Despertar conciencias con “Encontrarte”

El objetivo esencial que perseguimos con el proyecto “encontrarte” es crear un profundo debate social, utilizando las múltiples vertientes del arte como libre vehículo de expresión, en pro de conseguir despertar conciencias y visibilizar esta causa humanitaria de las Desapariciones Forzadas Infantiles. La propuesta que os presentamos aquí surge del Proyecto de Visibilización presentado a la Dirección de Victimas y DDHH del Gobierno Vasco por AVIDNA (Asociación de Víctimas contra la Impunidad de las Desapariciones Infantiles en todo el Ámbito Nacional) e inscrita en el Registro Nacional de Asociaciones en el año 2015 con el Nº607.998.

La exposición supone el punto de arranque de este ambicioso proyecto, puesto que aglutinará posteriormente otras muchas y variadas manifestaciones artísticas, en pro de alcanzar ese anhelado objetivo.

Bajo el estandarte o título genérico de “encontrarte”, una veintena de artistas plásticos vascos reflejan sus diferentes visiones, en torno a la desgarradora temática de las maternidades robadas; injustas y oscuras ausencias vestidas con el color de nuestros pinceles que, a buen seguro, sembrarán un ensordecedor grito de esperanza…

Se ha elegido un mismo formato para todas las obras (lienzos tipo cajera, 1m x 1m) para suprimir el enmarcado de las mismas, y así ganar espacio en las diversas salas donde se muestren.

Estos lienzos tendrán un claro y fuerte impacto visual en cada sala en la que se expongan. Una medida fraternal y simbólica: “metro a metro, avanzaremos hacia la conquista de cada uno de nuestros sueños, reduciendo la cruel distancia que nos separa de nuestros seres queridos…”

Además de este evidente rasgo solidario, pretendemos también que esta muestra tenga un marcado carácter itinerante, recorriendo durante un ciclo aún por determinar, las diferentes provincias. De hecho, el equipo de artistas organizadores que constituimos la Directiva de este proyecto, ya estamos realizando gestiones en este sentido…

Esta exposición es, sin ningún género de dudas, una justa expresión de solidaridad con una realidad social largamente ocultada y silenciada. Pero no por ello, menos conocida por la conciencia colectiva de nuestra sociedad…

Entrevista a Paola de Miguel

Paola de Miguel junto a su obra “Vínculos perdidos” para encontrarte

Entrevista realizada por Abdul Kader Al Khalil para encontrarte.

Para mí es un placer entrevistar a una artista de la talla de Paola, compañera en encontrarte.

1-Hola Paola, ¿nos podrías explicar que representó para ti el proyecto de encontrarte?

Hola Abdul. Siempre me he sentido identificada con la problemática de la injusticia y la desigualdad, y a menudo me he cuestionado el porqué de tales conductas en la sociedad. Cuando me propusieron formar parte del proyecto encontrarte, participar me permitió expresar a través de mi obra la problemática en la que se encuentran muchas mujeres en muchos ámbitos de sus vidas. Un tema trágico como el que trata encontrarte, la comercialización y sustracción de niños robados, me ha dado la oportunidad de sensibilizar a la sociedad del sufrimiento de tantas mujeres y sus familias y aportar un “granito de arena” como apoyo a esta noble causa, donde toda ayuda es poca. Desearía que este hecho haya servido para refrescar y dar continuidad a la ayuda a estas familias, tan necesaria y que tanto consuelo y apoyo necesitan.

2-Para llegar a tu nivel en el arte, ¿crees que es suficiente el aprendizaje, aunque no se tenga vocación, o no basta el aprendizaje si no que se nace desde pequeño?

El arte ha sido y es una necesidad en mi vida. Nunca he tenido que tomar la decisión de ser artista, por lo que entiendo que es una premisa importante para dedicarte a este mundo. En mi caso, se trata de un tema vocacional. Sin embargo, contar con vocación no es condición suficiente para ser artista. Para ser un buen profesional; alcanzar un adecuado desarrollo en diferentes disciplinas y una alta calidad en el desarrollo de la técnica, es necesaria la formación continuada con constancia y autoexigencia para poder desarrollar un alto potencial.

La vocación, desde mi punto de vista, aporta esa magia interior que permite construir un trabajo diferencial, único, especial y complicado de reproducir, que te descubre un camino propio en el desarrollo personal. Desde temprana edad, mis padres fomentaron en mí la creatividad, me facilitaron poder trabajar en diferentes áreas artísticas, me enseñaron a disfrutar de la naturaleza y apreciar los pequeños detalles que forman parte de nuestro entorno. Todo ello, ha enriquecido mi desarrollo perceptivo y emocional.

Como conclusión, una buena base técnica en la preparación del artista es indispensable. Pero lo que te dará un carácter diferencial es la búsqueda de tu propio camino, que te lleve a conseguir tu pleno desarrollo y tu crecimiento vocacional.

3-¿Cuánto tiempo sueles tardar en pintar un cuadro? ¿Y cómo es el proceso de convertir la realidad en símbolos?

Depende de la técnica que utilice, del tema a tratar y de lo que quiera expresar con la obra. Por lo general, hago un estudio previo y lo plasmo con pinceladas rápidas y decididas.
Considero que la importancia de la obra realmente no está en el tiempo de desarrollo; sino más bien, en el resultado que te propones alcanzar.
La constancia y el trabajo te permite generar un proceso mental en desarrollo. Cuando comienzas a formarte, te preocupas en ser un buen dibujante, delimitar contornos, usar sombras y generar expresiones. Posteriormente, las inquietudes por progresar te generan la búsqueda de un propio camino e intentas pintar lo que no existe. Cambias la forma de interpretar a través de símbolos, produciéndose un fenómeno de sustitución de los elementos representados, situándolos a un nivel más profundo que la propia forma representada.

4-¿Qué es para ti el surrealismo y como ves el desarrollo del surrealismo en Euskadi?

El surrealismo representa un movimiento que apuesta por la expresión espontánea y desinhibida del pensamiento, buscando sobrepasar los límites de la imaginación, de la realidad que se imponían en el arte en ese momento. Intenta hacer que la realidad parezca absurda, en un mundo fantástico y onírico.

Hoy en día, las corrientes en Euskadi han evolucionado y nos muestran unas posibilidades de llegar al público diferentes. El panorama artístico difiere mucho de lo que un día fue. La posibilidad de viajar, de conocer nuevas culturas y la incidencia de nuevas corrientes internacionales, han sido significativas para generar un cambio a un arte más moderno y contemporáneo. En Euskadi esas corrientes se han introducido poco a poco, con un contenido actual y renovador, e intentando promover nuevas propuestas.

5-Cuando pintas, ¿te alejas de la realidad y das rienda suelta al sentimiento, o más bien estudias el trabajo antes de comenzar?

En la mayoría de mis obras, trato de potenciar la creatividad y la imaginación plasmando sentimientos internos.

En el estudio previo de la obra, investigo sobre la diversidad de cuestiones que pueden incidir en su desarrollo. Los bocetos suelen ser ,en algunos casos, un fiel reflejo de la obra final. Aunque muchas veces, incorporo innovaciones espontáneas a las que me conduce la obra en el momento de ejecutarla.

En otras ocasiones, la espontaneidad despierta en mi fantasía e imaginación más libre e impulsiva.

6-¿Qué papel han tenido en tu formación los museos? ¿Y cómo influye Galicia en tu pintura?

La educación familiar en mi infancia ha ido siempre acompañada, entre otras, de visitas a museos, salas de arte y monumentos, hecho muy determinante en mi andadura artística. Asímismo, en mis viajes no dejo de visitar la riqueza artística del país. Una gran aportación para el desarrollo de mi creatividad. Como referente, la Feria de Arco Madrid, una de las citas a la que acudo todos los años y me aporta una visión de las nuevas tendencias.

Con respecto a tu segunda pregunta, Galicia, como sabes, es mi ciudad natal por parte materna, pero desde muy joven he residido en Bizkaia. Este hecho, hace que mi influencia artística provenga del País Vasco, donde me he criado, formado, relacionado con pintores y galerías, y donde ejerzo actualmente mi profesión. Sin embargo, mantengo un contacto estrecho con Galicia y la visito a menudo. Allí, he realizado algunas exposiciones. Siempre me parece enriquecedor observar los movimientos de vanguardia gallegos.

7-¿Alguna vez has comenzado una obra y no la has podido acabar?

Efectivamente, en muchas ocasiones he dejado obras sin terminar por mi autoexigencia con el resultado. Y en otras, son pruebas de pura investigación.

8-¿Interfieren las salas de exposiciones en tu estilo y si te pidieran que cambies les harías caso?

Las salas de exposiciones no interfieren en mi estilo; cada artista es único y su obra representa su personalidad. Las galerías son piezas indispensables para el artista; ya que, nos permiten una estabilidad y visibilidad de nuestra obra en el mercado, a través de espacios físicos y virtuales. La imagen que quiere proyectar el galerista es diferente en cada caso y tienen claro qué tendencia quieren representar. Por consiguiente, si un galerista decide exponer tu obra es porque encaja en su perfil.

9-¿Qué papel otorgas a los críticos de arte?

Los críticos de arte tienen una importante responsabilidad, porque su ejecución exige un alto nivel de conocimiento sobre arte y cultura; una alta responsabilidad, imparcialidad y estar capacitado para realizar una opinión de valor. Por ello, tener en cuenta su opinión aportará opciones de desarrollo.

Parece que su influencia en el mercado se ha ido mermando por la baja difusión en los medios. Aunque pienso, que siguen manteniendo una alta relevancia en el círculo del arte y sectores especializados. Por otro lado, hay que tener en cuenta el desarrollo de las nuevas tecnologías, que apuntan a una nueva revolución.

CRÓNICA SOBRE LA OBRA DE PAOLA DE MIGUEL SÁNCHEZ

“Vínculos perdidos” de Paola de Miguel para encontrarte

Hablar de Paola de Miguel, es hacer referencia a un estilo pictórico que representa la realidad convertida en magia, después de un proceso largo y de una manera diferente. Es hablar del surrealismo que nos lleva a la reflexión y la realidad en un nivel subconsciente, donde las reglas desaparecen y todo puede pasar. 

Desde Brotón hasta Dalí, y desde entonces hasta hoy, muchísimos artistas han sido surrealistas en sus creaciones; unos en forma total y otros de forma parcial. Encontramos la mayor fidelidad al surrealismo en las obras de Max Ernst, Dalí, Man Ray, Miró, Chirico y Magritte, entre otros. El surrealismo propone una teoría de lo irracional como medio para cambiar la vida, la sociedad y el arte. Y tiene como base teórica la interpretación de los sueños.

Pinturas de Paola de Miguel

Nuestra compañera Paola, intenta encontrar la inspiración en su mente, en ella misma; es decir: intenta olvidar todo pensamiento lógico o racional;  ya que, en este estilo de arte la realidad no nos ayuda para poder representar una nueva obra con una distinta expectativa. Es por ello, por lo que no representa temas que hablen de experiencias pasadas, de objetos, de cambios, entre otras cosas. Su objetivo principal es representar la realidad que no ven los demás; es decir: una realidad que está en el inconsciente o los sueños. Es por esto, por lo que el arte surrealista es uno de los estilos más difíciles de comprender.

En este movimiento siempre hablamos de los hombres surrealistas, mientras se olvida hablar de muchas buenas pintoras surrealistas. Las mujeres surrealistas contribuyeron a este movimiento en aspectos tales como el estilo narrativo con conciencia feminista; ya que, desde el ámbito artístico, consiguieron reflejar en sus obras la relación entre la ciencia y el arte, buscando revelar el orden interno del mundo fantástico tomado de sus experiencias personales; buscando lo racional en el mundo de la fantasía, la naturaleza, la alquimia, lo sobrenatural, unido a la mujer como fuente de sensibilidad y poderes regenerativos. Así, encontramos las obras de Remedios Varo, una de sus representantes, como Eileen Forrester Agar (1899-1991) de Argentina. Y la Belga Rachel Baes (1912-1983) que era del grupo de René Magrite. También, la británica Leonora Carrington (1917-2011), compañera de Max Ernst. Además, la artista argentina Leonor Fini (1907 -1996), o la mexicana Frida Kahlo y Paola de Miguel.

Una muestra de la obra de Paola de Miguel Sánchez

Paola mezcla objetos, sentimientos y conceptos que la razón mantiene separados, apareciendo asociaciones libres e inesperadas palabras, metáforas insólitas e imágenes. Para conseguir esa finalidad de liberar al ser humano de las represiones personales y sociales, se vale de una serie de técnicas para buscar la libertad de creación.

En sus creaciones plásticas, parte de que la forma es considerada el motivo central y el concepto es clave. Por lo tanto, se considera que las formas siempre transmiten valores éticos. En consecuencia, desde el surrealismo se quiere hacer ver que detrás de cada uno de los conceptos formales básicos existe una visión del mundo, una concepción del tiempo y una idea definida del sujeto.

Abdul Kader Al Khalil

عبد القادر الخليل

Entrevista a Lucía Higueras

Lucía Higueras junto a su obra “Laberinto” para encontrarte

Entrevista realizada por Abdul Kader Al Khalil para encontrarte.

Hoy me complace entrevistar a nuestra compañera Lucía Higueras Mena, admirable artista.

