda vinculado a lo social y a las clases más desfavorecidas después de la revolución industrial, aunque los pintores realistas defienden una pintura sin argumentos. Simplemente de la realidad. Y se basan en representar la imagen sin desarrollo narrativo.

El arte realista es el arte objetivo, tanto el artista como la persona que observa dicha obra. Por lo tanto, carece de cualquier conclusión idealista o cualquier forma de embellecimiento.  El realismo pictórico del artista José Ramón Muro Pereg es la mejor forma de conocer la realidad, es una forma de expresión en que resisten las impresiones básicas de la realidad, además de relatar e interpretar la realidad que se esconde debajo de las apariencias de las cosas. El arte realista, se considera aquel estilo de arte que intenta representar y exponer temas que estén conformes. Para una muestra, mirar cualquier obra del artista José Ramón. Es decir, este estilo de arte representa obras en las cuales sus contenidos pueden explicarse por causas naturales.

En las palabras del artista José Ramón encuentro la manera de amar el arte y la manera de aprender, la observación del tema antes de ejecutar el trabajo sobre el lienzo, el reconocerse a si mismo que es de otra profesión y que la pintura es una pasión. Por eso digo: “Ojalá que muchos titulados del arte tengan esta gran pasión.”    

«Sueños» (116 x 89 cm) de José Ramón Muro Pereg

Ocasionalmente se escuchan comentarios como que el hiperrealismo no es arte, que carece de valor creativo. Quizás es muy difícil criticar estas obras y por ello dicen que es un arte sin valor. Para mí no es el arte el que carece de valor, sino el no saber que el talento se tiene o no se tiene y no se puede aprender. Mucho talento es lo que posee José Ramón.

Existen cientos de miles de artistas que logran profundizar en su conocimiento del dibujo y la pintura, pero son pocos los que logran el dominio de la técnica y se dan el lujo de crear cosas maravillosas como las que hace nuestro compañero José Ramón Muro Pereg.

«David en el garaje» (130 x 97 cm) de José Ramón Muro Pereg

El superrealismo se inició en 1960 en Estados Unidos. Y de allí vino con el nombre foto-realismo: se trata de copiar la realidad tal como es, mientras que en el Realismo mágico se tiende a mejorar la realidad, incluso mejorar los fallos que existen en la fotografía. Intenta suplir el vacío de contenido artístico con un mensaje más trascendental. No todos lo consiguen, esta misma aspiración de reproducir lo real tiende a exigir niveles de detalle y exactitud que refuercen el efecto de realidad. Y puede emplearse en la representación de temas y figuras fantásticas. 

En la obra del artista José Ramón Muro Pereg se aprecia el movimiento, dejando a un lado la belleza, y el concentrarse en la vida. Cuenta y describe los detalles meditadamente. Asimismo, consigue las expresiones de los sentimientos más íntimos y la consagración de la luz y posee un lenguaje sofisticado.

Abdul Kader Al Khalil

عبد القادر الخليل

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Entrevista a Lucía Higueras

Lucía Higueras junto a su obra «Laberinto» para encontrarte

Entrevista realizada por Abdul Kader Al Khalil para encontrarte.

Hoy me complace entrevistar a nuestra compañera Lucía Higueras Mena, admirable artista.

1- Lo primero, si me permites, te pregunto: ¿qué representó para ti el proyecto «encontrarte»?

Participar en una forma de ayudar a visibilizar el drama que sigue atormentando a personas que fueron víctimas del robo de sus bebés. Han pasado muchos años, pero sigue en pie la esperanza…

2- Me siento dichoso de entrevistar a una artista de gran talento como eres tú. Me gustaría que tú nos presentes a Lucía Higueras Mena y cómo nació el arte en ti.

Muy amable, Abdul. No me considero «artista», dejémoslo en «pintora». Creo que todo el mundo dibuja en la infancia y algunos nos aficionamos, practicamos y, por ello, obtenemos resultados que nos animan a continuar.

3- En el arte solemos tener admiración por nuestros maestros. ¿Cuáles son los tuyos y cómo han influido en tu estilo?

