Despertar conciencias con “Encontrarte”

El objetivo esencial que perseguimos con el proyecto “encontrarte” es crear un profundo debate social, utilizando las múltiples vertientes del arte como libre vehículo de expresión, en pro de conseguir despertar conciencias y visibilizar esta causa humanitaria de las Desapariciones Forzadas Infantiles. La propuesta que os presentamos aquí surge del Proyecto de Visibilización presentado a la Dirección de Victimas y DDHH del Gobierno Vasco por AVIDNA (Asociación de Víctimas contra la Impunidad de las Desapariciones Infantiles en todo el Ámbito Nacional) e inscrita en el Registro Nacional de Asociaciones en el año 2015 con el Nº607.998.

La exposición supone el punto de arranque de este ambicioso proyecto, puesto que aglutinará posteriormente otras muchas y variadas manifestaciones artísticas, en pro de alcanzar ese anhelado objetivo.

Bajo el estandarte o título genérico de “encontrarte”, una veintena de artistas plásticos vascos reflejan sus diferentes visiones, en torno a la desgarradora temática de las maternidades robadas; injustas y oscuras ausencias vestidas con el color de nuestros pinceles que, a buen seguro, sembrarán un ensordecedor grito de esperanza…

Se ha elegido un mismo formato para todas las obras (lienzos tipo cajera, 1m x 1m) para suprimir el enmarcado de las mismas, y así ganar espacio en las diversas salas donde se muestren.

Estos lienzos tendrán un claro y fuerte impacto visual en cada sala en la que se expongan. Una medida fraternal y simbólica: “metro a metro, avanzaremos hacia la conquista de cada uno de nuestros sueños, reduciendo la cruel distancia que nos separa de nuestros seres queridos…”

Además de este evidente rasgo solidario, pretendemos también que esta muestra tenga un marcado carácter itinerante, recorriendo durante un ciclo aún por determinar, las diferentes provincias. De hecho, el equipo de artistas organizadores que constituimos la Directiva de este proyecto, ya estamos realizando gestiones en este sentido…

Esta exposición es, sin ningún género de dudas, una justa expresión de solidaridad con una realidad social largamente ocultada y silenciada. Pero no por ello, menos conocida por la conciencia colectiva de nuestra sociedad…

SANTURTZI: CRÓNICA DE UN NUEVO ENCUENTRO…

Los pintores Jon Mao, Ángel Momoitio y Santi de Paulas y la colaboradora Yolanda Ortiz junto a la obra de Roberto Zalbidea

Viernes 23 de octubre. después de sendos aplazamientos por esta interminable situación de emergencia sanitaria, ¡al fin!, llegaba el ansiado día “D “.

Varios artistas de nuestro colectivo, habíamos quedado a las 10:30h de la mañana, con el ilusionado propósito de montar nuestra exposición encontrarte en la histórica Casa Torre Jauregia de Santurtzi ( C/ Sabino Arana, 5).

Casa Torre de Santurtzi

Nistal (Ana), Comisaria de nuestra exposición y desde mediados de octubre en tierras canarias, había delegado el peso de esa responsabilidad en mí. Así que, asumiendo firmemente el relevo, procuré llegar un poquito antes, a eso de las 10:10h de la mañana. Tiempo suficiente para poder saludar, ver sus magníficas obras, e intercambiar unas palabras con el artista de la muestra precedente, Eduardo Alsasua, antiguo conocido desde mis lejanos tiempos como participante en los certámenes de pintura al aire libre de la Casa de Cultura de Ortuella.

Poco después, puntualmente a la hora, llegaba Yolanda, nuestra excepcional colaboradora en todo tipo de menesteres del proyecto y madre de uno de los artistas participantes, Leire González.

Ella, era la encargada de traer sanos y salvos en su furgoneta a nuestros “niños/as vestidos/as de colores”.

La curiosidad femenina de Yolanda tampoco pudo resistirse a las magníficas obras hiperrealistas de Eduardo y juntos hicimos un breve recorrido por los pocos cuadros que todavía quedaban por descolgar…Vi su impresión reflejada en sus ojos, en su carita de asombro… ¡No puede ser, si parecen fotografías! ¿Pero…como ha podido hacer esas letras de la cabina? Me decía una y otra vez.  Recuerdo que, ante su incredulidad, tuve que decirle a Eduardo que se acercase para poder explicarla que todo era pintado. El vitoriano accedió amablemente.

Ángel Momoitio descargando las obras

Tras esperar unos quince minutos a Santi de Paulas, otro de los artistas que se había ofrecido al montaje, y al ver que se retrasaba sin habernos enviado mensaje alguno, decidimos empezar a descargar las obras e irlas dejando en un lugar adecuado de la sala.

Un primer paso, rápido y en perfecta sincronización entre Yolanda y yo. Mientras uno esperaba junto a la furgoneta, el otro iba llevando los cuadros de dos en dos a la sala. En constantes relevos, con tal de no dejar solos ni un minuto a “nuestros niños/as” en la furgoneta, aparcada junto a la Casa Torre en plena zona peatonal.

Santi colocando las obras

Cuando ya habíamos descargado todas las obras, Santi llegó. Lo hizo con su peculiar y traviesa sonrisa, disculpándose por lo difícil que estaba el aparcamiento en la marinera villa.