1- Lo primero, si me permites, te pregunto: ¿qué representó para ti el proyecto “encontrarte”?

Participar en una forma de ayudar a visibilizar el drama que sigue atormentando a personas que fueron víctimas del robo de sus bebés. Han pasado muchos años, pero sigue en pie la esperanza…

2- Me siento dichoso de entrevistar a una artista de gran talento como eres tú. Me gustaría que tú nos presentes a Lucía Higueras Mena y cómo nació el arte en ti.

Muy amable, Abdul. No me considero “artista”, dejémoslo en “pintora”. Creo que todo el mundo dibuja en la infancia y algunos nos aficionamos, practicamos y, por ello, obtenemos resultados que nos animan a continuar.

3- En el arte solemos tener admiración por nuestros maestros. ¿Cuáles son los tuyos y cómo han influido en tu estilo?

Mis maestros han sido las obras que he ido admirando a lo largo de la vida. Soy autodidacta. He ido aprendiendo de libros y con el procedimiento de “ensayo y error” 😀

4- En tus obras se aprecia mucha perfección, hasta el punto que nos hace preguntar por qué hay obras que carecen de toda perfección. ¿No deberían aprender algo de ti?

¡No! Lo que llamas perfección es intento de realismo. Hay tantas formas de expresarse como personas. 

5- Tus pinturas poseen mucha profundidad, parecen esculturas de 3D. ¿Se debe esto de algún modo a que eres delineante también?

Seguro. Mi verdadera pasión es el dibujo técnico: atrapar una idea en un plano o en un archivo 3D para estudiarla, compartirla, realizarla…

6- ¿Qué piensas cuando ves obras hechas de un color plano o de dos colores como si fueran una lámina de papel? ¿No te resulta ilógico estudiar arte?

Con todas las técnicas se hacen cosas estupendas. Y creo que estudiar arte es la mejor manera de conseguir técnica para crear, además de la cultura que conlleva.

7- El hiperrealismo supera la fotografía en algunos casos. ¿Cuánto tiempo te lleva hacer una obra?

Creo que los hiperrealistas no intentan superar a la fotografía, sino apropiarse de la realidad al máximo en sus obras. Yo no llego a tanto. Me conformo con que “parezca”, no que “sea”. El tiempo empleado depende de la complejidad y el tamaño, pero, en general, menos de un mes.

8- Los museos en el pasado se interesaban por la perfección de la obra, mientras en los últimos tiempos se preocupan por lo extraño, aunque sea de chatarra. ¿No crees que esto debilita la belleza del arte?

Bueno, el arte no tiene por qué ser bello… es una forma de expresión humana. Sí que, al valorarse hoy expresiones de todo tipo, es fácil que se encumbren obras que sean “chatarra”, como dices. El ser humano y sus intereses, ya sabemos.

9- Según la historia del arte, en los tiempos pasados el artista era el gran proyector de la cultura. ¿Crees que nos sobra cultura en estos tiempos, ya que pocos medios se preocupan por difundir el arte?

Creo que la palabra cultura es demasiado amplia, así que siempre sobra cultura. Lo que no sobra tanto es cultura general, conocimientos básicos en cada rama del saber. Creo que la relación arte-cultura está sobrevalorada. Y opino que los medios sí que promocionan el arte y en gran medida. Otra cosa es que nos promocionen a todos los que lo desearíamos. Somos demasiados.

CRÓNICA SOBRELA OBRA DE LUCÍA HIGUERAS MENA

“Laberinto” de Lucía Higueras para encontrarte

Desde siempre el arte ha estado presente entre nosotros, son muchas personas las que se dedican a crear arte en cada una de sus modalidades o tipos y, por lo general, las obras de arte reciben muchas críticas. Para nadie es un secreto que estas críticas pueden ser constructivas. En mi modo de ver el arte opino que deben de serlo en la mayoría de los casos. Como artista sé muy bien lo que cuesta realizar una obra de esta calidad que nos presenta Lucía Higueras. Sé muy bien lo que cuesta hacerse hueco el artista y mucho más difícil es poder vivir del arte. Es posible que seamos muchos y demasiados los que nos dedicamos al arte. A pesar de ser muchos, no debemos hacer críticas destructivas. Yo personalmente suelo destacar de cada artista lo mejor, lo más bello en su obra. Puede que me exceda en alabanzas, pero no lo creo cuando miro obras hechas con gran talento como las que hace Lucía. Y muchas veces comparo a los actuales artistas con los grandes del pasado. En verdad prefiero pasarme en halagos a hablar negativamente de mis semejantes. Y me pregunto, ¿acaso han obrado bien los críticos que han juzgado a Van Gogh? Los que no le han permitido exponer ninguna obra en su vida, cuando decían que su obra no valía nada. Y otros que dijeron que Cézanne no sabía pintar figuras; y otros han dicho que Velázquez solo pintaba caras no más; y no son más amables los que tacharon a Goya de traidor por pintar su obra el tres de mayo. No encuentro ninguna razón para no admirar y alabar las obras de Lucía. Mi lucha es hacer que la gente ame el arte en todos sus estilos, hacer que vean la belleza del arte y no los defectos. Todo artista sabe muy bien donde están sus fallos. Aunque he de decir no siempre son fallos no vistos, sino en muchas ocasiones son fallos deseados.    

Diferentes paisajes de Lucía Higueras

Lucía Higueras es una artista vizcaína con formación académica, delineante, dibujo y pintura. En su trayectoria ha tocado todas las técnicas y se inclina por el óleo, por ser la técnica más agradecida. Con el paso del tiempo ha optado por el realismo y lo sirve con gran destreza y minuciosidad en el detalle, en la profundidad y en el dibujo de los retratos. Sus obras conservan un alto grado de fidelidad al realismo.  El realismo se vincula a los artistas franceses del siglo XIX aunque, con claras diferencias entre los distintos autores: una actitud claramente comprendida entre la crudeza de Courbet y otros con posturas más moderadas como en el realismo de Millet. El realismo es un estilo que refleja la realidad histórica y que no copia objetos mitológicos o religiosos, dejando a un lado los temas sobrenaturales o mágicos y centrándose en temas más corrientes. Son fieles al detalle, característica que lo diferencia de la glorificación idealizadora romántica. Su concentración está en los rasgos esenciales y típicos de los caracteres. La meta del realismo no es la belleza, sino la verdad, y, por tanto, el conocimiento de la realidad. El Realismo de Lucía Higueras abre nuevos y diversos caminos de expresión, que terminarán desembocando en otros movimientos, como el Naturalismo, que no es otra cosa que un Realismo llevado a su último extremo. Independientemente del lenguaje que cada pintor emplea, todos los realistas comparten la radicalidad de los temas y estiman que no hay temas banales, cualquier cuestión puede ser objeto de interés pictórico. Dejan a un lado los temas sublimes y se centran en la vida cotidiana. 

Personajes de series por Lucía Higueras Mena

El realismo y el hiperrealismo siempre han representado un gran reto para muchos artistas y creo que el realismo representa una búsqueda interna que permite conocer los límites de uno técnicamente hablando. Permite incrementar los conocimientos técnicos en el dibujo y la pintura y es el placer de hacer bien las cosas. Se oyen algunas voces que dicen: el realismo carece del valor obtenido en el pasado. Sin embargo, hay muchos admiradores y críticos de arte que piden la vuelta del realismo. Yo pienso que nunca ha desaparecido el realismo, pero lo piden para señalar a los que no lo hacen bien ni aman el arte, frente a los que no saben pintar. Y si escuchamos un poco al público en general veremos que la mayoría en cualquier sociedad entienden y prefieren las pinturas realistas.

Varios retratos hechos por Lucía Higueras

En el mundo existen cientos de miles de artistas. Lo que no se puedo decir es que muchos logren profundizar tanto en su conocimiento del dibujo y la pintura logrando el dominio de su técnica, y se dan el lujo de crear maravillas como lo hace nuestra compañera Lucía Higueras. No se trata de negar la existencia de otros estilos pictóricos, sin duda alguna hay muchos estilos artísticos y en todos ellos encontramos tanta belleza como en el realismo. Pero si hablamos del realismo solo caben las buenas obras, las buenas pinturas como las que nos ofrece Lucía. Obras que gozan de luz, del buen colorido y del buen dibujo.

Abdul Kader Al Khalil

عبد القادر الخليل

Entrevista a Ángel Momoitio “ANTIO”

El artista con su obra Oscura premonición

Entrevista realizada por Abdul Kader Al Khalil para encontrarte

En este día, tengo el honor y el placer de entrevistar a nuestro compañero el artista Ángel Momoitio. Lo primero, felices fiestas y feliz año.

1- Si me permites, me gustaría preguntarte, ¿ qué representa para ti tu participación en el proyecto encontrarte?

Gracias Abdul, feliz año también para ti y los tuyos.

Este proyecto, ha supuesto para mí la oportunidad de ofrecer mi arte, mis constantes esfuerzos, conocimientos y gestiones, al servicio de una noble causa que no debemos permitir que se repita…

Cuando me lo propusieron, te confieso que me sentí muy ilusionado, pero también con muchas dudas… Conociéndome, sabía que me implicaría al 200%; que tantas horas de dedicación podrían, incluso, afectar a mi vida privada. Pero, aun así, me dejé llevar por esa voz interior que me lo suplicaba a gritos…

Mi mujer y yo, habíamos sentido el frustrante vacío de no haber podido conquistar nuestro anhelado sueño de ser padres, a pesar de numerosos tratamientos de fertilidad. De hecho, estuvimos a punto en varias ocasiones. Y cuando parecía que, al fin, ya íbamos a conseguirlo, perdimos a nuestra niña a los seis meses de embarazo. Este cuadro, es muy simbólico y especial para mí; aparece en el vientre de la figura protagonista, la ecografía real de ese pequeño “ángel”.

No intento comparar ese dolor con el que sufren tantas madres y padres a los que la maldad y la ambición humana les han robado un hijo. Pero tampoco te voy a negar que, muchas veces, hemos sentido un vacío mínimamente parecido. Como si la caprichosa naturaleza, las negligencias de la ciencia médica de los hombres…o, incluso, la fatalidad de nuestro propio destino, nos hubiera arrebatado ese natural derecho. Con este proyecto, intento secar, aliviar, esas cicatrices que me siguen sangrando dentro. Y lo hago de la mejor manera que sé, contribuyendo a ayudar a los que sufren o han sufrido alguna vez algo parecido.

Dedicar mi arte y mi trabajo a este proyecto es para mí una necesidad vital. Y, al mismo tiempo, una especie de liberación o catarsis, encaminada a potenciar la esperanza entre tantas sombras y preguntas sin respuesta…Me colma de infinitas satisfacciones y me ayuda a seguir adelante cada día. En el fondo, pienso que es un gran reto que el destino me estaba reservando…

2- La vocación, tu vocación. Háblanos sobre tu obra y de tu inspiración creativa

Mi amor por la pintura surge en la infancia (6 o 7 años). Veía pintar a mi padre, el pintor internacional vasco Julián Momoitio, y ese gusanillo fue hechizando todo mi ser. Con él aprendí los fundamentos básicos del color y de la forma. Recuerdo una curiosa anécdota de aquellos primeros años…Con tan solo 6, garabatee la parte trasera de un viejo sofá que tenía en su estudio. Yo, pensaba que al verlo, me echaría una fuerte reprimenda. Se acercó lentamente hacia mí, observó detalladamente aquel dibujo —una especie de paisaje, con un grupo de figuras en un camino—, me dio una leve palmadita en la espalda y me dijo: “hijo, no te asustes. ¡¡tienes madera!!” En ese instante, descubrí que quería ser pintor, que había nacido para el arte…

Luego, mi vida ha dado muchas vueltas (la actividad comercial, el periodismo, la poesía, el ajedrez…) Pero la pintura siempre ha estado ahí, muy presente en cada una de mis etapas. He procurado Impregnar mi sello personal en cada una de mis obras. Y humildemente, creo que con los años, he logrado configurar las bases de un estilo propio, caracterizado por un peculiar cromatismo de colores grises y quebrados. Una gama que mi alma ha llegado a subjetivar y con la que me identifico plenamente.

Me gusta tanto la abstracción como la figuración. A veces, de forma aislada y otras, yuxtapuestas una con la otra. También, a través de los encargos, me he ido especializando bastante en el retrato. Sobre todo, al óleo y al pastel. Otros géneros como el paisaje y el bodegón, los cultivo menos.

Encuentro mis fuentes de inspiración en mis propias formas de sentir y de pensar. En este difícil mundo del arte, casi todos pecamos de alguna u otra influencia; casi todo está creado o inventado ya.  Por eso, a nivel del mensaje, pretendo hacer todo lo posible por alejarme de ellas. Técnicamente, considero imprescindible estudiar a los clásicos: Rembrandt, Velázquez, Goya, el gran  Da Vinci…Son en este sentido, fuentes inagotables de conocimientos.

3- El periodismo camina siempre en busca de la verdad, cómo puedes asociar la verdad del periodismo con la imaginación como fundamento del arte? Los sueños…

Cierto. El periodismo a nivel general y, sobre todo, desde la vertiente de la fría noticia, implica una búsqueda de la verdad desde un prisma objetivo, con paradigmas o pilares en torno a básicas preguntas (¿qué? ¿quién?, ¿cómo?, ¿cuándo? ¿dónde?). Pero no olvidemos esas otras caras del periodismo: las editoriales, los artículos de opinión y  columnas, las crónicas…Donde el margen de la interpretación personal es muchísimo más amplio. Aquí, el poder de la libertad de expresión, la proyección del yo humano, y, por ende, la personalidad del autor, aflora de forma instintiva e inexorable. Es un tipo de periodismo “hermano menor del género literario”.