Mis maestros han sido las obras que he ido admirando a lo largo de la vida. Soy autodidacta. He ido aprendiendo de libros y con el procedimiento de «ensayo y error» 😀

4- En tus obras se aprecia mucha perfección, hasta el punto que nos hace preguntar por qué hay obras que carecen de toda perfección. ¿No deberían aprender algo de ti?

¡No! Lo que llamas perfección es intento de realismo. Hay tantas formas de expresarse como personas. 

5- Tus pinturas poseen mucha profundidad, parecen esculturas de 3D. ¿Se debe esto de algún modo a que eres delineante también?

Seguro. Mi verdadera pasión es el dibujo técnico: atrapar una idea en un plano o en un archivo 3D para estudiarla, compartirla, realizarla…

6- ¿Qué piensas cuando ves obras hechas de un color plano o de dos colores como si fueran una lámina de papel? ¿No te resulta ilógico estudiar arte?

Con todas las técnicas se hacen cosas estupendas. Y creo que estudiar arte es la mejor manera de conseguir técnica para crear, además de la cultura que conlleva.

7- El hiperrealismo supera la fotografía en algunos casos. ¿Cuánto tiempo te lleva hacer una obra?

Creo que los hiperrealistas no intentan superar a la fotografía, sino apropiarse de la realidad al máximo en sus obras. Yo no llego a tanto. Me conformo con que «parezca», no que «sea». El tiempo empleado depende de la complejidad y el tamaño, pero, en general, menos de un mes.

8- Los museos en el pasado se interesaban por la perfección de la obra, mientras en los últimos tiempos se preocupan por lo extraño, aunque sea de chatarra. ¿No crees que esto debilita la belleza del arte?

Bueno, el arte no tiene por qué ser bello… es una forma de expresión humana. Sí que, al valorarse hoy expresiones de todo tipo, es fácil que se encumbren obras que sean «chatarra», como dices. El ser humano y sus intereses, ya sabemos.

9- Según la historia del arte, en los tiempos pasados el artista era el gran proyector de la cultura. ¿Crees que nos sobra cultura en estos tiempos, ya que pocos medios se preocupan por difundir el arte?

Creo que la palabra cultura es demasiado amplia, así que siempre sobra cultura. Lo que no sobra tanto es cultura general, conocimientos básicos en cada rama del saber. Creo que la relación arte-cultura está sobrevalorada. Y opino que los medios sí que promocionan el arte y en gran medida. Otra cosa es que nos promocionen a todos los que lo desearíamos. Somos demasiados.

CRÓNICA SOBRELA OBRA DE LUCÍA HIGUERAS MENA

«Laberinto» de Lucía Higueras para encontrarte

Desde siempre el arte ha estado presente entre nosotros, son muchas personas las que se dedican a crear arte en cada una de sus modalidades o tipos y, por lo general, las obras de arte reciben muchas críticas. Para nadie es un secreto que estas críticas pueden ser constructivas. En mi modo de ver el arte opino que deben de serlo en la mayoría de los casos. Como artista sé muy bien lo que cuesta realizar una obra de esta calidad que nos presenta Lucía Higueras. Sé muy bien lo que cuesta hacerse hueco el artista y mucho más difícil es poder vivir del arte. Es posible que seamos muchos y demasiados los que nos dedicamos al arte. A pesar de ser muchos, no debemos hacer críticas destructivas. Yo personalmente suelo destacar de cada artista lo mejor, lo más bello en su obra. Puede que me exceda en alabanzas, pero no lo creo cuando miro obras hechas con gran talento como las que hace Lucía. Y muchas veces comparo a los actuales artistas con los grandes del pasado. En verdad prefiero pasarme en halagos a hablar negativamente de mis semejantes. Y me pregunto, ¿acaso han obrado bien los críticos que han juzgado a Van Gogh? Los que no le han permitido exponer ninguna obra en su vida, cuando decían que su obra no valía nada. Y otros que dijeron que Cézanne no sabía pintar figuras; y otros han dicho que Velázquez solo pintaba caras no más; y no son más amables los que tacharon a Goya de traidor por pintar su obra el tres de mayo. No encuentro ninguna razón para no admirar y alabar las obras de Lucía. Mi lucha es hacer que la gente ame el arte en todos sus estilos, hacer que vean la belleza del arte y no los defectos. Todo artista sabe muy bien donde están sus fallos. Aunque he de decir no siempre son fallos no vistos, sino en muchas ocasiones son fallos deseados.    