Yolanda fue a aparcar adecuadamente la furgoneta, y Santi y yo empezamos a desembalar…

Fue emotivo volver a ver a nuestros cuadros, también confinados desde el expo de Medina; sentir sus colores, las múltiples personalidades de sus autores, todas ellas hermanadas por una misma causa común…

Ángel y Santi durante el montaje

Entre bromas y distendidas conversaciones, a las que posteriormente también se sumó Yolanda y un inesperado Jon Mao, fuimos agrupando las obras provisionalmente por zonas, atendiendo a criterios de mayor o menor relevancia, según el obligado recorrido que haría cualquier futuro visitante . Asesorados amablemente por Sendoa, el simpático Bedel, tuvimos muy en cuenta la visión exterior de los transeúntes a través de los ventanales laterales de la majestuosa y luminosa sala.

Ángel, Santi y Jon colgando una de las obras

Primero, visible justo en el centro y al fondo del pasillo situado enfrente de la entrada principal, esa especie de tríptico familiar compuesto por el cuadro inacabado de nuestro inolvidable Roberto Zalbidea, y a ambos lados, los dos dibujos de su encantadora nieta Alize.

Así, poco a poco, fuimos colgando cada una de las obras, encajándolas en el espacio más adecuado para cada una de ellas.

Yolanda junto a la obra de su hija Leire González

Después, en la pared derecha principal del inicio del camino expositivo, el desgarrador “grito cromático” de nuestro Jon Mao. Un ensordecedor eco, emanado de las mismas “entrañas” y anunciador del resto de sonidos latentes en las diferentes obras…

Obra de Jon Mao

Y en ese arduo pero ameno proceso del montaje…utilización de escaleras, medición de varillas para regular la altura definitiva de todas las hileras de obras; distancias entre unas y otras, en pro de no saturar el conjunto; ubicación de soportes gráficos, colocación de rótulos de títulos y obras, regulación de focos de luz..

Panel homenaje a Gordillo y otros escritores junto a la obra de Aitor Renteria

Todo fue encajándose de forma fluida y armónica, como si de piezas de un mágico puzle multicolor se tratasen.

Y como cuando un intrépido grupo de alpinistas conquistan la cima de una alta montaña, llegó también el momento de situar en un lugar estratégico nuestro estandarte o bandera:  el roll up con nuestra imagen identificativa y contraportada de nuestro catálogo, obra del laureado ilustrador gráfico Asier Sanz.

Lucía Higueras junto a su obra y nuestro roll up ilustrada por Asier Sanz
Olatz Candina junto a su obra

No faltó tampoco ese carrusel de fotos que inmortalizarán cada momento. Yolanda, tuvo gran mérito en esa importante labor. Las últimas instantáneas, junto al roll up y  las obras de la familia Zalbidea.

Llegaban casi sin darnos cuenta las 14:00h de la tarde. recogíamos todas las herramientas y demás accesorios, y nos despedíamos de Sendoa.  Al ver lo tarde que era, suprimíamos la idea inicial de ir a tomar algo por la de retirarnos rumbo a nuestras respectivas casas, comer algo y descansar.

Eso sí, volvíamos a quedar a la tarde, a partir de las 18:00h en la sala.

Una tarde de apertura al público tranquila. Y confieso que un poco rara, al no haber podido hacer por razones obvias ningún tipo de inauguración. Escasas pero intermitentes y esperanzadoras visitas, a pesar de la cruda situación. Porque no me olvido, de lo bien que luce el conjunto en esta amplia sala. Todo, a pie de calle y en el inmejorable marco de este emblemático edificio que huele a historia…

Ángel Momoitio junto a su obra

 Pocos artistas presentes. Tan solo Lucia Higueras, Jon Mao y este humilde servidor.

Amenas conversaciones en torno a lo bien que había quedado el plotter anunciador de la exposición   y a otros interesantes temas vinculados a nuestro apasionante arte de la pintura…

Gracias Yolanda y Santi. Gracias Lucia por tu siempre cálida y servicial presencia. Gracias Jon por tu valiosa aportación durante el montaje de la mañana y por esas conversaciones con sabor a buen arte que ambos tuvimos durante la tarde. Por estar ahí, hasta el último instante, con la compañía de tu agradable familia. Hoy, tengo claro, muy claro, que, a pesar de tu enorme talento, tu mejor obra será siempre tu encantadora hija Alba…

Muchísimas gracias también a los atentos responsables de la Casa Torre. A Sendoa, a Marga, la eficiente directora, siempre pendiente de que no nos faltara nada y de que todo estuviera perfecto.

Hasta aquí esta crónica de otro de nuestros sueños ya puesto en marcha.

Y ya sabéis, el próximo jueves 29, convocatoria de prensa por la mañana e información pública del proyecto (11:30H). Acto al que, como siempre, todos los artistas colaboradores estáis invitados y en el que tendréis preferencia (aforo máximo de 30 personas. Se ruega confirmación previa).

Por la tarde, después de esa fraternal comida prevista entre artistas en alguno de los restaurantes de la zona, inauguración oficial de la expo (19:00H).

La muestra permanecerá  abierta al público  durante tres semanas, hasta el jueves 12 de noviembre  y con un aforo limitado por turnos de hasta un máximo de 12 personas. . Por supuesto, con todas las medidas protocolarias de seguridad respecto al Covi (uso obligado de mascarillas, limpieza geles hidroalcohólicos, distancias de seguridad…) y dentro de los horarios habituales ( de lunes a sábados: 9:00 a 14.00H/ 18:00 a 21:30H). Nos estamos planteando incluso, poder realizar visitas programadas y guiadas. De las cuales, muy pronto os informaremos.

¡¡ VIVA  ENCONTRARTE!! ¡¡ VIVA  EL  ARTE  ENGALANADO DE SOLIDARIDAD!!