Es en este terreno donde siempre me he sentido más a gusto y en el que, salvando las distancias, encuentro mayores conexiones con el apasionante cosmos del arte.

Soy un hombre muy comunicativo y expresivo por excelencia. Y si tenemos en cuenta, que tanto el mundo del arte como este tipo de periodismo son también expresión en estado puro, no es extraño que mi personalidad necesite “beber” de ambas fuentes para calmar su sed.

Por otro lado, el mundo onírico y el poder de la imaginación que “alimentan” el arte, son para mí especies de puertas escondidas pero abiertas. Con ellas juego para poder escapar de la triste realidad. Privilegiados y salvadores viajes de ida y vuelta,  que me ayudan a descubrirme, día a día…

4- ¿Cuál es el trabajo tuyo que más te ha impactado hasta ahora?

Sería difícil contestarte. Por elegir uno, quizás un cuadro de gran formato (60fig/ 130 x 97 Cms) que pinté hace ya más de una década, en el 2004, Euskadi: un amanecer de esperanza. A base de pigmentos, resinas acrílicas, tintas especiales, materia degradada, texturas y materiales de relieve similares a la técnica escultórica…

Una pieza de mi colección particular. Forma parte de una época en la que tuve la necesidad de experimentar; pintar una serie de obras con nuevas técnicas y soportes que encontraba habitualmente abandonados en la calle: pallets, chapas de hierro oxidadas, tableros húmedos de madera…y otros, como maderas tratadas previamente con barniz o quemadas, telas rotas y rasgadas de lienzos, etc…Intentaba reflejar la degradación progresiva de mi entorno más inmediato. Incluso, con temas  mucho más universales: la pobreza humana, la exclusión social, el hambre, el oscuro y deprimente mundo de las drogas, las guerras y la violencia del terrorismo…Todas ellas, bañadas en atmósferas cromáticas de un deliberado y marcado tenebrismo.

Esta obra,  fue seleccionada en varios concursos. Me siento plenamente satisfecho de ella. Por su fuerza, su desgarrador cromatismo y ese drama social, representado desde un profético y esperanzador enfoque: la violencia terrorista del Pais Vasco. Hoy, ese sueño es ya una realidad conquistada por la PAZ.

5- Si pudieras parecerte a otro artista por un solo día, ¿a quién te gustaría parecerte?

Sinceramente, aspiro en todo momento poder alejarme de las influencias y ser yo mismo. Pero ya que me lo pones tan fácil diciéndome que solo por un día…jajaja, te diré sin dudarlo que al genial Picasso.

Me fascina su infinito torrente creativo y esa enérgica pasión por el arte. Su hambrienta y obsesiva curiosidad hacia todo lo que le rodeaba. Su autenticidad y singular sello en todos los trabajos que hacía (pintura, escultura, grabado…). Por encima de modas, influencias externas y la condicionante, peligrosa y manipuladora opinión de la sociedad, ¡era él y solo él!

Tenía tanto talento y  una imaginación tan fértil y poderosa,  que se permitía el lujo de pintar sin pinceles y con lo primero que pillaba a mano. ¡Todo él era arte!

Es muy posible, que como persona y en sus relaciones amorosas y de convivencia dejaría mucho que desear. Pero como artista, me parece una personalidad única e irrepetible.

En el fondo, fue siempre un niño grande, que jugaba a crear y a “devorar como un caníbal” las emociones humanas, para después  plasmarlas y “bautizarlas” en otras dimensiones en cada una de sus obras. Para mí, Picasso marcó un antes y un después en el mundo de la pintura.

6- Por costumbre, siempre hablamos de los artistas distantes en el tiempo y restantes del lugar. Sin embargo, hay muchos artistas de Euskadi que pondrían contento a cualquier persona amante del arte. ¿No te parece?

Por supuesto que sí. Los que vivimos el arte de forma especial y somos de aquí, sabemos bien que Euskadi, a lo largo de su historia, ha sido cuna y tierra de grandes sagas de pintores. Ahí están los Arteta, Arrúe, Zubiaurre, mi admirado Zuloaga, Regoyos, Iturrino, Guinea…Más recientes, Badiola, Urzay, Cristina Iglesias, Lazkano…

Particularmente, siempre me ha llamado la atención ese mundo oscuro y sucio emanado de la paleta de Zuloaga.  Hace un año, tuve la oportunidad de ver su retrospectiva en el Bellas Artes, y disfruté muchísimo. Sus retratos a personajes de la época demuestran que, además de un exquisito pintor, fue un mago de la psicología humana…

7- ¿Con qué estilo te quedarías mejor definido, por lo menos hasta ahora?

Muchos me han dicho que, analizando aisladamente determinados fragmentos de mis obras, podían encontrar un poquito de todo. Que son como jardines impregnados del perfume de múltiples flores: impresionismo, expresionismo abstracto, surrealismo, realismo…Posiblemente, tengan bastante razón al afirmar esto. Sin embargo, exceptuando algunos coqueteos con el impresionismo en mis comienzos, personalmente me identifico mucho más con el expresionismo abstracto.

Mi visión del arte y mi alma, necesitan de este concepto universal a la hora de crear. Las brújulas sagradas que me orientan durante la aventurera travesía del arduo proceso creativo, suelen ser, casi siempre, los sentimientos y las desnudas emociones. Utilizo la realidad como un simple referente o pretexto inicial para poder canalizar este arco iris de sensaciones, y de manera instintiva, impulsiva y espontánea.

El mensaje global que puedo llegar a transmitir al espectador es el motor que siempre más me ha motivado e interesado. Hacerles primero sentir y luego pensar. Por encima de distracciones formales o cánones meramente estéticos. Para mí, un cuadro o cualquier tipo de obra de arte, tiene que ser ante todo mensaje. Un lenguaje o forma de expresión que tenga como esencial objetivo: calar en lo más profundo del corazón del espectador y les haga interrogarse o cuestionarse inmediatamente algo.

8- ¿Qué opinas del espectáculo visual en el arte modernista?, ¿crees que todo lo que vemos lo podemos llamar arte?

El mayor espectáculo visual, sublevando muchas veces los límites del fraude y protegido por el marketing, donde sin duda más abunda es en el arte contemporáneo. Parece que lo único que se pretende aquí es llamar la atención, provocar a toda costa un fuerte impacto psicológico en  el espectador. Buscar egoístamente la promoción del propio artista, sin pretender aportar nada relevante o nuevo al conjunto de la sociedad.

Por supuesto que hay que respetar la libertad de expresión a la hora de crear. Pero siempre, dentro de unos límites que nunca se deberían traspasar. Este tipo de descaradas actitudes, nos perjudican a todos los que de verdad sentimos el arte.

En este sentido, los galeristas, organizadores de Ferias y demás escenarios nacionales e  internacionales, y sobre todo, los críticos reputados y avalados por sus conocimientos y años de experiencia, deberían tener el peso de esa responsabilidad depurativa, haciendo de filtro mediante “justas operaciones quirúrgicas”, con sus estrictas selecciones y publicaciones.

Sería una forma de proteger al mercado general del arte; no denigrarlo .De que, a la postre, vayan quedando solo en primer plano los que realmente sientan aquello que hacen y su mensaje sea verdaderamente útil para los demás.

La  palabra arte, es demasiado sagrada como para hacer con ella un “circo” y desprestigiarla como muchos lo hacen…No podemos llamar a todo arte. En todo caso, utilizar más habitualmente y en su justa medida, expresiones como espectáculo, performance o experimentos  visuales. El arte es otra cosa…

Y los artistas debemos sentirnos seres especiales y privilegiados, por el carácter eterno de nuestras obras. Con una clara misión: el reciclaje ideológico y espiritual, como paso previo a futuras y profundas transformaciones de la sociedad.

9- Como periodista, te hago esta pregunta si me lo permites, ¿por qué todos los colectivos tienen ayudas de la administración durante la pandemia, excepto los artistas plásticos?, ¿ acaso viven de su arte, o es que deben dejar de pintar?

Ampliaría esa observación al conjunto de artistas de otras disciplinas y al sector de los autónomos específicamente.

Los políticos y la sociedad en general no valoran suficientemente el arte. Todavía no son conscientes de que constituye un alimento primordial para la renovación del espíritu humano. Capaz de generar a gran escala gérmenes ideológicos masivos que pueden llegar a producir marcadas transformaciones sociales.

Lo consideran un artículo de lujo o un submundo donde se camuflan los vagos, los marginados y los lunáticos. Como consecuencia y, salvo contadas excepciones amparadas o dependientes de poderes institucionales y gubernamentales, o contados genios que han sabido relacionarse y explotar bien sus numerosos contactos, es prácticamente imposible poder vivir dignamente de esto.

La mayoría, lo que hacemos es sobrevivir como buenamente podemos. Otros trabajos alternativos, encargos muy esporádicos, clases de arte…Cualquier cosa, con tal de poder seguir invirtiendo tiempo en nuestra pasión. Date cuenta que, cuando hay que recortar algún tipo de subvenciones o presupuestos, los destinados a Cultura siempre se llevan la peor parte del pastel.

Esperemos que algún día no muy lejano, todo esto empiece a cambiar de verdad y se otorgue al mundo del arte y a los artistas la importancia que realmente merecen.

A veces, tengo la extraña sensación de que esta cruel pandemia que nos está tocando sufrir es una dura y macabra prueba del destino. Me niego a pensar que todas estas montañas de injustas muertes no van a servir para nada…

Las actuales circunstancias nos están obligando a frenar el ritmo habitual de nuestras vidas; a dejar de vivir deprisa y como autómatas. Nos han robado los abrazos, las caricias, los besos…Tenemos que empezar a valorar, más que nunca, todos esos tesoros que antes teníamos y probablemente no valorábamos lo suficiente. Quizás, en tiempos de obligada introspección como este, nos demos al fin cuenta de la faceta salvadora del arte.

Sepamos valorar la distracción que nos ofrece una buena película para no pensar en problemas; la revitalizante belleza y estímulos de pensamiento, que puede brindarnos un genial cuadro; o el efecto terapéutico que puede provocar en nuestras narcotizadas neuronas una dulce canción o armoniosa pieza musical…

Quizás, llegue también pronto una nueva era para el arte…¡¡Quizás!!…

Fuerte ABRAZO, Abdul. Un placer haber sido entrevistado por tu pluma.

CRÓNICA SOBRE LA OBRA DEL ARTISTA

Fantasía Guggenheim (Acrílico y tintas) a la izquierda y Euskadi: un amanecer de esperanza (Acrílico/ Óleo) a la derecha

La belleza es un valor real y mundial, que debemos buscar y producir como objetivo estético. Con la intención de poder disfrutar de las sensaciones percibidas; apelando al vuelo de la imaginación y a la fantasía para suscitar interés y provocar una experiencia que nos haga sentir, vivir, esa realidad estética-creadora. La belleza visual, es para apreciarla, gozarla y conservarla con criterio, comprendiendo que todas las cosas bellas son arte.

Si no, ¿cómo  podemos apreciar la hermosura y el significado plástico de una obra sin que responda a la belleza? Las imágenes nos hablan por si mismas, alcanzan otros espacios más amplios y hermosos. Porque nos expresan mediante el soporte, la percepción directa que otorga la comunicación visual y el enfoque del arte, para conseguir una representación espacial del orden visual de la figura.

Al tesoro de tu infancia (Pastel) a la izquierda, Retrato de mi madre (Pastel) en el centro y Duelo de titanes (Acrílico/Óleo) a la derecha

Ángel Momoitio, artista y periodista, primogénito del pintor vasco Julián Momoitio, nos ofrece en su obra Oscura premonición otra manera de ver el valor del cromatismo en el arte. En atmósferas oscuras y cálidas a la vez. Siendo un pintor profesional, entiende el significado de las teorías y conceptos de la armonía cromática y las técnicas pictóricas y del color en general.

El concepto cromático de Ángel Momoitio constituye un verdadero principio de la armonía del color. Se basa en la obtención de una proporción y su particular correspondencia. La gran influencia de los conocimientos aportados por su experiencia del color, determina que la armonía de sus colores se encuentre hoy más cerca de lo cromato lógico que de lo icono lingüístico, concepto dado por la teoría tradicional del color.

Pentagrama a tu eternidad (Óleo. Hom. póstumo al poeta M. A. Marrodán) a la izquierda y Lágrimas perennes (Óleo) a la derecha

Ángel Momoitio, expresa en sus pinturas la casuística existencial de sus más íntimas inquietudes con la poesía del color. Nos proyecta, en todo momento, un paradigma consustancial con su propia personalidad, reflejada en momentos de evidente inspiración. Utilizando una gama de colores fríos para conseguir colores grises quebrados. Mientras, reina en la obra el color de la gama melódica dominante; haciendo un color Madre y luego, utilizando sus variedades para crear diferentes distancias entre los diversos planos. No utiliza colores directos, sino que son obtenidos de las mezclas derivadas de unos con otros.