Diferentes paisajes de Lucía Higueras

Lucía Higueras es una artista vizcaína con formación académica, delineante, dibujo y pintura. En su trayectoria ha tocado todas las técnicas y se inclina por el óleo, por ser la técnica más agradecida. Con el paso del tiempo ha optado por el realismo y lo sirve con gran destreza y minuciosidad en el detalle, en la profundidad y en el dibujo de los retratos. Sus obras conservan un alto grado de fidelidad al realismo.  El realismo se vincula a los artistas franceses del siglo XIX aunque, con claras diferencias entre los distintos autores: una actitud claramente comprendida entre la crudeza de Courbet y otros con posturas más moderadas como en el realismo de Millet. El realismo es un estilo que refleja la realidad histórica y que no copia objetos mitológicos o religiosos, dejando a un lado los temas sobrenaturales o mágicos y centrándose en temas más corrientes. Son fieles al detalle, característica que lo diferencia de la glorificación idealizadora romántica. Su concentración está en los rasgos esenciales y típicos de los caracteres. La meta del realismo no es la belleza, sino la verdad, y, por tanto, el conocimiento de la realidad. El Realismo de Lucía Higueras abre nuevos y diversos caminos de expresión, que terminarán desembocando en otros movimientos, como el Naturalismo, que no es otra cosa que un Realismo llevado a su último extremo. Independientemente del lenguaje que cada pintor emplea, todos los realistas comparten la radicalidad de los temas y estiman que no hay temas banales, cualquier cuestión puede ser objeto de interés pictórico. Dejan a un lado los temas sublimes y se centran en la vida cotidiana. 

Personajes de series por Lucía Higueras Mena

El realismo y el hiperrealismo siempre han representado un gran reto para muchos artistas y creo que el realismo representa una búsqueda interna que permite conocer los límites de uno técnicamente hablando. Permite incrementar los conocimientos técnicos en el dibujo y la pintura y es el placer de hacer bien las cosas. Se oyen algunas voces que dicen: el realismo carece del valor obtenido en el pasado. Sin embargo, hay muchos admiradores y críticos de arte que piden la vuelta del realismo. Yo pienso que nunca ha desaparecido el realismo, pero lo piden para señalar a los que no lo hacen bien ni aman el arte, frente a los que no saben pintar. Y si escuchamos un poco al público en general veremos que la mayoría en cualquier sociedad entienden y prefieren las pinturas realistas.

Varios retratos hechos por Lucía Higueras

En el mundo existen cientos de miles de artistas. Lo que no se puedo decir es que muchos logren profundizar tanto en su conocimiento del dibujo y la pintura logrando el dominio de su técnica, y se dan el lujo de crear maravillas como lo hace nuestra compañera Lucía Higueras. No se trata de negar la existencia de otros estilos pictóricos, sin duda alguna hay muchos estilos artísticos y en todos ellos encontramos tanta belleza como en el realismo. Pero si hablamos del realismo solo caben las buenas obras, las buenas pinturas como las que nos ofrece Lucía. Obras que gozan de luz, del buen colorido y del buen dibujo.

Abdul Kader Al Khalil

عبد القادر الخليل

Entrevista a Amaia Cadenato

Amaia Cadenato

Entrevista realizada por Abdul Kader Al Khalil, artista e investigador, para encontrarte.

1.- ¿Qué ha representado para ti el proyecto de encontrarte?

El proyecto de encontrarte ha supuesto para mí todo un reto. Es una oportunidad de poder participar junto con un montón de artistas, para poder dar visibilidad a una problemática concreta. El tema de bebés robados. Una trama durísima, que concentra un dolor enorme en madres y padres, hermanos y familiares.

Es un asunto complicado de difícil solución. No existe ninguna voluntad de querer aclarar, resolver o apoyar a las familias. Es una lucha solitaria, ingrata– muy pocos casos se han resuelto-; los impedimentos y las trabas de las instituciones no ayudan.

Por eso es un honor poder gritar “¿Dónde está mi bebé?”.                                                                      

2.- ¿Cómo defines tu estilo artístico?