Ángel MOMOITIO GARCÍA

(Directiva encontrarte)

“encontrarte” en Santurtzi

“¡Desde Santurce a Bilbao, vengo por toda la orilla…!” decía la famosa canción. Permitidnos el guiño de poder cambiar la tonada popular para decir “desde Medina a Santurce” porque después de Medina de Pomar en Burgos, el 23 de octubre volveremos a exponer, esta vez en el Palacio Casa Torre Jauregia de la localidad marinera vizcaína. También en esta ocasión 24 obras, 24 autores, todos ellos artistas por la verdad y la esperanza sobre la trama de las maternidades robadas.

Hasta el 12 de noviembre, el contenido de encontrarte no podía contar con un barco mejor para su travesía. El antaño palacio de los Hormaza es uno de los edificios más antiguos de Santurce, calificado Bien de Interés Cultural y edificado en el siglo XVIII en estilo barroco. Solemne y lleno de historia, no hay que perderse su singular y hermoso escudo esquinero. 

Debido a las circunstancias sanitarias actuales, no podremos organizar una inauguración al uso, habrá que esperar a tiempos mejores. Sin embargo, varios de los artistas de encontrarte asistirán el 23 de octubre por la tarde (a partir de las 19:00 h). Asimismo, estamos valorando la posibilidad de realizar visitas guiadas con los propios autores, de lo cual informaremos puntualmente.

La visita es gratuita y puede realizarse de lunes a sábado de 9:00 a 14:00 y de 18:00 a 21:30 horas en el número 5 de la calle Sabino Arana, Santurce, Bizkaia.

Entrevista a Fernando Alea

Fernando Alea posa con dos de sus obras.
Fernando Alea

Entevista realizada por Abdul Kader Al Khalil para encontrarte.

Hoy me complace entrevistar a mi compañero y amigo Fernando Alea.

1- ¿Qué representa para ti el proyecto de encontrarte?

Creo que es un proyecto de 24 amigos en común para algo verdaderamente importante. El arte da felicidad y en este caso busca justicia.

2- Montmartre es el lugar de culto para los artistas en Paris, ¿Crees que la calle mayor en Medina de Pomar se inspira en París?

Ya me gustaría, y desde luego yo voy a hacer todo lo posible para que así sea, aunque me pongan todas las pegas del mundo, que no es así porque casi siempre cuento con la colaboración de las autoridades y de todo el pueblo. Hablo con conocimiento de causa porque en su tiempo yo fui uno de los que estuvo en Montmartre.

3- Muchos lectores han conocido a Soria leyendo a Antonio Machado, o viceversa. ¿Crees que podemos conocer a Fernando Alea cuando se habla de Medina de Pomar y viceversa?

No tengo ningún interés, yo procuro pasar por la vida intentando ser lo más feliz que pueda y hacer lo que me gusta y en este caso he encontrado el lugar y la gente que me proporciona todo eso.

4- ¿Qué es para ti la naturaleza? ¿Y por qué te sientes atraído por Claude Monet más que por otros?

Siempre me ha gustado Claude Monet, Modigliani y Sorolla, como referentes en mi pintura. Últimamente hice un viaje a París con Alumnos de Marbella y fuimos a casa de Monet en Giverny y quedé fascinado de su jardín. Hice cantidad de fotografías que me han servido para hacer dos exposiciones en honor a él y espero que aún me quede alguna más.

5- Tú sabes que todos los artistas nos sentimos orgullosos de Velázquez, de Goya, de Picasso o de Pedro Berruguete, sin embargo, todos han sido profetas fuera de su tierra, ¿crees que seguimos despreciando el conocido?

Eso es muy normal, o ser reconocido después de muerto, pero un pintor tiene que vivir el gozo de pintar, no importa lo que pase, aunque sí debes ganar lo suficiente como para vivir tú y tu familia honestamente. Yo por lo menos nunca he buscada ni fama ni dinero, me conformo con otras cosas más humanas

6- ¿Crees que los artistas en general estamos unidos? ¿No debemos pedir mayor participación en la cultura?

Yo procuro ser amigo de todos los que conozco y tengo con casi toda una gran unión, la prueba es la cantidad de amigos que han colaborado en el Museo a Cielo Abierto de Medina de pomar. En cuanto a pedir mayor participación en la cultura, yo creo que es el punto flaco de los políticos, no se dan cuenta de lo importante que es para su pueblo tener cultura y educación. Creo que eso colabora a hacer más felices a los pueblos.

7- Entre el ayer y el hoy, qué destacarías del ayer para conservarlo, ¿y qué eliminarías del hoy y que nos sobra?

De ayer no quitaría nada porque hasta las cosas malas que han pasado, han hecho que hoy seamos como somos y estemos en este momento. En todo caso crítico la guerra y matar seres humanos sin ninguna culpa. Hoy quitaría tanta máquina y tanto móvil que nos hace perder el diálogo y el acercamiento a los demás.

8- París es la Meca del arte, ¿No crees que debe ser visitada por todos los artistas, y que recuerdos conservas aun de París?

Paris debe ser visitado por artistas, por relojeros, por carniceros y por ingenieros, es decir por todo el mundo, aunque el Paris que yo conocí en el año 62 del siglo pasado no tiene nada que ver con el Paris actual, mucho más limpio y más cuidado, pero con mucha menos alma y glamour del que yo conocí y del que me enamore.

9- Por último ¿Cuál es el cuadro que te gustaría pintar y aun no has pintado, y que cuadro tuyo consideras que es tu obra maestra?

Me gustaría haber pintado algún rostro de Modigliani, pero yo no creo que tenga ninguna obra maestra, soy un pintor que pinta y mi afán en la vida es vivir feliz y aprobar el minuto a minuto todo el tiempo que esté aquí. Me gustaría dejar un buen recuerdo. Nada más.