Se aprecia un laborioso y previo estudio del color, y lo plasma como eje de la luz que orienta el motivo, para utilizarlo posteriormente en todas las mezclas. A esto llamamos , color madre o color ambiente. Siendo notable en sus obras la utilización de pocos colores, que juntos se ven bien.

Sinfonía cromática (Acrílico. Hom. al pueblo de Ortuella) a la izquierda y Renacimiento (Acrílico/ Óleo) a la derecha

El don artístico está muy arraigado a la opinión de que la actividad artística estaría reservada a una categoría muy limitada de seres dotados desde la más tierna edad, como es el caso de Ángel Momoitio. Pero no se convierte en gran pintor de la noche a la mañana, sino después de una trayectoria basada en el trabajo, en el estudio de las cosas y de una larga y profunda reflexión.

El don pictórico, tal como nos lo imaginamos, se manifiesta principalmente en una prodigiosa habilidad manual. Las obras que nos presenta este artista , son excelentes ejemplos de una gran  habilidad manual. Una notoria habilidad en crear obras en tantos estilos pictóricos: realismo, expresionismo, impresionismo, y abstracto, entre otros ligados a su personal estilo.  

Y tal como las plantas viven de la luz, las obras viven de la mirada. Algunas, irradiando una espiritualidad concentrada en ellas mismas. Para captar la belleza de esta mágica espiritualidad, hay que aprender a verlas con miradas limpias…

Abdul Kader Al Khalil.

عبد القادر الخليل.     الفنان والباحث التشكيلي السوري

17 de enero: primer Aniversario de un mes mágico

Mirar voluntariamente hacia atrás, casi siempre implica nostalgia. Y en este caso, un sentimiento necesario para poder hacer balance, renovar nuestras fuerzas, nuestras metas, y seguir caminando hacia adelante…

La fecha del pasado domingo día 17 de enero, no solo nos recuerda que nuestro proyecto ya ha cumplido su primer aniversario, sino también, que el tiempo vuela demasiado deprisa y que, como niños/as hambrientos/as de nuevos sueños, ya no “gateamos”; al fin, hemos aprendido a andar, a pesar de los numerosos obstáculos o dificultades que una problemática como esta siempre plantea y que hemos tenido que ir, poco a poco, sorteando…

Parece que fue ayer, cuando en una abarrotada Sala de exposiciones Abando (Elkano 20), hicimos “cosquillas” en los corazones entregados de tanta gente…  Entonces, éramos todos un año más jóvenes y presos de evidentes manojos de nervios; deseosos de culminar montañas de trabajo previo con aquella primera exposición colectiva y la presentación global de un solidario y ambicioso proyecto.

 Música de cámara, poesía, pintura y emotivos homenajes póstumos a seres extraordinarios a los que nunca olvidaremos…Una coctelera repleta de emociones y destinada a una noble causa social: la lucha contra la injusta trama de las maternidades robadas.

Ese día, nos vimos sorprendidos por una variopinta marea de gente que abarrotó el Salón de Actos : personas con el alma abierta y la mente receptiva a descifrar , a encontrarse, con nuestro humanitario mensaje.

Nuestra Comisaria de Eventos, la pintora Nistal Mayorga, en la apertura del Acto de Presentación del Proyecto

Gracias a todos por vuestra presencia . A las autoridades municipales que nos concedieron unas horitas de su valioso tiempo. A los particulares de todas las edades. A los artistas de múltiples disciplinas. ¡¡ GRACIAS !!, porque sin vuestro apoyo de entonces, hoy, posiblemente, no seriamos los que somos ahora.

Aquel viernes 17 de enero, sin miedos y guiados por la bandera de la esperanza, desnudamos en público nuestras almas y descubrimos facetas ocultas de nosotros mismos; a nuestros límites y elevadas expectativas, en medio de esa semioscura e introspectiva atmósfera y al cálido abrigo de vuestros aplausos. Nos infundisteis las montañas de coraje y fuerzas necesarias para poder empezar con garantías este duro camino…

No tengo la menor duda, de que en esa presentación se cometieron un millón de errores organizativos. La mayoría, fruto de cuestiones meramente técnicas, que provocaron dificultades de audición en la recitación de los poemas.

Pero está claro, que ese especial día algo nuevo pululaba en el aire… y supuso el adelanto de todo un mes de enero mágico e inolvidable (https://encontrarte.art.blog/2020/01/) .

Las palabras valientes y alentadoras de los miembros de nuestra directiva, el “llanto” de esos instrumentos de cámara, los versos magistralmente recitados por sensibles poetisas y poetas amigos/as de la Asociación Artística Vizcaína, los colores y formas de nuestros cuadros, se fundieron al unísono en un mismo grito y calaron en lo más profundo de todos los que tuvimos el privilegio de estar ese día allí.

La Directiva de encontrarte y Secretaria Técnica de AVIDNA, posando con varias autoridades municipales

Y es que, más allá de cualquier posible error protocolario u organizativo, conseguimos ampliamente el objetivo perseguido:  reunir a la mayor cantidad de gente posible. Y ese, es el mejor arranque, el eco ideal y más honesto caldo de cultivo, para intentar lograr cualquier tipo de transformación social. Por difícil o utópica que esta parezca…

Fue tanto el clamor popular, tanto el éxito de convocatoria alcanzado, que la llamada masiva de la prensa y resto de medios de comunicación no se hizo de rogar. Ese mágico mes , tuvimos una intensa cobertura mediática (Tele Norte, RNE, Radio Popular, Tele 7, Radio Euskadi…). Hoy en día, contamos con su incondicional apoyo allá donde vamos.

  Después, llegarían algunos actos reivindicativos – manifestación del 7 de marzo junto a Itxaropena y algunos movimientos feministas-, y nuevas exposiciones: Errekalde, Begoña, Medina de Pomar, Santurtzi…También, la inevitable interrupción de varios proyectos por la pandemia, como la muestra en Castaños, el Recital Poético musical de Sarriko y el Poemario, que teníamos programados para finales de marzo. Eventos, que retomaremos inmediatamente e intentaremos mostrar en público, según vayan evolucionando los acontecimientos.

Sí, amigos, hoy, no podemos -ni debemos- hacer otra cosa que mirar con nostalgia y orgullo al cercano pasado. Con un balance claramente positivo, para este ilusionado proyecto puesto en marcha ese día, y que ha ido consolidándose, creciendo, a través del universal sendero del arte.

Numeroso público y de todas las edades, asistieron a ver nuestra expo en la bilbaina Sala Abando (Elkano 20)

Ya no somos un minoritario grupo de “lunáticos extraños”; hay muchísima gente que ya nos conoce y nos sigue. Que nos han visto o han oído alguna vez hablar de nosotros. De unos cuadros que, de momento, estan siendo vistos digitalmente en múltiples hogares y que, con permiso de esta pandemia, volverán a viajar pronto presencialmente a nuevos lugares -puertas abiertas en Cataluña y otras zonas de la geografía española nos esperan-; que iluminarán las conciencias de nuevas gentes, las almas y sensibilidades de nuevos artistas, que se irán montando gradualmente a nuestro carro…

Y ¡cómo no!, seguimos trabajando arduamente en mejorar el escaparate de nuestro blog. A partir de ahora, con nuevos temas y contenidos, procurando una, cada vez más clara e intuitiva estructuración, que facilite las visitas y búsquedas de los curiosos espectadores.

Todo, en solidario homenaje a las numerosas y anónimas víctimas de las maternidades robadas. Al servicio de esa fiel masa de seguidores que hemos ido captando durante este primer tramo del camino. De simpatizantes, conocidos y amigos que, al igual que nosotros, siguen apostando fuertemente por la conquista de nuestros mismos sueños. Que siguen creyendo en la bondad natural del ser humano y ven, aún posible, conseguir una sociedad mucho más justa…

¿Por qué no seguir intentándolo a través del reivindicativo prisma del arte?…

Ángel MOMOITIO GARCÍA

(Directiva encontrarte)

Entrevista a Amaia Cadenato

Amaia Cadenato

Entrevista realizada por Abdul Kader Al Khalil, artista e investigador, para encontrarte.

1.- ¿Qué ha representado para ti el proyecto de encontrarte?

El proyecto de encontrarte ha supuesto para mí todo un reto. Es una oportunidad de poder participar junto con un montón de artistas, para poder dar visibilidad a una problemática concreta. El tema de bebés robados. Una trama durísima, que concentra un dolor enorme en madres y padres, hermanos y familiares.

Es un asunto complicado de difícil solución. No existe ninguna voluntad de querer aclarar, resolver o apoyar a las familias. Es una lucha solitaria, ingrata– muy pocos casos se han resuelto-; los impedimentos y las trabas de las instituciones no ayudan.

Por eso es un honor poder gritar “¿Dónde está mi bebé?”.                                                                      

2.- ¿Cómo defines tu estilo artístico?

Desde pequeña me ha encantado pintar. Cuando estudiaba en la universidad (estudiando otra cosa) empecé con distintos artistas en sus talleres a aprender, pasando por el Museo de Reproducciones Artísticas de Bilbao con Manuel Balsa “El Ruso” y terminando con Richard. Dibujo, pintura: óleo, acrílico y acuarela. Me he inclinado por la acuarela, el agua, la fusión de los colores, la luz. Richard me hizo enamorarme de la acuarela.  Pinto tanto realista como impresionista y cada vez más impresionista.

3.- Todo artista intenta transmitir un mensaje en sus obras, ¿qué deseas transmitir tú en tu pintura?

Me gusta mucho la fotografía, e intento captar “momentos” mágicos. Son sensaciones mías: un rincón de mi ciudad, un juego de luces, una mar en calma o agitada, un paisaje, que luego tiendo a plasmar en un cuadro. Normalmente son lugares reconocibles, que en ese momento tienen valor para mí. Me importa mucho mi ciudad, Bilbao. Cuando era pequeña, no era un lugar amable ni bonito. Ahora está precioso y disfruto pintando sus rincones.

4.- Cuando haces una exposición, ¿qué sensaciones te produce antes de la inauguración? ¿Miedo, preocupación o felicidad? ¿Y por qué?

En parte preocupación, ¿gustará no gustará?, y ese gusanillo de que todo salga bien. El compromiso de que esté toda la obra preparada, bien enmarcada (bien vestida), todo a punto, catálogos, folletos y a partir de ahí a disfrutar.

5.- ¿Has alcanzado los sueños que llevabas al comienzo de tu trayectoria, o te ha defraudado el arte?

Mis sueños están todavía intactos. Mi vida laboral ha transcurrido por otros caminos, una familia a la que he dedicado tiempo, y he pintado, no lo que yo quería dedicarle. Dentro de poco me voy a jubilar y empezarán a realizarse mis sueños.

El arte no me defrauda nunca. Requiere constancia, esfuerzo, tiempo, dedicación. Y hasta ahora no he podido.

6.- ¿En qué te fijas al comenzar una obra, en cómo quedará el aspecto exterior, o en las emociones que puedes transmitir?

Diría que en las emociones que puedo transmitir. Qué sensaciones puede percibir el espectador; en el caso de la acuarela el juego de las transparencias para las marinas, o los colores para transmitir un mensaje, o un lugar con encanto.

7.- ¿Ha podido afectar la pandemia en tu pintura? Y si es así, ¿ha sido para pintar más o menos?

Dentro de una circunstancia tan extraña, a mí me ha beneficiado. Toda mi vida ha sido un sin vivir. No he tenido tiempo para nada. De repente todo se para, nos confinan, y precisamente lo que tengo es tiempo. Para conocer a mi hija, para cocinar, y he pintado relajada y disfrutando.

8.- ¿Volverías a participar en un proyecto como encontrarte y por qué?

Sin dudarlo volvería a participar en un proyecto como encontrarte. Durante toda mi vida me he comprometido en muchas causas, dentro de mis posibilidades y he participado activamente. Donde haya una injusticia y si puedo colaborar, estaré.

9.- ¿Crees que los artistas son privilegiados entre la sociedad, o solo es espejismo?

En el fondo hay de todo. Aquellos artistas que tienen nombre y fama son unos privilegiados. Se les compra por la firma no por lo que hacen. Hay muchísimos artistas que creen en lo que hacen y son capaces de transmitir y generar emociones, que llegan al público y merecen todo mi respeto.

CRÓNICA SOBRE LA OBRA DE AMAIA CADENATO

Amaia Cadenato junto a su obra Dónde estás corazón, para encontrarte

En el siglo XIX el ser autodidacta era un factor de orgullo, ya que implicaba una cierta ruptura hacia los cánones establecidos por las rígidas academias de arte en Europa de entonces. Este aspecto de auto didactismo va a ser también recalcado por algunos artistas formados por sí mismos. Mientras, en el siglo XX esto comenzó a transformarse en un ideal. Pero con doble cara; por un lado, un modo de orgullo para los autodidactas, sin menospreciar a los universitarios. Y por otro lado, no es suficiente ser académico sin amar el arte. “El arte nace y no se hace”. El arte es un don. DaVinci fue uno de los grandes autodidactas, no nos olvidamos de Van Gogh que aprendió el arte mirando lo que hacían sus compañeros, o el gran Munch, o el maestro del simbolismo, el artista Henri Rousseau quien no pintó nada antes de los 40 años. Entre ellos encontramos muestras de toda aplicación, referencias para la reflexión. Para cuando miramos una obra, debemos fijarnos en lo que vemos sin más, ya que el arte lo trabajan en mayor grado los autodidactas.  