Desde pequeña me ha encantado pintar. Cuando estudiaba en la universidad (estudiando otra cosa) empecé con distintos artistas en sus talleres a aprender, pasando por el Museo de Reproducciones Artísticas de Bilbao con Manuel Balsa “El Ruso” y terminando con Richard. Dibujo, pintura: óleo, acrílico y acuarela. Me he inclinado por la acuarela, el agua, la fusión de los colores, la luz. Richard me hizo enamorarme de la acuarela.  Pinto tanto realista como impresionista y cada vez más impresionista.

3.- Todo artista intenta transmitir un mensaje en sus obras, ¿qué deseas transmitir tú en tu pintura?

Me gusta mucho la fotografía, e intento captar “momentos” mágicos. Son sensaciones mías: un rincón de mi ciudad, un juego de luces, una mar en calma o agitada, un paisaje, que luego tiendo a plasmar en un cuadro. Normalmente son lugares reconocibles, que en ese momento tienen valor para mí. Me importa mucho mi ciudad, Bilbao. Cuando era pequeña, no era un lugar amable ni bonito. Ahora está precioso y disfruto pintando sus rincones.

4.- Cuando haces una exposición, ¿qué sensaciones te produce antes de la inauguración? ¿Miedo, preocupación o felicidad? ¿Y por qué?

En parte preocupación, ¿gustará no gustará?, y ese gusanillo de que todo salga bien. El compromiso de que esté toda la obra preparada, bien enmarcada (bien vestida), todo a punto, catálogos, folletos y a partir de ahí a disfrutar.

5.- ¿Has alcanzado los sueños que llevabas al comienzo de tu trayectoria, o te ha defraudado el arte?

Mis sueños están todavía intactos. Mi vida laboral ha transcurrido por otros caminos, una familia a la que he dedicado tiempo, y he pintado, no lo que yo quería dedicarle. Dentro de poco me voy a jubilar y empezarán a realizarse mis sueños.

El arte no me defrauda nunca. Requiere constancia, esfuerzo, tiempo, dedicación. Y hasta ahora no he podido.

6.- ¿En qué te fijas al comenzar una obra, en cómo quedará el aspecto exterior, o en las emociones que puedes transmitir?

Diría que en las emociones que puedo transmitir. Qué sensaciones puede percibir el espectador; en el caso de la acuarela el juego de las transparencias para las marinas, o los colores para transmitir un mensaje, o un lugar con encanto.

7.- ¿Ha podido afectar la pandemia en tu pintura? Y si es así, ¿ha sido para pintar más o menos?

Dentro de una circunstancia tan extraña, a mí me ha beneficiado. Toda mi vida ha sido un sin vivir. No he tenido tiempo para nada. De repente todo se para, nos confinan, y precisamente lo que tengo es tiempo. Para conocer a mi hija, para cocinar, y he pintado relajada y disfrutando.

8.- ¿Volverías a participar en un proyecto como encontrarte y por qué?

Sin dudarlo volvería a participar en un proyecto como encontrarte. Durante toda mi vida me he comprometido en muchas causas, dentro de mis posibilidades y he participado activamente. Donde haya una injusticia y si puedo colaborar, estaré.

9.- ¿Crees que los artistas son privilegiados entre la sociedad, o solo es espejismo?

En el fondo hay de todo. Aquellos artistas que tienen nombre y fama son unos privilegiados. Se les compra por la firma no por lo que hacen. Hay muchísimos artistas que creen en lo que hacen y son capaces de transmitir y generar emociones, que llegan al público y merecen todo mi respeto.

CRÓNICA SOBRE LA OBRA DE AMAIA CADENATO

Amaia Cadenato junto a su obra Dónde estás corazón, para encontrarte

En el siglo XIX el ser autodidacta era un factor de orgullo, ya que implicaba una cierta ruptura hacia los cánones establecidos por las rígidas academias de arte en Europa de entonces. Este aspecto de auto didactismo va a ser también recalcado por algunos artistas formados por sí mismos. Mientras, en el siglo XX esto comenzó a transformarse en un ideal. Pero con doble cara; por un lado, un modo de orgullo para los autodidactas, sin menospreciar a los universitarios. Y por otro lado, no es suficiente ser académico sin amar el arte. “El arte nace y no se hace”. El arte es un don. DaVinci fue uno de los grandes autodidactas, no nos olvidamos de Van Gogh que aprendió el arte mirando lo que hacían sus compañeros, o el gran Munch, o el maestro del simbolismo, el artista Henri Rousseau quien no pintó nada antes de los 40 años. Entre ellos encontramos muestras de toda aplicación, referencias para la reflexión. Para cuando miramos una obra, debemos fijarnos en lo que vemos sin más, ya que el arte lo trabajan en mayor grado los autodidactas.  