CRÓNICA SOBRE LA OBRA DEL ARTISTA

Madre

Hasta la llegada del impresionismo la pintura reproducía escenas de acontecimientos, Los Impresionistas estaban cansados de pasar su tiempo en los estudios, y cansados de pintar interiores, y también de pintar solo figuras humanas o bodegones, necesitaban libertad y no solo de pintar al aire libre que también, además libertad en salirse de lo académico, salirse de la formalidad, y libertad en sus creaciones, obras decididas por ellos mismos, y se centraron en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos y no en la representación exacta, ya que la luz tiende a difuminar los contornos.

La luz es el espíritu del arte y cualquier pintura es una combinación de luz y color. Quien observa las pinturas del artista Fernando Alea, verá claramente el significado de estas cualidades.

El artista Fernando Alea es uno de los mejores artistas del impresionismo. En su trayectoria, representa habilidades teóricas y prácticas en la iluminación del paisaje. Leal al concepto de conseguir una representación del mundo espontaneo. Y parte del análisis de la realidad.  A Fernando Alea no le importa el objeto, sino la variación cromática, los impresionistas eliminaron los detalles minuciosos y han seguido las formas, empleando para ello el azul, amarillo y rojo. Y los complementarios naranja verde y violeta. Consiguieron ofrecer una ilusión de la realidad, aplicando sobre el lienzo pinceladas de color cortas.     

El artista Fernando Alea pone especial atención en la personificación de las flores y jardines importantes para cambiar la iluminación en poco tiempo. Sus ojos dibujan un color verde limpio y con él las cosas simples que pasan en las horas diarias. Vemos su gran interés en el color casado con la luz.  Las primeras luces del impresionismo podemos encontrarlas en Venecia del siglo XVI y en la época del Barroco como en las pinturas de Halls y Velázquez. O en la pintura Inglesa de Constable y de Turner. O en la escuela de Barbizón en las pinturas de Corot.

Varias obras de Fernando Alea

Veo en Fernando Alea un gran interés en mostrar las cosas como si estarían en la atmósfera natural, y sus pinceles dibujan el aire entre una cosa y otra, Notable atención en las pinturas del artista Fernando Alea encarna la brisa que sacude las hierbas. Esta es la ventaja del gran maestro.

El impresionismo en su búsqueda de los nuevos temas, ha llegado a eliminar los temas mitológicos religiosos e históricos. Desaparecen los personajes mitológicos, y tampoco aparecen las escenas idealizadas de los pintores románticos. No dan importancia al detalle sino al conjunto, a la impresión general. Que suscita la realidad en el pensamiento.

El impresionismo vino de la pintura del artista francés Monet, que significa poner colores directamente sobre las telas sin depender de los dibujos, por lo que los colores son claros y limpios.  El color Es el que controla el espectáculo de las luces y sombras, y aquí, también, el artista Fernando nos da una lección útil de esta manera, y nos hace ver el reflejo de las cosas dentro del agua como algo divertido y pintoresco,

Fernando Alea utiliza la luz natural a pesar de que pinta en el interior. En cada una de sus encarnaciones, utiliza la iluminación natural como el artista Monet. Por eso es difícil ver y olvidar a un artista de esta escala. Es uno de los más grandes artistas en su diseño monumental.

Abdul Kader Al Khalil

Entrevista a Sergio Llorente

Sergio Llorente

Entevista realizada por Abdul Kader Al Khalil para encontrarte.

1- ¿Qué representa para ti el proyecto encontrarte y como lo defines?

Para mí el proyecto encontrarte representa la denuncia de unos acontecimientos que nunca tenían que haberse producido y que nunca deberían volver a repetirse. 

encontrarte es la voz de miles de personas representada a través de 24 obras de 24 artistas. 

Yo me siento muy orgulloso de formar parte de este proyecto que utiliza el arte como medio de expresión.

2- Nos complace saber sobre tus creaciones, ¿nos puedes definir tu estilo pictórico?

La verdad es que no sabría muy bien cómo definirlo. Digamos que es un estilo libre, propio, de fusión, que me permite hacer lo que quiero, de la manera que quiero. 

Yo soy autodidacta y he ido explorando la pintura por unos caminos muy íntimos y personales. He trabajado como fotógrafo, he estudiado publicidad, he desarrollado el dibujo, el color…y supongo que este es el resultado.

3- Cuando comienzas una obra, ¿en qué te inspiras?

Si la obra es abstracta, me dejo llevar por mis sentimientos, por mi energía… y voy trabajándola sin saber a dónde voy. Pero si es figurativa, a veces tengo algo en la cabeza y lo voy transformando según la obra me vaya pidiendo. Normalmente cuando empiezo una obra, no sé cómo va a acabar, no es una ciencia exacta. La improvisación es fundamental.

4- Si hablamos del covid 19, ¿de qué modo ha afectado a tu creación? ¿Piensas que ha transformado la manera de hacer arte?

Yo puedo hablar de mi propia experiencia. Supongo que a otros artistas les habrá influido de otra manera. 

En el momento del confinamiento, al no poder comprar materiales para pintar, he tenido que utilizar soportes y materiales que tenía por el estudio y utilizar otros medios como el digital, que ya venía utilizándolo a raíz de la lesión que me obligó a retirarme temporalmente de los pinceles. Y claro, descubres otro mundo lleno de posibilidades. Así que estoy en esa etapa de búsqueda y de exploración.

5- ¿A qué se debe la poca venta en el arte? ¿Acaso el arte es demasiado caro? 