De esta forma entiende el arte nuestra compañera Amaia Cadenato. Una artista que se hizo a si misma, llevando los estudios de arte en compañía de otras especialidades, ya que el arte es la vida como el pan, pero no se pude vivir de ello. Un tremendo peso el ser artista en nuestra época. A pesar de esto encontramos a buenos artistas que se esfuerzan cada día haciendo bellas obras como las obras de Amaia. Y sus obras nos permiten analizar las consecuencias reales sobre las creaciones. Nadie duda que un académico tiene el don de ser artista al superar los exámenes finales de su carrera, pero quién duda de los exámenes a los que se somete el artista autodidacta cada día de su vida, ya que cada exposición es un examen para ellos.

Varias obras de Amaia Cadenato

Amaia se ha aficionado al arte desde pequeña y su mayor fuente de influencia en el aprendizaje ha sido el Museo de Bellas Artes de Bilbao, No nos debe sorprender, ya que en el pasado vimos a grandes maestros del arte que han aprendido casi todo mirando los museos, tal como lo hizo Pierre Renoir. ”No tengo la culpa de que mis obras no se vendan” dijo Van Gogh. Yo añado: el artista de hoy no tiene culpa de la crisis, ni de que haya muchos artistas en el mundo. Particularmente pienso yo que debería haber el doble de artistas en el mundo, de esta manera habrá más paz y más belleza. Los artistas conservan las bellezas y no destrozan la historia.

Amaia Cadenato es licenciada en Economía y discípula del Profesor Richard. Se esforzó mucho para estudiar las dos carreras y aprendió todas las técnicas del arte. Nos ofrece bellas obras sencillas en su composición y sin ornamentaciones forzadas, eligiendo la técnica de la acuarela. Trabaja  sin complejos y sin buscar un estilo diferente, simplemente obras de bella ejecución, utilizando una de las técnicas más difíciles que hemos conocido en el arte y la más antigua, que es la acuarela. La acuarela es un término que etimológicamente deriva del latín “agua”. Es una técnica que ha gozado de gran popularidad ya que era la primera técnica usada en el mundo y sigue siendo la técnica noble hasta hoy, desde antes de los egipcios. El agua es el protagonista y el causante de su transparencia y luminosidad, dos características imposibles de conseguir casi con ningún otro medio.

Una selección de la obra de Amaia Cadenato

Dicho esto, debemos mirar las cualidades de la obra del artista con ojos limpios, es decir, sin preocuparnos sobre si esta realizado con uno u otro material, simplemente comprender su obra.

Es interesante mencionar la transformación que experimentan las obras de Amaia ejecutadas con esta técnica. Se trata del paso de la presentación de un aspecto muy vivo, a pesar de que no coinciden las opiniones sobre la acuarela. Sin embargo, la mayoría de los expertos en la técnica y en el análisis dicen que es la técnica mas compleja. Es la mejor manera para la representación de la luz y de la transparencia del agua. Debido a su condición acuosa, la fusión entre los distintos colores termina dando a la obra una belleza que no se consigue con otras técnicas. Su luz.

Abdul Kader Al Khalil

عبد القادر الخليل

Por el camino del ARTE…

encontrarte, un colectivo de artistas, un proyecto plagado de sueños, de colores y formas…en pro de VISIBILIZAR esta injusta trama social de las maternidades robadas. Todo, con el fin de sembrar la luz de la ESPERANZA en tantas y tantas víctimas

Queda muy poquito para concluir este cruel año “bautizado” de pandemia; de prematuras y dolorosas ausencias, e incertidumbre…

De momento, hasta aquí la actividad de nuestro blog; “bajaremos la persiana” y tomaremos un pequeño descanso, un breve paréntesis hasta el próximo 13 de enero.

Pero antes, esta artística felicitación navideña , que pretende rendir también tributo a un GRANDE, a un inolvidable compañero, que guio nuestros primeros pasos…

Todos somos uno”. Antio 2020 ( Felicitación navideña en Homenaje Póstumo a Roberto Zalbidea)

Hasta pronto, amigos. ¡¡Un cálido brindis a la salud de todos!!

¡¡SIGAMOS CAMINANDO!!

Ángel MOMOITIO GARCÍA

( Directiva Encontrarte )

Jon MAO: Murales con ALMA de mar, cerámica y música punk.

El joven y prometedor pintor Santurtziarra, Jon Mao (1978), revitaliza con fulgurante éxito la imagen de sus famosos murales del puerto, gracias a la edición de tarjetas postales y puzzles, distribuidas recientemente por comercios de la zona

“Tuve que aprender a bailar con el agua“

Sin querer encasillarse como muralista ni pintor de estudio, necesita de ambas caras para proyectar su personalidad y dar rienda suelta a su inquieta creatividad. Sus encargos y trabajos externos a pie de calle le ayudan a liberar su mente y a simplificar las formas y trazos con vertiginosa destreza e inmediatez.

Se siente afortunado por este tipo de proyectos y considera que debería haber todavía más apoyos para poder acercar el arte a la rutina cotidiana de la gente.

Agradece las exigencias por parte de la mayoría de sus profesores (Alberto Quintana, Ramón Pérez, Manuel Balsa…). Estas actitudes, generadas por la fe ciega en su talento, le han servido para consolidar el camino de un serio y académico aprendizaje; subjetivar la pasión por el arte y superarse día a día.

Se considera un artista eminentemente figurativo. Su arte “bebe” de las fuentes del clasicismo y de la Grecia antigua, pretendiendo en todo momento ser él mismo.

Sus murales del emblemático puerto de Santurtzi (“Bogadores”, “Rederas”) realizados hace ya dos años, con la novedosa técnica de trencadis (cerámica troceada) y combatiendo grandes dificultades -lluvia, frío, cambios constantes de los horarios de las mareas…- suponen la culminación de sendos antecedentes muralistas anteriores (margen derecha) y de experiencias personales (reformas integrales de su casa) vinculadas con la albañilería.

Poco antes de “Rederas” llegaría el de Santa Eulalia, indicando la subida a Serantes y Báñales. Después, el de homenaje a Eskorbuto sobre el muro de Vallejo (Mamariga), muy cerca de donde pasó su infancia. Este último, ha proyectado su fama a nivel internacional, al ser visita obligada en la ruta de los fans de esta mítica banda musical zanturtziarra.

Charlamos y felicitamos presencialmente a nuestro apreciado artista colaborador de encontrarte, justo al día siguiente de su cumpleaños. De sus tarjetas y puzzles, de agradables recuerdos y proyectos pasados; de su vinculación familiar con la música; de esas ilusiones que, en torno a sus premonitorias “Siluetas desoladas”, revolotean ahora como mariposas en su cabeza.

 No faltaron tampoco sus consejos para esta inminente época navideña.

¡Pasen y vean!…

De izqu. a Dcha, postales, puzzles y acuarelas de Jon sobre sus murales del puerto

—Hola Jon.  ¡¡En primer lugar, Zorionakkk!! Ya te queda menos para alcanzar el siglo…jejejjj Recientemente, tus famosos murales del puerto de Santurtzi vuelven a estar de actualidad con la edición de tarjetas postales y puzzles sobre ellos y el apoyo de gran número de comercios de la zona. Coméntanos, ¿cómo surge esta original iniciativa y cuál ha sido su proceso?

Graciasss!, Ángel. Pues…, la idea surge por otros derroteros… Hace un par de navidades, quise pintar unas acuarelas de estos murales. Posteriormente, teniéndolas como base, se me ocurrió la idea de hacer unas camisetas y empezaron los primeros contactos con una tienda vasca (Photoshop, diseño textil, etc.…). Luego, todo se fue mágicamente encadenando…

Me encargaron realizar el diseño de una camiseta para el equipo de fútbol infantil de la localidad. Un diseño que, al final, gustó tanto que acabó haciéndose para toda la equipación de niños, adultos, etc…

Era un diseño muy artístico; con múltiples matices, degradados…Pero teniendo en cuenta la técnica que pensaba que utilizarían en su impresión final (planchas), en ningún momento imaginé un resultado tan positivo. Cuando al cabo de un año me la enseñaron, me quedé gratamente sorprendido. Lo hicieron con una técnica llamada de sublimación (tinta dentro del mismo tejido y variedad de tonalidades). Algo, que yo desconocía.

Una vez descubierta esta novedosa técnica, encargué las primeras camisetas de mis acuarelas con esta tienda vasca. Jugué con los volúmenes del cuerpo; valorando cosas que antes no me había planteado y contactando con gente dedicada al mundo textil y de la moda.

Simultáneamente, me acordé de esta serie de fotos que había realizado mi amigo el fotógrafo Josu Euba, a modo de archivo o dossier de mi trabajo.

Al ir por las tiendas, me llamaron la atención las fotos antiguas (hasta años setenta) de la ría de Bilbao, y pensé en hacer unas postales parecidas de mis murales del puerto de Santurtzi. Como publicidad de estos trabajos personales, y algo que diera una proyección visual más nueva de esta zona marinera tan emblemática. Y no tardé en pedirle permiso a Josu para poder poner su nombre, en compensación por su esfuerzo en haberlas hecho.

Pero si te digo la verdad, no tuve en cuenta el contexto temporal de la época navideña, ya que no aspiraba a obtener grandes beneficios, sino solo hacer algo que me parecía interesante y de gran utilidad. Ahora, vamos teniendo tanto éxito, que hemos sacado ya la 2ª edición.

Lo de los puzzles vino justo después y fue todo muy rodado…Me llamaron en una inesperada videoconferencia nocturna varios amigos de toda la vida, e ilusionados me lo propusieron.

Me plantearon que podría ser una idea muy bonita y de gran demanda en esta época navideña.

Te confieso, desconocía este tema. Ellos, me pusieron rápidamente al corriente de todo y me aconsejaron un puzzle concreto de 1000 piezas, más destinado a adultos y con grandes posibilidades de demanda. Por lo visto, era el que más solían comprar los aficionados a este entretenido hobby.

Me pareció muy buena idea, pero antes tenía que valorarla. Así que, contrasté toda esa información con otros amigos y comprobé la gran afición que había sobre este tema. Una vez vista su posible viabilidad y las posibilidades reales de venta cara a navidades, me puse en marcha contactando con varias empresas del sector (valorando precios, formato, etc.…). El tamaño 50 x 70 Cms me pareció el más adecuado. Y por casualidades de la vida, terminé encontrando a la mejor empresa, Ravensburger.

 Acostumbrados a trabajar con cantidades pequeñas pero muy selectas, eran justo lo que yo andaba buscando. Me ofrecieron una óptima relación calidad/precio e hice un rápido pedido, dado que se me echaban encima las fechas de navidad.

Posteriormente, los difundí en Facebook, antes de sacarlos en las tiendas. Sorprendentemente, se vendieron todos en 48 horas. ¡Yo flipé; todos flipamos! La verdad, ha sido todo de locura. La gente preguntaba en las tiendas, incluso, antes de comercializarlos.

Todo ha sido muy de andar por casa, puerta por puerta. Y no tengo ninguna queja, porque todos los comercios con los que he colaborado se han portado muy bien.

Durante tu trayectoria, y sobre todo, estos últimos 5 años, la mayoría de tus proyectos artísticos han estado muy vinculados a lo urbano, a la calle… ¿Te consideras un pintor más muralista que de estudio?

Es difícil contestarte; necesito de ambas caras.  Recuerdo con agrado al Jon Mao retratista en ferias, retratos en la calle… Estuve más de 8 años desarrollando esta labor en ciudades y pueblos de toda España. Muchos más del Pais Vasco, Pamplona y otras zonas de Navarra…

Esta práctica, me ha dotado de una importante soltura e inmediatez, haciendo retratos a gente que, en general, no conocía. Algo más fácil que retratar a personas conocidas; lo puedes enfocar hacia un lado, con expresión más clara, menos difusa. Con conocidos, hay mucho sentimiento hay metido y se puede complicar todo…

Por otra parte, necesito de esta apasionante ambigüedad (estudio/calle). Pintar en la calle me ayuda a liberarme, a simplificar, a no liarme y ser más inmediato, porque mi personalidad suele tender mucho al recoveco y a seguir muchas veces caminos en los que no tengo ni idea…

Los encargos sirven para refrescar mi mente, crear liberadoras pausas y volver luego a retomar lo que estaba haciendo, mirándolo con otros ojos, con una nueva mirada…Por otro lado, también me agobia esa responsabilidad de pensar no poder llegar a las fechas en las que me he comprometido. Algo necesario para poder seguir viviendo al mes..

¿Cómo ves el actual panorama del arte urbano?, ¿Consideras que los colectivos y artistas que practicáis esta modalidad necesitaríais aún más apoyos y subvenciones por parte de los políticos e Instituciones (Ayto., Diputaciones, Entidades diversas…)?

Evidentemente, las negativas circunstancias sobre la pandemia son ahora las que mandan….