De esta forma entiende el arte nuestra compañera Amaia Cadenato. Una artista que se hizo a si misma, llevando los estudios de arte en compañía de otras especialidades, ya que el arte es la vida como el pan, pero no se pude vivir de ello. Un tremendo peso el ser artista en nuestra época. A pesar de esto encontramos a buenos artistas que se esfuerzan cada día haciendo bellas obras como las obras de Amaia. Y sus obras nos permiten analizar las consecuencias reales sobre las creaciones. Nadie duda que un académico tiene el don de ser artista al superar los exámenes finales de su carrera, pero quién duda de los exámenes a los que se somete el artista autodidacta cada día de su vida, ya que cada exposición es un examen para ellos.

Varias obras de Amaia Cadenato

Amaia se ha aficionado al arte desde pequeña y su mayor fuente de influencia en el aprendizaje ha sido el Museo de Bellas Artes de Bilbao, No nos debe sorprender, ya que en el pasado vimos a grandes maestros del arte que han aprendido casi todo mirando los museos, tal como lo hizo Pierre Renoir. ”No tengo la culpa de que mis obras no se vendan” dijo Van Gogh. Yo añado: el artista de hoy no tiene culpa de la crisis, ni de que haya muchos artistas en el mundo. Particularmente pienso yo que debería haber el doble de artistas en el mundo, de esta manera habrá más paz y más belleza. Los artistas conservan las bellezas y no destrozan la historia.

Amaia Cadenato es licenciada en Economía y discípula del Profesor Richard. Se esforzó mucho para estudiar las dos carreras y aprendió todas las técnicas del arte. Nos ofrece bellas obras sencillas en su composición y sin ornamentaciones forzadas, eligiendo la técnica de la acuarela. Trabaja  sin complejos y sin buscar un estilo diferente, simplemente obras de bella ejecución, utilizando una de las técnicas más difíciles que hemos conocido en el arte y la más antigua, que es la acuarela. La acuarela es un término que etimológicamente deriva del latín “agua”. Es una técnica que ha gozado de gran popularidad ya que era la primera técnica usada en el mundo y sigue siendo la técnica noble hasta hoy, desde antes de los egipcios. El agua es el protagonista y el causante de su transparencia y luminosidad, dos características imposibles de conseguir casi con ningún otro medio.

Una selección de la obra de Amaia Cadenato

Dicho esto, debemos mirar las cualidades de la obra del artista con ojos limpios, es decir, sin preocuparnos sobre si esta realizado con uno u otro material, simplemente comprender su obra.

Es interesante mencionar la transformación que experimentan las obras de Amaia ejecutadas con esta técnica. Se trata del paso de la presentación de un aspecto muy vivo, a pesar de que no coinciden las opiniones sobre la acuarela. Sin embargo, la mayoría de los expertos en la técnica y en el análisis dicen que es la técnica mas compleja. Es la mejor manera para la representación de la luz y de la transparencia del agua. Debido a su condición acuosa, la fusión entre los distintos colores termina dando a la obra una belleza que no se consigue con otras técnicas. Su luz.

Abdul Kader Al Khalil

عبد القادر الخليل

Entrevista a Enrique López Suárez «Elosu»

Enrique López Suárez «Elosu» con su obra Siento que estás ahí para encontrarte

Entrevista realizada por Abdul Kader Al Khalil para encontrarte.

1-Amigo Enrique, ¿qué representó para ti el proyecto «encontrarte»?

Este caso de los bebés robados en las clínicas, hospitales y maternidades, ya había salido en los medios de comunicación, y todos estábamos enterados.

Pero ocurre que las noticias en la prensa, radio y televisión duran lo que dura su emisión; es decir, que a los cuatro días, si alguien no se ocupa de remover el tema, todos nos olvidamos.