Yo creo que es cuestión de prioridades. Hay arte caro y arte barato, pero desde luego los sueldos no dan más de sí. El paro, la precariedad laboral… no permite a la gente hacer muchos planes e inversiones. 

Una familia media no piensa en comprar arte, por mucho que le guste. No lo valoran como opción. Cada vez se gana menos dinero y hay muchas cosas por pagar. Se accede a aquello que se puede pagar a plazos, la compra, unas vacaciones, o un móvil. Y para decorar su casa, van a una gran superficie y arreglado. 

6- ¿Dónde ha sido tu primera exposición? ¿Y qué tipo de exposiciones te gustan más, las individuales o las colectivas? Si hablamos de los deseos, ¿dónde te gustaría hacer tu próxima exposición?

Mi primera exposición fue en el año 2002 en la Fundación Gregorio Sánchez, en Madrid. 

Respecto a las exposiciones individuales o colectivas, las dos me gustan mucho. Las individuales, que es el modelo que más he llevado a cabo, me gustan porque me permiten proyectar en esos espacios un concepto, y eso es un reto que te hace superarte, porque tienes que tomar tú todas las decisiones. 

Las colectivas, porque como en este caso, estar rodeado de gente tan grande, me hacen sentir mejor de lo que soy. Conocer otros artistas, oírlos hablar de su experiencia, ver sus pinceladas, sus trayectorias, son un respaldo y una experiencia para todos los sentidos. 

Ahora mismo no estoy pensando mucho en exponer. Quiero volver a ello, pero no tengo ninguna prisa y tampoco ninguna preferencia.

Cada sitio aporta algo. Indudablemente una galería o una sala de exposiciones cuida mucho la luz, el espacio, te publicitan, etc. Pero yo he expuesto mucho en bares y la experiencia ha sido muy positiva. Es una forma de acercar el arte a mucha gente que no acude a esas galerías o salas de exposiciones. 

Cualquier lugar resulta interesante si te tratan con respeto. Mi deseo es seguir exponiendo, no me importa mucho donde. El caso es mostrar la obra, pues encerrada en el estudio, solo se llena de polvo y resignación. 

7- El color es como las cuerdas de una guitarra, que nos hacen sentir sensaciones. ¿Qué deseas que transmitan tus colores?

Fuerza, pasión, reflexión, energía, vida. El color es magia. Si no lo trabajas bien el mensaje cambia. Para mí el uso del color es muy importante, pues en él reside la fuerza de lo que hago. Yo no soy un gran dibujante, por lo tanto, el color es mi firma. Cuando alguien ve un cuadro de algún artista y le recuerda a mi obra bien sea por el color o porque no tiene rostro, me alegra mucho, porque veo que le ha calado. 

8- Me gustaría preguntarte en qué momento has decidido ser artista. ¿O es que ha sido desde niño? 

Supongo que se ha ido forjando desde niño. No te levantas un día y dices, voy a ser artista. Desde niño he dibujado y pintado y aunque no he estudiado nada relacionado con la pintura, sí que me ha apasionado tanto, que poco a poco fui profundizando en los materiales, las luces, las sombras, los colores… y así me he ido dedicando a esto. 

No hay un interruptor que conectes o desconectes. Supongo que es una forma de mirar, de sentir, de ver la vida, que nos hace únicos y diferentes. 

9- Generalmente, aparece en tus obras las figuras femeninas. ¿Por qué has tomado esta decisión al ser artista multidisciplinar?

Digamos que es una etapa de mi vida que, como todo, tuvo su comienzo y ha tenido su final. No quiere decir que no vaya a pintar más desnudos femeninos, pero ahora estoy explorando otras posibilidades utilizando otros medios (como he dicho anteriormente), y utilizando otros soportes.

Creo que es importante que haya esa evolución porque si no, nos aburriríamos y aburriríamos a la gente. Creo que lo más importante, es que haya pasión en aquello que se hace, que haya sentimiento. En el momento en que esa pasión pierde su fuelle, buscas otra opción que te vuelva a hacer sentir que estás vivo.

CRÓNICA SOBRE LA OBRA DEL ARTISTA

Tan cerca y tan lejos
Si estuvieras aquí

Desde el comienzo de la historia, el arte ha sido sometido a la lógica de la perspectiva deseando reproducir la realidad visible. Con mayor y mejor acierto ha ocurrido en la pintura desde el siglo XIII, basando sus producciones en la tecnología, la ciencia y la filosofía. La llegada del siglo XX marcóel Inicio de una era artística en la que los artistas buscaban nuevos lenguajes para una nueva era que escapaba de los paisajes naturales y del figurativo clásico. 

El artista Sergio Llorente ama la libertad. Y no se contenta con ir a la estructura de las cosas, quiere ver la verdad escondida bajo la conciencia. Escoge temas tomados del realismo y se parecen a un sueño, en las que no hay contradicciones entre el pasado y el presente. O entre el hoy y mañana.

Nuestro amigo Sergio Llorente desde su iniciación se ha movido en el estilo abstracto y luego ha pasado al figurativo expresivo, y de nuevo se inclina por lo abstracto.  Todos sabemos que el arte figurativo es el arte representacional, es lo contrario al arte abstracto.  Lo figurativo generalmente es lo más entendible por la mayoría de la gente. Pintar imágenes reconocibles, lo que se entiende en el movimiento realismo artístico, con su tendencia personal que elige sus figuras de forma personal y lo entendemos como un estilo idealista. 

En cuando al arte abstracto, se puede afirmar quees un concepto general opuesto al concepto del arte figurativo, que remite lo más esencial del arte, reducido a sus aspectos cromáticos formales. La abstracción acentúa las formas abstrayéndolas, y las pone lejos de la imitación o reproducción. Rechaza cualquier forma de copia, ya que pierde esencia y la conciencia del artista que la ha creado, si esto sucede por otro artista.