Por supuesto, que estarían bien más apoyos para acercar el arte a la gente a través del mobiliario urbano y de su rutina cotidiana: decoración artística de edificios, bancos, lugares emblemáticos…

Una pena, que la cultura y el arte sean considerados siempre cosas menos relevantes que otras, y se recorten tanto los presupuestos. La reflexión con el arte es necesaria para el avance de la sociedad. Los cambios de la historia generalmente coinciden con destacadas transformaciones en el mundo del arte…

De todas formas, no seré yo el que critique esto.  He tenido bastante suerte en este tipo de proyectos, y me han ayudado en mi supervivencia como pintor. Sobrevivir del arte, hacerte un hueco y vivir de ello es realmente duro y complicado. No es tener un X al mes. Tienes que hacer un poco de todo: murales, encargos de todo tipo, dar clases, etc.…Y, además, sin garantías de nada y siempre sometido a la incertidumbre del riesgo.

Yo, de hecho, llevo impartiendo clases unos 8 o 9 años. Tengo el estudio en un local de mi padre, desde que murió hace ya 14 años. En este sentido, tienes que tener todo muy claro, antes de lanzarte a transmitir conocimientos y que luego los alumnos los apliquen y los sientan. Aprendo mucho dando clases, porque me ayuda a clarificar bien mis ideas.

¿Cuáles han sido las principales etapas de tu proceso de formación artística, antes de meterte de lleno en el mundo profesional de la pintura?

En mi caso, no he tenido antecedentes familiares artísticos, a excepción de la música por parte de mi padre. Mi abuelo fue director de orquesta, y mi tío Santi tocaba bastante bien…Estuve en una orquesta hasta los 16 años, tocando los platos, el bombo, y ¡hasta bailando! jejejjj

Esta variedad de gustos musicales quizás ha influido en la música que elijo cuando pinto. Soy bastante ecléctico: clásica, celtica, bossa-nova…Generalmente, melódica y tranquila (Janis Joplin, Amy Winehouse…).

A nivel puramente pictórico, aprendi la técnica desde los 6 hasta los 18 años. Primero, de una manera suave en el estudio de Alberto Quintana, aquí en Santurtzi ( 1984/1996). Mi primer cuadro al óleo fue con 9 años. Y anecdóticamente, empecé esa primera etapa dos años antes de lo que solían dejar, gracias a la insistencia de mi madre, quien siempre vio en mí gran talento para el dibujo.

A los 12/13 años tuve un breve impás de un año. Posteriormente, llegaría mi aprendizaje—exigente, duro, caótico y denso— con Ramón Pérez ( 1996/2002), un profesor de gran pasión e intensidad, pero con el que aprendí muchísimo. Probé todos los temas y técnicas: óleo, acuarela, acrílico, carboncillo, pastel…Fueron años de mis primeros retratos al pastel.

 Gracias a Ramón, empecé a sentir por primera vez como pintor; a descubrir “el lodo, los bajos fondos y lo sucio de la propia pintura” …Todo, de una forma tan apasionante, que me envenenó y me provocó también tener gran respeto a este arte. Incluso, a veces, llegando a sentir hasta miedo. Porque lo veía un mundo demasiado grande y complejo como para poder llegar a triunfar. Una situación paradójica, de claroscuros, similar al barroquismo…

Ramón me transmitió la gran importancia del dibujo. Y eso, es lo que a mi realmente me “flipa”: el poder de la forma. Tienes que saber construir para después poder destruir y no quedarte bloqueado ni atrapado por la técnica…

A partir del 2002, me preparé en la Academia de Manuel Balsa, en el Museo de Reproducciones Artísticas de Bilbao (perfeccionamiento del retrato clásico, figura, movimiento…). Posteriormente, desde el 2009, me vuelco de lleno en la participación de concursos de todo tipo, empiezo a dar clases, exposiciones…

2013, mi exposición ” Actitudes-Latitudes”. Compuesta por pinturas al óleo y con el ser humano como centro de interés…

Mucha gente te conoce por tus famosos murales del puerto de Santurtzi (“Bogadores”, “Rederas”), pero también tienes otros como el de Santa Eulalia o el de Eskorbuto en la zona Vallejo… ¿Cómo surgen estos proyectos y que técnicas concretas has empleado en cada uno de ellos?

La Concejalía de cultura contactó conmigo porque había ganado durante varios años el premio al mejor pintor local, y además, tenía experiencias previas de otros murales en otras localidades. Influyó también, que mi cuadrilla y yo siempre habíamos tenido una activa participación en las fiestas de este pueblo. 

Cuando me lo plantearon, me explicaron que había una fuerte iniciativa popular para hacer un homenaje a ” la Sotera”. En principio, una escultura. Ante el riesgo de que esta invadiese demasiado espacio, perjudicase en fiestas y limitase el tráfico fluido en la zona central del puerto, optaron por hacer algo interesante en las paredes laterales del mismo. En una zona que siempre había estado muy dejada o abandonada, justo donde había unos arcos de acceso a baños y donde posteriormente hicieron el denominado “Museo del Mar”.

La técnica, ya me vino impuesta porque los responsables municipales lo tenían, desde un principio, todo bastante claro – Danel Bringas, el Concejal de Cultura, venia del mundo de las Bellas Artes-. Y dado que gran parte de la superficie del mural iba a estar habitualmente sumergida, eligieron la técnica del Trencadís (cerámica troceada).

Casualmente, esta propuesta coincidió con la finalización de unas importantes reformas de albañilería, que desde dos años antes, habíamos estado haciendo mi suegro, un buen amigo y yo, en mi casa – tuvimos que tirarla entera-. Esta experiencia.  me “vino de perlas” para los murales, ya que, en el fondo, eran también obras de albañilería (hacer masa, colocar fragmentos de cerámica…).

Y como para poder afrontar estos proyectos, necesitaba, al menos, dos albañiles les comenté mi interés en volver a trabajar con ellos. Les expliqué bien todo y les pedí consejos y apoyos técnicos necesarios.  Me preocupaba buscar la forma de que el cemento aguantase el salitre, la intemperie y la corrosión marina, al tener que estar el mural tanto tiempo en contacto con el agua.

El primero, fue “Bogadores” (2015). Recuerdo, que lo hicimos en dos meses de intenso trabajo. Empezamos en febrero y lo inauguramos un 29 de marzo. Trabajando todos los días y a un ritmo frenético de unas 6/8 horas. En pleno invierno y con grandes dificultades:  cemento a la intemperie; sin tener apenas ninguna cubrición y aguantando cuarenta días seguidos lloviendo, de intenso frio; adaptados a los constantes cambios de mareas…Tuve que “aprender a bailar con el agua”. Cuando la marea estaba baja, aprovechar para hacer la parte de abajo; y cuando estaba alta, la parte de arriba…

Para entender el sistema de trabajo y probar a encajar las piezas, me ayudaron mucho los recortes previos que hice de cartulina. quería establecer conexiones con la pintura, con el cromatismo; como surgen las líneas, para poder luego representar lo que quería en cada uno de ellos. Tenía claro, que el material a utilizar tendría que ser el adecuado para conseguir transmitir esa fuerza implícita en el propio tema: “la lucha del hombre frente a la naturaleza “.

En el de “Rederas” (2018), el mensaje era otro muy distinto: un homenaje a la sacrificada labor de las mujeres en los puertos pesqueros. También, de dos meses de duración, utilice la misma técnica, pero de una forma mucho más depurada. exigiéndome superar la calidad del anterior, y en consonancia con la delicadeza y finura de lo que quería representar: a cuatro mujeres sentadas.

Un planteamiento opuesto a la fuerza de “Bogadores”. Llevar la técnica a este grado de finura y elegancia, fue complejo (tonos de piel más suaves, más cromatismos, variedad de tonos…). Lo inauguramos un día muy especial, el “ V Sardina Eguna”.

El mural anterior al de “Rederas” fue el de Santa Eulalia (jun 2018) Aunque el de “Rederas” ya estaba apalabrado (presupuestos aprobados, etc.…). Son pintados, pero curiosamente, la gente piensa que están hechos con cerámica. Les confunde al ser dos carteles inspirados en los antiguos paneles cerámicos que indicaban los nombres de las calles para ir al grupo Serantes y la subida a Bañales.

Posteriormente, llegaría el de homenaje al mítico grupo punk santurtziarra “Eskorbuto” (2019), en la zona del muro de Vallejo (Mamariga). Muy cerca de donde pasé mi infancia. Fue emotivo hacerlo allí, a escasos metros de la casa de mi abuelo.

La duración fue también de dos meses muy intensos. Desde el 1 julio hasta el 30 de agosto. Se inauguró el 31 de agosto. Trabajando de 8/10h diarias, con papeles de estraza gigantes para trasladar y hacer las líneas del dibujo a carboncillo. Sometido a malas posturas y sufriendo fuertes contracturas musculares, como consecuencia de tener durante tanto tiempo el brazo elevado.

Un trabajo multidisciplinar, que me obligó a tener que rechazar otra oferta planteada por un empresario de reformas de locales (decorar un bar). Pero cuando estás haciendo un mural, no puedes aceptar nada más. Es un reto que te exige mucha concentración e intensidad.

Este es sin duda el mural que mayor proyección internacional me ha dado, al formar parte de la ruta de fans de este grupo cuando vienen a Santurtzi. Vienen gente hasta de Colombia, para hacerse fotos junto a el.

—¿Tenias experiencias previas como muralista en otras localidades?  

 Sí, a mis 20 años o así. Recuerdo, que estaba pintando retratos en Bermeo, cuando me llamó una chica a la que conocía y me dio referencias de un chico que estaba buscando varios artistas para colaborar en varios proyectos, porque se les estaba echando el tiempo encima.

Fueron 4 o 5 murales: Larrabetxu, Derio, Sondika, zona del Txorierri y Erandio. También tuve alguna que otra experiencia en un colegio de Llodio y varios trabajos para un club de tiempo libre en Barakaldo.

¿Cómo definirías tu estilo pictórico? ¿De qué influencias “bebe” el arte de Jon Mao?

Las influencias son siempre inevitables. He estudiado a los clásicos y me apasionan Rembrandt, Velázquez, Caravaggio. Pero también, en determinados momentos de mi trayectoria, Peter Doig, Mark Rothko, etc…

Es muy duro el crear. Pero no puedo evitar pretender ser yo mismo… Siempre busco, intento, hacer algo nuevo mucho más personal que lo anterior.  Quizás por eso, definirme a mí mismo me cueste tanto. ¡Sería tan bonito poder conseguir que el público distinguiese mi obra! Date cuenta, que yo trabajo de una manera muy particular: la mayoría de mis exposiciones suelen ser siempre especies de colecciones, con mensajes muy determinados, que el paso del tiempo me invita a seguir ampliando desde múltiples vertientes…

Si que es cierto, que tuve una época en la que, por el afán de investigar, dejé de crear y me centré plenamente en estudiar a los clásicos:  Caravaggio, Rembrandt, el David del Renacimiento…

Eso sí, a excepción de un par de abstracciones y de haber fantaseado con hacer ciertos murales algo más abstractos, nunca me ha seducido el tema de la abstracción. Casi siempre he sido un pintor figurativo, vinculado a un tipo de realismo mágico, con ciertas influencias del mundo clásico de la Grecia antigua. Una época que me ha atraído y gustado mucho.

El género del retrato lo cultivé y refiné mucho con Manuel Balsa. En general, casi siempre mis profesores han sido muy duros y exigentes. Esta circunstancia, me ha fructificado en un serio aprendizaje, donde siempre intentaba superarme y hacerlo mucho mejor.

¿Qué proyectos tienes ahora en mente?  

El más importante que tengo ahora, es continuar mi serie de “Siluetas desoladas” (abril 2019) . Este es un momento introspectivo para mí; de crear a nivel más intimista y sin prisas.

La situación tan delicada actual, además tampoco permite poder desarrollar proyectos externos de otro tipo o institucionales (murales o casos similares). Habrá que esperar y ver cómo evolucionan los acontecimientos…

¿De los proyectos que has realizado en estos 5 últimos años, cuál de ellos destacarías de forma más especial?

Todos ellos, han sido para mí muy importantes, y de todos ellos guardo un especial cariño. Pero recuerdo con una sonrisa diferente, el que realicé las navidades del año pasado en Basauri: “La casa del Olentzero”.

Surgió cuando ya estaba dentro de encontrarte. Fue por mediación de una chica de Santurtzi, a la que conocía y trabajaba en esa localidad. Me dijo, que la Asociación de Comerciantes estaban buscando a un artista para decorar y revitalizar con ambiente navideño un local, al que desde hace un par de años, destinaban al encuentro de los niños/as con el Olentzero. Por lo visto, el primer año funcionó muy bien, pero el segundo, fue un poco desastre y lo dejaron muy abandonado y desangelado.

La idea me sedujo tanto, que no dude en aceptar rápidamente. Representaba un contrapunto al dramatismo de encontrarte. Un soplo de aire fresco y mágico, entroncado con la navidad. Justo, en un año en el que mi emotividad estaba a “flor de piel” al haber sido padre…

Lo plantee con mimo y la magia que requería un proyecto de estas características: una decoración cálida, con un pasillo, bosque, Caserío medieval, casas de madera, carbón, enebro…Y todo, con un toque ancestral y mitológico vasco.

Fueron 3 semanas de intenso trabajo, pasando frio y hasta altas horas de la madrugada. Pero mereció la pena porque fue todo muy bonito y solidario; muchísima gente que me ayudó, amigos de una amiga mía, que se prestaron desinteresadamente, cada uno con sus conocimientos. Mujeres ejerciendo de modistas; otros, ayudándome en la decoración…Todos “hombro con hombro” …

Supuso una forma de trabajar muy directa. Con una técnica más gestual y adecuada a algo que parecía una especie de ilustración de cuento.