Pues bien, en el caso de encontrarte, han sido un pequeño grupo de artistas de la pintura los que se han preocupado de recordarnos que siguen estos problemas.

En mi caso, los artistas Nistal Mayorga y Ángel Momoitio, fueron los que me informaron e invitaron a que participara en el proyecto. Me pareció muy interesante el desafío de colaborar y realizar una obra, que, de acuerdo con sus ideas, debía reflejar el vacío provocado por el bebé ausente.

En el lienzo, reflejé la imagen de una madre pensando que no iba a ver crecer a su hijo. El dolor y misterio de cómo fue, como era y como sería el niño que no estaría a su lado, mostrando la silueta de un bebé en un collage de un recorte de prensa con noticias sobre los bebés robados.

2-En tu opinión ¿crees que es necesario que el artista sepa utilizar todas las técnicas para ser artista?

Creo que no. Podemos utilizar el medio que tenemos en ese momento a nuestro alcance; un ejemplo son las pinturas prehistóricas, un niño realiza un dibujo efímero sobre el vaho de un cristal. Con un simple carboncillo se pueden crear obras preciosas. Por supuesto, cuanto más técnicas conozcamos, más oportunidades tendremos.

3-Si no es ninguna molestia para ti, ¿podrías decirnos cuantas obras has creado hasta el momento? ¿Y qué técnica trabajas más?

No lo sé exactamente. Unas mejores y otras peores, pero más de trescientas seguro. Me siento muy cómodo con el óleo y la acuarela, dependiendo del tipo de obra que se me ocurra, aunque las he realizado también con pastel, acrílico, gouasch, etc.

4-A lo largo de tu trayectoria como artista, ¿has comenzado alguna obra y no la has terminado?

Procuro rematar todas las obras que comienzo, aunque una parte de ellas (sobre todo acuarelas) son destruidas.

5-Todos los artistas al comenzar son influenciados por alguien. ¿Quién fue tu fuente de inspiración? ¿Es el mismo ahora que entonces?

Mis primeros óleos que realicé de manera autodidacta, fueron copias de Sorolla. Quedé cautivado por su pintura y creo que, aunque he ido evolucionando dentro de mi estilo, ha influido mucho en mi trayectoria como pintor.

6-El artista Eugène Delacroix en cierta ocasión dijo: «dame lodo y pintare con ello la piel de venus». ¿Crees es tan fácil pintar figuras humanas?

Mi aprendizaje de la figura la hice con unos libros que me dejaron del norteamericano Andrew Loomis. Después practiqué en el Museo de Reproducciones con El Ruso y apuntes al natural en el Estudio Richard.  Dentro de la pintura de figura humana, me resulta más fácil pintar desnudos a los personajes que vestidos. Es menos complicado.

7-Algunos críticos de arte dicen que la acuarela es el hermano chiqui del arte, ¿Qué te merece esta opinión? ¿Y los que dicen esto, crees que conocen el arte?  

Pinto acuarelas y pinto óleos.  No considero a la acuarela como hermano menor, salvo en el tamaño; al fin y al cabo, la principal diferencia está en los aglutinantes y en el soporte. La pintura a la acuarela exige una previa estrategia por parte del pintor para tener todos los pasos de la pintura en su mente. De lo que uno quiere hacer a lo que salga… el agua es caprichosa y hace lo que le da la gana. El resultado de una buena acuarela es una gozada. 

8-Según Picasso, la escultura es el arte de los inteligentes. ¿Crees que los pintores son menos inteligentes?  

No creo que tenga nada que ver. Ambos trabajan con soportes diferentes. Y para crear una escultura considero imprescindible tener una idea de dibujo.

9-Según Oscar Wilde, el arte es el amor, la ternura es la que le da la fuerza. ¿Crees que el arte de hoy se hace todo con ternura?

Por lo menos eso intento. Poner todo el cariño en lo que hago.

CRÓNICA SOBRE LA OBRA DE ENRIQUE LÓPEZ SUÁREZ «ELOSU»

Siento que estás ahí, de Enrique López para encontrarte

«No se trata de pintar la vida, se trata de hacer viva la pintura.»