El mundo ante ti
Amargura

El artista Sergio Llorente es un pintor autodidacta, lo cual es de aplaudir por el esfuerzo que hace en una época que cuesta mucho al artista hacerse hueco. Merece todo mi respeto y apreciación por este gran esfuerzo, y en su favor le doy lasgracias a los artistas autodidactas que hacen llenar las salas de exposiciones en el mundo, y también,por supuesto,los académicos. Pero no olvidemos que muchos académicos en los últimos años  han obtenido los títulos pero no el título de ser artistas. El artista verdadero es quien produce sin descanso y a pesar de las dificultades,como lo hace Sergio Llorente. No olvidemos que muchos maestros del arte han sido autodidactas: Henri Rousseau, William Blake, Benjamín Palencia, y Antoni Tapies, entre muchos.

Para un pintor, ser abstracto no significa transformar todos los objetos naturales, sino consiste en sacar la luz, las relaciones que existen entre dichos objetos.  Para entender lo abstracto es necesario que contemplemos primero. En la pintura figurativa las modalidades de la representación son la relación con el lenguaje. En esta, las líneas y los colores se articulan para construir unidades significativas que remiten destacamento a la realidad. El referente es el objeto; el nivel de las formas reales son el sistema de referencia. Por otro lado, el abstracto rechaza la representación figurativa, el punto de contacto que tenía la pintura con el lenguaje.

El loco mundo de la cordura
Otoño

El arte abstracto es el arte de la emoción, del sentimiento. Se puede decir quees lo que más se ajusta a la sociedad actual;el arte que sirve para reflejar lo que dice nuestro interior, sin la necesidad de recurrir a las formas del pasado. El abstracto no tiene que ser comprendido para ser valorado, pero también tiene que ser estudiado, pensado y no serel producto de la casualidad. Y, de cualquier manera, si dejamos alo casual ser el protagonista, estamos diciendo que el artista es quien mancha colores y no es el que nace. 

Nunca desaparecerá el arte figurativo, es la esencia del realismo en la historia, y nunca se puede poner puertas al campo, es la libertad. Para mí no existe un estilo bueno o malo, solo existe el arte bien hecho, y cualquier pintura es bella si esta bien hecha, sea en el estilo que sea.  Solo así entiendo el arte. 

Abdul Kader Al Khalil

Otros encuentros: Nistal Mayorga

Pintora aficionada al Ajedrez y Comisaria de nuestra exposición encontrarte. A punto de cumplirse 30 años de su trayectoria, y a raíz de la publicación de varias de sus obras en la revista latina “Peón de Rey”, es ya considerada por muchos como: “la pintora de los ajedrecistas”.

“Para pintar hace falta pasión, y el ajedrez despierta en mi esos sentimientos”

El pasado 1 de septiembre, la popular revista de ajedrez “Peón de Rey” publicaba en su portada dos retratos en acuarela de esta consolidada artista. El actual Campeón del mundo, Carlsen, “face to face” con Nakamura, otro de los mejores jugadores del Top Ten.  

La portada, rememoraba el reciente y emocionante duelo online – “Magnus Carlsen chess Tour”- entre estos dos gigantes de los tableros, que nos ha tenido en vilo a multitud de aficionados y que, sin duda, marcará un antes y un después en la historia de este deporte.

En el interior de la publicación, un amplio reportaje con otras obras de Nistal, pertenecientes a sus colecciones “20 Campeones de Ajedrez” (óleo) – encargo del Centro de Ajedrez Fundación CajaCanarias de Tenerife-, y la más reciente “Miradas de Campeones” (acuarela), con especial protagonismo en las miradas de estos grandes genios, como espejos individuales de sus almas…

En el umbral de sus 30 años con los pinceles y en una época de máximo esplendor artístico para ella, hablamos con esta simpática mujer de cabello trigueño, amiga personal y cuajada artista…

 Sus comienzos en el mundo de la pintura; sus influencias artísticas, su acercamiento al apasionante mundo del ajedrez; sus opiniones sobre el futuro de este deporte y observaciones sobre los grandes jugadores de la historia; su particular visión sobre el proyecto encontrarte…

TODAS esas confesiones y muchas más, compartidas al aroma de un cálido e inolvidable café…

Portada de la revista “Peón de Rey” (septiembre 2020), la única revista especializada en ajedrez de habla hispana. (https://www.peonderey.com/)

 –¿Qué tal Ana? Supongo, que emocionada por esos 30 largos años de trayectoria artística con los pinceles… ¿Qué recuerdos tienes de tus primeros pasos en el difícil camino del arte?

Hola, Ángel, muy bien. Contenta de estar aquí contigo y poder colaborar.

Pues…son emociones encontradas; por un lado, 30 años parecen una eternidad y me hacen sentir muy mayor. Y por otro, se han pasado en un abrir y cerrar de ojos, en un suspiro…

Los recuerdos del comienzo son de ILUSIÓN y FELICIDAD al poder cumplir un sueño que me fascinaba desde niña, poder dedicarle tiempo y estudio…Un montón de horas diarias que siempre sabían a poco…

La artista en sus comienzos (concursos al aire libre…)

-Más de 700 obras a tus espaldas…Casi nada!!¿Cuál es el secreto para que una artista como tú, también excelente peluquera de caballeros -me consta-, haya podido llegar a producir esa ingente cantidad de obras? De todas ellas, cítanos, al menos 3, a las que tengas un especial cariño…

Meterle muchas horas; no hay otro secreto. Como decía Picasso, “la inspiración te tiene que pillar trabajando”, sino no hay manera. Aunque, me considero rápida y bastante certera a la hora de plasmar lo que previamente tengo analizado y decidido.