Tuvo un gran éxito. Después de acabarlo e inaugurarlo, fueron más de 1200 personas a visitarlo (familias con niños, Aitites y Amamas, parejas, etc.…). Cuando, según me dijeron, el año anterior solo pasaron 30 personas…

— Bueno, Jon, para terminar la entrevista y ante el umbral de una navidad diferente como esta, me gustaría que lanzaras desde aquí un mensaje hacia tus fans, amigos y personas en general. ¿Qué les dirías?

Simplemente, pediría que procurasen estar todos tranquilos, sosegados; saber estar con quienes tenemos que estar. Sin cometer imprudencias que nos perjudicarían a todos.

Todo lo que era bueno antes, paradójicamente, ahora es malo: una caricia, un abrazo, un beso…Nos toca aprender a querernos mucho desde la distancia y esperar pacientemente a que escampe…Y en momentos como este, el arte puede ser una gran terapia: un libro, un cuadro, una canción…

Esto nos tiene que servir de algo. Debemos aprender a valorar cosas que quizás antes, por vivir tan deprisa y de manera tan egoísta, no valorábamos tanto y a las que teníamos fácil acceso todos los días…

Esta realidad, es como una prueba, una auténtica oportunidad para dejar de pensar en ti mismo y reflexionar sobre el vacío que nos produce esa triste falta de contacto social…

Siempre hemos pensado egoístamente en nuestros derechos. Ahora, vivimos un tiempo en el que tenemos, por encima de todo, responsabilidades. Hay que cambiar el concepto de obligación por el de responsabilidad. Nunca la sociedad ha sido responsable.

En el fondo, todos estos consejos a modo de reflexiones, yo ya las he reflejado en mis cuadros de “Siluetas desoladas”. De una forma tan premonitoria que, a veces, me asusta. Vivimos una especie de metafórico castigo de la naturaleza; es como una “bofetada en toda la cara”.

En su día, y precisamente por ese talante tan premonitorio, me vi reticente a difundir esas imágenes en las redes sociales. Sin embargo, me han regalado muchas otras ideas, que son en las que estoy ahora trabajando…

 Llegamos así, al final de esta entrañable entrevista. ¡¡Graciassss!!, Jon, por tu arte y tus palabras llenas de sabiduría, a pesar de tu juventud…

¡El tiempo se nos ha pasado volando! Aun así, todavía ambos necesitamos estirar las piernas y rubricar este mágico encuentro con un paseo por el parque…

Mientras nos vamos acercando a los murales del puerto, imagino escuchar los lejanos acordes de Josu, Juanma…y compañía. El olor a mar me embriaga. Saludar a “Bogadores” y “Rederas” al lado de su talentoso autor será un auténtico placer. No en vano, su nombre euskaldún con matices orientales, ¡su ARTE!!, pasará a la historia de esta hermosa villa marinera gracias a ellos…

Para el disfrute de generaciones venideras…

Ángel MOMOITIO GARCÍA

(Directiva Encontrarte)

Entrevista a Enrique López Suárez “Elosu”

Enrique López Suárez “Elosu” con su obra Siento que estás ahí para encontrarte

Entrevista realizada por Abdul Kader Al Khalil para encontrarte.

1-Amigo Enrique, ¿qué representó para ti el proyecto “encontrarte”?

Este caso de los bebés robados en las clínicas, hospitales y maternidades, ya había salido en los medios de comunicación, y todos estábamos enterados.

Pero ocurre que las noticias en la prensa, radio y televisión duran lo que dura su emisión; es decir, que a los cuatro días, si alguien no se ocupa de remover el tema, todos nos olvidamos.

Pues bien, en el caso de encontrarte, han sido un pequeño grupo de artistas de la pintura los que se han preocupado de recordarnos que siguen estos problemas.

En mi caso, los artistas Nistal Mayorga y Ángel Momoitio, fueron los que me informaron e invitaron a que participara en el proyecto. Me pareció muy interesante el desafío de colaborar y realizar una obra, que, de acuerdo con sus ideas, debía reflejar el vacío provocado por el bebé ausente.

En el lienzo, reflejé la imagen de una madre pensando que no iba a ver crecer a su hijo. El dolor y misterio de cómo fue, como era y como sería el niño que no estaría a su lado, mostrando la silueta de un bebé en un collage de un recorte de prensa con noticias sobre los bebés robados.

2-En tu opinión ¿crees que es necesario que el artista sepa utilizar todas las técnicas para ser artista?

Creo que no. Podemos utilizar el medio que tenemos en ese momento a nuestro alcance; un ejemplo son las pinturas prehistóricas, un niño realiza un dibujo efímero sobre el vaho de un cristal. Con un simple carboncillo se pueden crear obras preciosas. Por supuesto, cuanto más técnicas conozcamos, más oportunidades tendremos.

3-Si no es ninguna molestia para ti, ¿podrías decirnos cuantas obras has creado hasta el momento? ¿Y qué técnica trabajas más?

No lo sé exactamente. Unas mejores y otras peores, pero más de trescientas seguro. Me siento muy cómodo con el óleo y la acuarela, dependiendo del tipo de obra que se me ocurra, aunque las he realizado también con pastel, acrílico, gouasch, etc.

4-A lo largo de tu trayectoria como artista, ¿has comenzado alguna obra y no la has terminado?

Procuro rematar todas las obras que comienzo, aunque una parte de ellas (sobre todo acuarelas) son destruidas.

5-Todos los artistas al comenzar son influenciados por alguien. ¿Quién fue tu fuente de inspiración? ¿Es el mismo ahora que entonces?

Mis primeros óleos que realicé de manera autodidacta, fueron copias de Sorolla. Quedé cautivado por su pintura y creo que, aunque he ido evolucionando dentro de mi estilo, ha influido mucho en mi trayectoria como pintor.

6-El artista Eugène Delacroix en cierta ocasión dijo: “dame lodo y pintare con ello la piel de venus”. ¿Crees es tan fácil pintar figuras humanas?

Mi aprendizaje de la figura la hice con unos libros que me dejaron del norteamericano Andrew Loomis. Después practiqué en el Museo de Reproducciones con El Ruso y apuntes al natural en el Estudio Richard.  Dentro de la pintura de figura humana, me resulta más fácil pintar desnudos a los personajes que vestidos. Es menos complicado.

7-Algunos críticos de arte dicen que la acuarela es el hermano chiqui del arte, ¿Qué te merece esta opinión? ¿Y los que dicen esto, crees que conocen el arte?  

Pinto acuarelas y pinto óleos.  No considero a la acuarela como hermano menor, salvo en el tamaño; al fin y al cabo, la principal diferencia está en los aglutinantes y en el soporte. La pintura a la acuarela exige una previa estrategia por parte del pintor para tener todos los pasos de la pintura en su mente. De lo que uno quiere hacer a lo que salga… el agua es caprichosa y hace lo que le da la gana. El resultado de una buena acuarela es una gozada. 

8-Según Picasso, la escultura es el arte de los inteligentes. ¿Crees que los pintores son menos inteligentes?  

No creo que tenga nada que ver. Ambos trabajan con soportes diferentes. Y para crear una escultura considero imprescindible tener una idea de dibujo.

9-Según Oscar Wilde, el arte es el amor, la ternura es la que le da la fuerza. ¿Crees que el arte de hoy se hace todo con ternura?

Por lo menos eso intento. Poner todo el cariño en lo que hago.

CRÓNICA SOBRE LA OBRA DE ENRIQUE LÓPEZ SUÁREZ “ELOSU”

Siento que estás ahí, de Enrique López para encontrarte

“No se trata de pintar la vida, se trata de hacer viva la pintura.”

Paul Cézanne

Así es la obra de nuestro compañero el artista Enrique López: hace obras muy vivas, del entorno cotidiano, sean temas del paisaje urbano, o figuras sociales. Nacido para ser artista, hace suya la humildad a la hora de hablar de su obra. La humildad que deben tener todos los artistas ya que es la senda de todos los éxitos. El artista Enrique crea sus obras con lealtad al tema tratado o como notario de la historia. Mima el dibujo y cuida mucho de elegir las perspectivas. Realza sus paisajes transmitiendo en ellos la felicidad interna y nos hace ser partícipes de esta felicidad. Esa felicidad que necesitamos en los tiempos actuales para resistir a la pandemia.

“No hay medicina que cure lo que no cura la felicidad.”

García Márquez
Varias obras sobre músicos de Enrique López “Elosu”

La razón del artista Enrique López Suárez es una simbiosis de la pasión por la música vista por el arte. La música es uno de sus temas preferidos, como ha sido tratada en obras de grandes creadores como Vasili Kandinsky y Paul Klee, también en las obras del arte mexicano. Enrique López en sus pinturas trata este género con mucha ternura y usa unos colores que representan la intensidad del sonido, agradan la visión y son extraordinarios instrumentos reales.

Observo las obras de Enrique desde hace tiempo, es un artista sensible, creativo, con abundancia y renovador. En su obra trata todo lo que puede gustar al espectador: los paisajes, el mar, las ciudades históricas y las figuras humanas. Es un pintor hecho a sí mismo, lo cual tiene mucho mérito, como tantos artistas en el pasado que fueron autodidactas y de quienes nadie duda que fueron muy buenos artistas, como Giorgione, Turner, William Blake, Van Gogh, Henri Roseau, y Antonio Tapies entre otros; y de este calibre es el artista Enrique López.

“Yo soy un estudioso de la naturaleza, solo me he tenido a mí mismo como maestro, el trabajo más constante de mi vida ha sido consagrarme a la preservación de mi independencia.”

Gustave Courbet
Obra de “Elosu”

En las creaciones de Enrique López, vemos decenas de retratos y paisajes que podrían poner de buen humor a cualquier artista contemporáneo. Las pinturas de Enrique poseen una fascinación extraordinaria y conmueven las emociones y la nostalgia. Nos traslada con su pintura a desear estar dentro de sus lienzos, es un poder que atrae y lo hace con mucha habilidad.

Enrique pinta bajo el impulso del ansia de ser artista. Un pintor figurativo y paisajista, buen dibujante, tanto al óleo como en la acuarela, y en otras técnicas que practica con mucho conocimiento y con esmero.

Varios paisajes de Enrique López Suárez

El artista Enrique López, según mi conocimiento, es un amante de la luz y esa es su pasión que le lleva a tratar de plasmar su incidencia sobre las cosas, como embellece las cosas y como las hace más vivas. Prosigue la belleza de la luz de otra manera que hacía Sorolla, no es una definición académica, pero resulta una manera clara de explicarlo. No le han interesado impresiones abstractas, más bien paisajes que crean ánimo. Y son verdaderas obras de arte. Hay en ellas auténtica recopilación de cuantos rasgos definen el realismo. 

Abdul Kader Al Khalil

عبد القادر الخليل

Si quieres saber más sobre la obra de Enrique López “Elosu” visita su página web www.elosupintura.artelista.com

COMUNICADO ENCONTRARTE

Publicamos hoy esta entrevista, una semana después de lo habitual, coordinando que por ser época  navideña,  la próxima entrevista de Ábdul  será el miércoles 13 de enero.

Sin embargo, y en líneas generales, el resto de secciones y noticias de nuestro blog, seguirán pendientes de cualquier noticia  novedosa para contaros.

De hecho, el próximo miércoles día 23, antesala de la nochebuena, publicaremos en nuestro apartado  “Otros Encuentros” una interesante entrevista a Jon Mao y sus murales. Os invitamos a leerla.

Mientras tanto, solo nos queda lanzar un brindis por vuestra salud y desearos que disfrutéis de esta mágicas fiestas. Eso si, con mucha precaución.

¡¡ CUIDAROS Y OS ESPERAMOS A LA VUELTA !!

Ángel MOMOITIO GARCÍA

( Directiva Encontrarte )

POESIA versus maltrato de la MUJER

Las maternidades robadas, causa social generadora de la creación y puesta en marcha de nuestro proyecto encontrarte, es ,sin duda, una de las caras más impactantes y amargas de violencia contra la mujer.

Pero evidentemente, hay otras muchas formas de agresión y maltrato que en fechas tan señaladas como la de hoy — 25 de noviembre, “Dia Internacional de la Eliminación de la Violencia contra la Mujer”—, abren sus “sangrantes heridas”, en un intento de denunciar esta triste lacra social.

Desde encontrarte, conscientes de esas otras sombrías realidades que tienen a la mujer como nexo común, queremos sumarnos hoy a este “universal grito” y proclamar nuestro particular ¡¡BASTA YA!!  a todo tipo de violencia sexista. Especialmente, la ejercida contra el género femenino en todas las partes del mundo.

Con este solidario objetivo, sirva este poema personal de hace unos años, complementado con varios documentos audiovisuales, que colectivos afines a nuestra causa nos han prestado amablemente para la ocasión.

¡¡GRACIASSS!!, compañeros/as. Sabio es el famoso lema ” La unión hace la fuerza”. Y entre todos/as, lucharemos por conseguir que esta cruda realidad se maquille de esperanza, y progresivamente se vaya extinguiendo…

Ángel Momoitio García

(Directiva encontrarte)

LA PIEL DORMIDA

Si me preguntas, quién soy…,

te diré que  una triste hoja de otoño

mutilada y balanceada por el viento,

contra las paredes de una cárcel

con barrotes de acero…

O una nube de sacralizados recuerdos

escondida entre la niebla de nuestros años perdidos…

Si me preguntas, cuál es mi nombre…,

tranquilo, seguiré bajando humillada la cabeza

y te diré que ya casi lo he olvidado

en un rincón polvoriento de mi alargada sombra.