Paul Cézanne

Así es la obra de nuestro compañero el artista Enrique López: hace obras muy vivas, del entorno cotidiano, sean temas del paisaje urbano, o figuras sociales. Nacido para ser artista, hace suya la humildad a la hora de hablar de su obra. La humildad que deben tener todos los artistas ya que es la senda de todos los éxitos. El artista Enrique crea sus obras con lealtad al tema tratado o como notario de la historia. Mima el dibujo y cuida mucho de elegir las perspectivas. Realza sus paisajes transmitiendo en ellos la felicidad interna y nos hace ser partícipes de esta felicidad. Esa felicidad que necesitamos en los tiempos actuales para resistir a la pandemia.

«No hay medicina que cure lo que no cura la felicidad.»

García Márquez
Varias obras sobre músicos de Enrique López «Elosu»

La razón del artista Enrique López Suárez es una simbiosis de la pasión por la música vista por el arte. La música es uno de sus temas preferidos, como ha sido tratada en obras de grandes creadores como Vasili Kandinsky y Paul Klee, también en las obras del arte mexicano. Enrique López en sus pinturas trata este género con mucha ternura y usa unos colores que representan la intensidad del sonido, agradan la visión y son extraordinarios instrumentos reales.

Observo las obras de Enrique desde hace tiempo, es un artista sensible, creativo, con abundancia y renovador. En su obra trata todo lo que puede gustar al espectador: los paisajes, el mar, las ciudades históricas y las figuras humanas. Es un pintor hecho a sí mismo, lo cual tiene mucho mérito, como tantos artistas en el pasado que fueron autodidactas y de quienes nadie duda que fueron muy buenos artistas, como Giorgione, Turner, William Blake, Van Gogh, Henri Roseau, y Antonio Tapies entre otros; y de este calibre es el artista Enrique López.

«Yo soy un estudioso de la naturaleza, solo me he tenido a mí mismo como maestro, el trabajo más constante de mi vida ha sido consagrarme a la preservación de mi independencia.»

Gustave Courbet
Obra de «Elosu»

En las creaciones de Enrique López, vemos decenas de retratos y paisajes que podrían poner de buen humor a cualquier artista contemporáneo. Las pinturas de Enrique poseen una fascinación extraordinaria y conmueven las emociones y la nostalgia. Nos traslada con su pintura a desear estar dentro de sus lienzos, es un poder que atrae y lo hace con mucha habilidad.

Enrique pinta bajo el impulso del ansia de ser artista. Un pintor figurativo y paisajista, buen dibujante, tanto al óleo como en la acuarela, y en otras técnicas que practica con mucho conocimiento y con esmero.

Varios paisajes de Enrique López Suárez

El artista Enrique López, según mi conocimiento, es un amante de la luz y esa es su pasión que le lleva a tratar de plasmar su incidencia sobre las cosas, como embellece las cosas y como las hace más vivas. Prosigue la belleza de la luz de otra manera que hacía Sorolla, no es una definición académica, pero resulta una manera clara de explicarlo. No le han interesado impresiones abstractas, más bien paisajes que crean ánimo. Y son verdaderas obras de arte. Hay en ellas auténtica recopilación de cuantos rasgos definen el realismo. 

Abdul Kader Al Khalil

عبد القادر الخليل

Si quieres saber más sobre la obra de Enrique López «Elosu» visita su página web www.elosupintura.artelista.com

COMUNICADO ENCONTRARTE

Publicamos hoy esta entrevista, una semana después de lo habitual, coordinando que por ser época  navideña,  la próxima entrevista de Ábdul  será el miércoles 13 de enero.

Sin embargo, y en líneas generales, el resto de secciones y noticias de nuestro blog, seguirán pendientes de cualquier noticia  novedosa para contaros.

De hecho, el próximo miércoles día 23, antesala de la nochebuena, publicaremos en nuestro apartado  “Otros Encuentros” una interesante entrevista a Jon Mao y sus murales. Os invitamos a leerla.

Mientras tanto, solo nos queda lanzar un brindis por vuestra salud y desearos que disfrutéis de esta mágicas fiestas. Eso si, con mucha precaución.

¡¡ CUIDAROS Y OS ESPERAMOS A LA VUELTA !!

Ángel MOMOITIO GARCÍA

( Directiva Encontrarte )