Para mí, la parte más complicada es esa fase previa y mental. Después, cuando estas a solas delante de la obra, ella misma te va hablando y pidiendo…

Son esos privilegiados momentos de creatividad, en los que parece que el pincel va cobrando vida propia…En mi caso, casi siempre, nocturnos…jejejejeje

 -Me mira y se ríe traviesa, sabe que a mí también me gusta que la luz de la luna guíe mi inspiración-

Recuerdo que, un impás en mi profesión de peluquera de caballeros, me dio la opción de continuar por este camino del arte…

¿Elegir tres? Sería como elegir a un hijo u otro. Cada uno, ocupó su propio pedacito de espacio y tiempo, donde no había nada más importante…TODOS me han hecho crecer; han influido en mi evolución artística.

Otros sois los que deberíais hacer ese ranking…

– Recojo el testigo y selecciono para todos vosotros esos tres cuadros de su prolífera carrera artística que, a mi juicio personal como artista y amigo de la autora, siempre me han parecido más relevantes. Ellos son: “Azkuna Integro “(óleo/ 120x 80 cms ), “ Retrato de Nagore y Roy ” (óleo/ 100  x 70 cms ) y “  El Dorado “ (óleo/  1,50 x 100 cms). Esta última obra, ha sido recientemente seleccionada para la exposición “HOMENAJES”, en conmemoración del 75º Aniversario de la AAV. Actualmente, en la Sala Ondare (Bilbao) –

Breves pinceladas críticas de estas tres obras:
 
-1º/ “El Dorado” (óleo/ 1,50 x100cms). Luminoso escenario de valientes trazos y vertiginosos toques a espátula. Aquí, la “salvaje” y gran fuerza expresiva de esta obra, rinde tributo a una deliberada armonía cromática, con reminiscencias evocadoras del gran pintor inglés Turner…
Ese tormentoso cielo reflejado en el mar, parece representar un inconsciente espejo de la propia artista; donde se proyecta de forma desbocada y apasionada; abandonando voluntariamente el control y las riendas de la razón, para dejarse llevar por la magia del fértil instinto…
 
-2º/ Los retratos de Azkuna y de su música amiga Nagore, suponen dos claros ejemplos de la maestría y el oficio técnico de nuestra artista. En sí mismos, constituyen también dos valientes retos al abordar el difícil género del retrato en formatos de grandes dimensiones; donde cualquier error de perspectiva o proporción resultarían aún más visibles para el exigente espectador.
Pero Nistal, apoyada en la confianza de su innato talento y en su curioso poder de observación, cimenta los pilares de un meticuloso y poderoso dibujo, que ira gradualmente abriendo paso al color…
Soberbia captación de los personajes. Cada uno de ellos, “paseantes” o “hieráticos” en sus particulares y jugosas atmósferas plásticas. Todo está perfectamente ordenado y bien conjugado: la expresión tan característica de Iñaki, el original y personalísimo peinado de Nagore, la expectante mirada canina de Roy…Prueben a mirarlos y a cerrar, por un instante, los ojos…
¿No escuchan los elegantes pasos del considerado “mejor alcalde del mundo” ?,¿no sienten los mágicos acordes de un blues?…

Más información en www.nistalmayorga.eu

Descríbenos tu estilo pictórico… ¿Consideras que en tu pintura existen influencias por parte de algún artista consagrado? ¿De toda la historia universal de la pintura, cuál es tu artista más admirado/a?

Como es natural, he ido evolucionando a lo largo de los años y del oficio conseguido.

Pero exceptuando algún que otro coqueteo con la abstracción, siempre he terminado desembocando en lo figurativo. Eso sí, últimamente, con una paleta ya muy definida, alegre y colorista. Y me gustaría pensar, que con sello propio.

Nunca he sido muy mitómana.  Pero siempre que algo me ha impactado, he tenido la vital curiosidad de saber cómo se hace, y de probar a intentar conseguirlo…

De ahí, la gran variedad de mi obra y que me sienta en un continuo y constante aprendizaje.

¿Referentes? ¡¡Muchos, incontables!!…Todos, tienen algo que admirar y enseñar. Pero hay dos artistas contemporáneos que siempre me han fascinado:  Anselm Kiefer y Lita Cabellut.

-Eres una artista muy polifacética, que trabaja con variedad de técnicas… ¿Con cuál de ellas te sientes más a gusto?

También he tenido mis épocas. He alternado óleo, acuarela y técnicas mixtas…Pero ahora sigo inmersa en un momento en el que la acuarela me da muchas satisfacciones. Con una evolución, de la que soy consciente de manera constante. El retrato en acuarela me tiene conquistada.

El ruso nacionalizado francés, Alexander Alekhine (acuarela 30,5 x 30,5 cms), 5º Campeón Mundial de la historia del ajedrez. / El soviético Letón Mijail Tal (acuarela, 30,5 x 30,5 cms) 8º Campeón Mundial de la historia del ajedrez.

En tu carrera, llegan ahora importantes frutos y, curiosamente, de la mano de un deporte como el ajedrez…Cuéntanos, ¿de qué forma llega el ajedrez a tu vida? ¿Por qué sientes la necesidad de convertirlo en motivo de inspiración?

Como han llegado la mayoría de las cosas interesantes a mi vida: con una predisposición innata y un cóctel  mágico de casualidad, causalidad y suerte.

Para pintar hace falta ilusión y pasión, y el ajedrez despierta en mis esos sentimientos.