Tras el eco de tus gritos prohibidos, tus fieles palizas,

y  el cálido, pero invernal, semblante de mis moratones.

Si me preguntas, por mi retrato en el espejo…,

te diré que en  mis ojos reina una mirada ausente;

carente de  brillo.

Que mi piel está infectada de un blanco de tiza,

sedienta de oxígeno.

Y mi pelo, es un áspero desierto con tacto de piedra.

Si me preguntas si te tengo miedo,

te mentiré y diré que si…

Para no asustar tu orgullo, tu ego en exceso,

y que tu alma de niño grande, de hombre niño,

pueda seguir descargando su enfermiza rabia

toda, contra mi cuerpo indefenso;

lejos, muy lejos, de dos inocentes miradas…

Si me preguntas…

Pero no me preguntes con quién comparto mi cama.

Ni siquiera quién es mi dueño…

Porque te diré que con la nada o la fría soledad

de mi piel dormida…

Al servicio de un extraño

al que llorar en silencio ya no oigo…

Al que quise y por el que deje todo…

Al que creí conocer un lejano día.

Si me preguntas…

Pero no me preguntes cuál es el color de mis sueños,

o, simplemente, qué espero del mañana.

Porque entonces, en voz baja pero firme, gritaré:

¡¡LIBERTAD!!…

( De ” Efímero tránsito”/ Ángel Momoitio 2015/ Todos los derechos reservados)


Re[X]istencia: Nuestro existir, es resistir

Este cortometraje es el resultado del trabajo colectivo realizado desde el área de género e igualdad de Valencia de la Asociación Rumiñahui.


25 N DÍA INTERNACIONAL DE LA ELIMINACIÓN DE LA VIOLENCIA CONTRA LA MUJER

Estas bolsas de basura contabilizan los crímenes machistas perpetrados en nuestro pais en lo que llevamos de año. Cada bolsa está etiquetada con el nombre de una o varias víctimas y de su victimario. Una X significa nombre desconocido.

Si os fijáis, hay lazos grises y lazos negros. Los grises reflejan los feminicidios recogidos en las estadísticas de la Delegación del Gobierno contra la Violencia de Género, es decir, aquellos en los que la mujer ha sido asesinada por su pareja o expareja. Datos oficiales, por tanto. El resto de casos, lazos negros, no se cuentan. Desde 2003, año en el que comienza el recuento institucional de los asesinatos por violencia de género, las mil primeras mujeres asesinadas han dejado 1.494 huérfanos, de los que 765 eran menores de edad en el momento en el que perdieron a su madre. También son datos oficiales. Según la última Macroencuesta de Violencia contra la Mujer, una de cada dos mujeres ha sufrido violencia machista a lo largo de su vida. Se trata de una pandemia estructural y silenciada: el 80% de estos hechos nunca se denuncia.

Imaginaos lo que hay dentro de cada bolsa. Es pura realidad.

Cristina Gutierrez Meurs

Entrevista a Conchi Ororbia

Conchi Ororbia con su obra Noches oscuras, dónde está mi bebé para encontrarte

Entrevista realizada por Abdul Kader Al Khalil para encontrarte.

1-¿Qué representa para ti el proyecto de “encontrarte“?

Para mí simboliza una lucha ante la problemática y la sinrazón de la comercialización y sustracción de bebés que truncaron la vida a muchas familias. He tenido la suerte de participar junto a 24 pintores en busca de despertar conciencia social, colaborando y apoyando a AVIDNA (Asociación de Víctimas Contra la Impunidad de las Desapariciones Infantiles en Todo el Ámbito Nacional), lo cual me hace inmensamente feliz.

Ha sido una gran satisfacción contribuir a tan noble causa y agradezco enormemente al reciente fallecido y alma de este proyecto Roberto Zalbidea que contara conmigo; todavía recuerdo su llamada y el entusiasmo con el que me explicaba el objetivo de este proyecto.

2- ¿De qué manera das a conocer tu obra en el mundo?

En un principio a través de galerías, centros culturales, circuitos artísticos, concursos y similares, aunque por supuesto muestro también mi evolución e informo sobre proyectos tanto en mis perfiles de redes sociales (como Facebook o Instagram) como en mi página web, donde suelo colgar nuevas obras.

3- ¿Crees que en el arte contemporáneo todo es válido?

Esta es una cuestión harto compleja, y no hay, a mi parecer, una única respuesta. En mi opinión el arte contemporáneo tiene que llegar, generar en el espectador un sentimiento, transmitir emociones… En definitiva, tiene que dialogar con el espectador, por lo que si consigue alcanzar dichas metas puede ser perfectamente válido.

4- ¿Qué intentan exteriorizar tus obras y que deseas que generen en el receptor?

Mis obras, como la vida, han ido cambiando con el tiempo hasta llegar al expresionismo e incluso, en algunos casos, al surrealismo.

Contestando a tu pregunta, intentan provocar en el espectador un sentimiento, ya sea de rabia, alegría, amor o empatía, pero nunca indiferencia. Como he contestado en la pregunta anterior, mi obra persigue el diálogo con el espectador, bien sea de manera afable o de rechazo, pero es fundamental que hable y transmita, que consiga la implicación del espectador e invite a la reflexión.

5- ¿Qué opinión te merece el arte en las redes sociales?

Mi  opinión sobre las redes sociales es que son una potente herramienta que logra llegar de manera exponencial a millones de usuarios y que te brinda la oportunidad de que se te reconozca más rápidamente que a través de métodos tradicionales, pero también existe una parte negativa ligada a la dinámica y la presión que estas ejercen si se les quiere dar un uso divulgativo o propagandístico: la fugacidad y vertiginosidad de estas aplicaciones hace que el usuario que publica sus obras se vea de algún modo forzado a generar contenido de forma constante y, además, novedosa; no vale con publicar incesantemente, también hay que sorprender en cada obra. Y eso es algo, a mi juicio, poco realista.

No obstante, haciendo un buen uso de dichas redes no cabe ninguna duda de que pueden ayudar y, de hecho, ayudan al artista a proyectar su obra, y que constituyen un complemento muy enriquecedor que expande el impacto que el artista genera en galerías, ferias, centros culturales, etcétera. Yo doy mucha importancia a la comunicación personal entre el artista y su representante, por eso pienso que deben usarse como medio en cierto modo publicitario.

6- ¿Qué es lo que más te emociona en una pintura, la composición o los colores?

La composición es fundamental en todas las obras, pero me considero colorista y pienso y persigo esa emoción por medio del uso de color y potentes contrastes.

7-¿Todos los artistas buscan un estilo propio, crees es necesario tener un estilo personal para ser buen artista?

Es lo que todo artista anhela, que se le conozca por un estilo personal, que tenga sello.

Yo creo que no hay que obsesionarse con ello, pues ser artista es una carrera de fondo. Aunque se tiene que tener una cierta disposición especial innata, hay que sumarle a eso el trabajo constante, la disciplina, la investigación y creatividad, la provocación, el inconformismo, y, en consecuencia, la evolución. El resto viene solo y el tiempo lo dirá. Lo fundamental es disfrutar y transmitir lo que uno lleva en su interior, su Alma. 

8- En tu historia personal, vi que has expuesto en muchas ciudades, ¿en qué ciudad te gustaría volver a exponer más que ninguna?

No sabría decirte, ya que en todas me han tratado muy bien y me he sentido cómoda. En algún sitio repito por compromisos adquiridos artista-galerías, pero me gustaría seguir ampliando el círculo y exponiendo en todo el mundo.

9- ¿Qué te impulsa a hacer más figuras y expresionismo que otros estilos pictóricos?

Yo creo que ha sido una evolución fruto del tiempo, dado que he tocado otros estilos y no ha sido hasta llegar al expresionismo que me he sentido tan cómoda. Aun así, mi meta es llegar a la abstracción, lo que es muy complejo y exige un estudio e investigación profundo y transversal, siendo necesario, para mí, la aproximación filosófica, poética, etcétera.

Contestando a tu pregunta, siempre me he sentido atraída por la figura como medio de expresión del momento en que se vive a través de sentimientos y emociones, y que también ha ido cambiando con el tiempo. De hecho, sobre todo en esta última etapa, mis obras son más conceptuales, con figuras sobrepuestas, caras que se cruzan, sin diálogo, hombres y mujeres ausentes, cada uno con su vida, su historia y vivencias, con lo que persigo representar la manera en que vivimos hoy en una sociedad vacía, vertiginosa, individualista, ensimismada, donde la apariencia es lo que vale. Por contra también realizo obras simbolizando “un canto a la esperanza” para volver a creer en lo esencial.

CRÓNICA SOBRE LA OBRA DE CONCHI ORORBIA

Noches oscuras, dónde está mi bebé de Conchi Ororbia para encontrarte

“En nuestra vida hay un solo color, como en la paleta del artista que ofrece el significado de la vida y el arte, es el color del amor.”

Marc Chagall

De esta manera trabaja La Artista Conchi Ororbia, con amor al arte, y con amor al ser humano.  A los diez años tomo el arte como su mayor afición, ganadora de varios premios, y paseó sus obras en muchos países del mundo, y en muchas ciudades de España.

Sus obras son de un estilo personal, asociadas al expresionismo en sus conceptos. Se distinguen sus pinturas por la fuerza del color en combinación con el mensaje. Posee altas cualidades en sus investigaciones y el uso de la técnica que despierta grandes emociones en el lector.

“No me hace falta la luna, ni tan siquiera la espuma, me bastan solamente dos o tres segundos de ternura.”

Edward Münch

Solo dos o tres segundos de mirar las obras de Conchi para aprender a gozar el arte del expresionismo. El arte de denunciar las injusticias y de describir el dolor de los demás.

Varias obras de Conchi Ororbia

Como la mayoría de los pintores, Conchi Ororbia ha atravesado un largo proceso de experimentación hasta llegar a perfeccionar completamente su técnica. Sus pinturas muestran su compromiso con el arte al responder en cada momento a su particular modo de pintar, y de responder a las exigencias del concepto en sí. Representa sentimientos y emociones. Valiente por proseguir su sueño y conseguir un estilo propio en estos tiempos difíciles para comprender el arte.

William de Kooning señaló: “De vez en cuando el pintor tiene que destruir pinturas”. Es decir, salirse de las cosas repetidas, Cézanne lo hizo, Picasso lo hizo, Jackson Pollock lo hizo, y también lo hace nuestra compañera Conchi Ororbia.     

El arte, a lo largo de la historia, significó una expresión que representaba cada momento social y cultural de la humanidad. Una muestra de humanidad significan las obras de Conchi, es una expresión personal al retratar la preocupación en los demás en cuanto permanece la pandemia. Así es el Arte a través de la producción artística fue posible en muchos casos reconstruir las vicisitudes, usos y costumbres de cada época, las características de cada construcción social y las modalidades de expresión y comunicación del hombre. Presupone una manera de comunicación donde en el artista convergen simultáneamente el deseo de dar a conocer la cultura que lo habita y el poder decir y expresar los sentimientos. Visualizando las obras de la artista Conchi Ororbia, no es difícil asociar su estilo a al expresionismo, es una artista expresionista desde el pensamiento hasta el acabado de su obra, es expresionista incluso en sus paisajes.                                                                                                                                           

Una selección de la obra de Conchi Ororbia

El expresionismo es una de esas palabras que poseen dos significados. En su sentido más amplio se utiliza para describir obras de arte en las que predomina el sentimiento sobre el pensamiento, en las que el artista utiliza su pintura, no para describir situaciones o hechos, sino para exteriorizar emociones.

El arte, es una forma de expresión universal, pues podemos encontrarla en cualquier parte del mundo sin importar el idioma, lengua, dialecto, costumbres y tradiciones del lugar, puesto que sentimientos como la alegría, tristeza, amor, etcétera son percibidos de la misma manera.

El arte de Conchi se entiende como cualquier actividad o producto realizado por el ser humano con una finalidad estética o comunicativa, a través de la cual se expresa ideas, emociones o una visión del mundo. El arte de Conchi es un componente propio de la cultura, en el cual se refleja la concepción del mundo social. A través de su arte se transmite ideas, historias y valores, y si nos fijamos en las obras de nuestra compañera, entenderemos la felicidad de los que se aman, y comprender el dolor de los que se enfadan, y poder ver la distancia existente en algunos corazones.

Obras de Conchi Ororbia

El artista expresionista como Ororbia deforma la realidad, expresa sus emociones y su propia visión del entorno a través de colores violentos y un tratamiento brusco de la obra. Supone una representación del sentimiento de la soledad y amargura provocada por la indignación al ver los problemas sociales o las guerras que sacuden al mundo. También podemos ver algunas obras de Conchi que riman con el surrealismo, un surrealismo pensado y no es producto de la inconsciencia humana. Es una manera de expresar los anhelos ocultos en el interior de la artista que pretenden ser expresados a través de los elementos creados por ella.   

Abdul Kader Al Khalil

عبد القادر الخليل

Si quieres saber más sobre la obra de Conchi Ororbia visita su página web www.conchiororbia.com