Además, de unas enormes ganas de trabajar y estudiar.

En el caso de las biografías de los campeones, esa curiosidad produce en mí una energía difícil de explicar…Y esa inspiración, me hace sentir PLENA.

Sabrina Vega, actual Campeona de España de Ajedrez, posando con dos retratos al óleo de “Las Imprescindibles femeninas”, Maya Chiburdanidze y Judit Polgar.
En el Centro de Ajedrez Fundación CajaCanarias, con su amigo y GM Internacional de ajedrez, Jose Luis Fernández García. Al fondo, dos de sus retratos de la Colección “20 Campeones” (óleo), Steinitz y Lasker.

-El ajedrez está considerado un deporte- ciencia, y muchos consideran que también tiene connotaciones artísticas. ¿Estás de acuerdo con esta definición? Como buena aficionada que eres, ¿dónde podemos encontrar arte en el ajedrez?

 Si, completamente de acuerdo.

Podemos encontrar arte en la belleza y la armonía que se consigue con algunas combinaciones o series de jugadas. De hecho, después de su cálculo o estudio, ya surge esa mágica creatividad; muy similar al placer inmenso, etéreo e intenso, a la altura de otras artes convencionales.

Cuando llegas a ser consciente de las infinitas probabilidades que te ofrecen los trebejos (piezas) en los escaques, sientes que ese mental desafío parece no tener fin…

 Y todo eso, es muy artístico, atemporal y reconfortante hasta la plenitud.

Obras publicadas en páginas interiores de “Peón de Rey”. A la izquierda, la artista entregando una acuarela de la virgen a Su Santidad el Papa Francisco, durante su visita al Vaticano (agosto 2019) y formando parte de una representación de AVIDNA (Asociación de Víctimas contra la Impunidad de las Desapariciones Infantiles en el Ámbito Nacional), de la que es secretaria técnica.

-Recientemente, la revista “Peón de Rey “ha publicado en su portada y entre sus páginas varias de tus obras… ¿De qué forma piensas que esta importante noticia podría afectar a tu vida profesional?,¿te ves en un futuro inmediato exclusivamente especializada en el retrato y con este tema deportivo de fondo?

Sinceramente, espero que SI. Que afecte de forma positiva. Sobre todo, de cara a que mis obras puedan exponerse en torneos o competiciones; como un complemento artístico, que, a la vez, ayude a plasmar la Historia del Ajedrez.

Para mí, ha sido un gran honor que aparezcan en este escaparate tan importante y único.

Y gracias a ello, poder ser así visibles por tantos aficionados.

No, no me veo. En exclusiva, creo que NUNCA. Me apasiona el tema y siento que mi pintura se ha enriquecido mucho al crear y ver crecer a mis colecciones. Pero me siento tan curiosa y creativa, que en mi cabeza rebosan nuevas ideas en todo momento.

-Hablemos ahora de tus dos colecciones sobre campeones, “20 Campeones del mundo “(óleo) y “Miradas de campeones” (acuarela)… ¿Como ha sido el proceso de trabajo de cada una de ellas? ¿Cómo te gustaría promocionarlas (Instituciones, clubes, jugadores particulares, federaciones…)?

La primera de ellas, los Campeones al óleo, fueron por encargo y como un reto conmigo misma. Era algo original y novedoso, encargado por el Centro de Ajedrez Fundación CajaCanarias.

Además de los 20 Campeones mundiales, también pinté a cuatro jugadoras internacionales imprescindibles y a los cuatro jugadores más representativos de Canarias. Sin embargo, los 20 Campeones en acuarela, fueron creados durante el confinamiento. Totalmente trabajados por y para mí. Y  ahora, me gustaría mostrarlos y exponerlos en todos los formatos posibles, y difundir sus imágenes sin llegar a desprenderme de ellos (Colección particular de la artista).

Imagen mosaico de su colección “20 Campeones de Ajedrez” (Acuarela/ 30,5 x 30,5 cms), titulada “Miradas de Campeones” (Colección particular de la artista). / Imagen mosaico de su colección “20 Campeones de Ajedrez” (óleo/ 47 x 42 cms). Actualmente en el Centro Cultural de Ajedrez Fundación CajaCanarias (Tenerife).

-A parte de estas dos colecciones, ¿qué otros proyectos relacionados con este deporte contemplas de cara al futuro?

A la vez, tengo nuevas ideas de otras colecciones similares que ya he comenzado a desarrollar como: “Los imprescindibles actuales “, e “Inmortales de todos los tiempos”.

-Probemos tu olfato ajedrecístico… ¿Ves a Carlsen siendo campeón del mundo dentro de 5 años?, ¿quién crees que podría arrebatarle su trono?

No sé si precisamente dentro de cinco años. Pero, desde luego, no creo que nadie le arrebate su corona a corto plazo. Podrían ganarle esporádicamente alguna partida, cualquiera de los Top Ten del Ranking…So, Nakamura…, o cualquiera de los que rondan actualmente los 2800 de ELO. Pero de ahí a arrebatarle a Carlsen su trono, por ahora, lo veo impensable…

Creo que, por eso, he comenzado ya las nuevas colecciones…jejejjjj -sonríe con mirada pícara-. El 21 Campeón del mundo, todavía tardaremos en verlo…

Con el actual Campeón del mundo de Ajedrez, el noruego Magnus Carlsen. IX Final de Maestros (Teatro Campos Elíseos, Bilbao – 2016).

-Artísticamente hablando, ¿te ha resultado fructífero el pasado confinamiento?

MUCHO. De hecho, intenté crear mi propio mundo dentro de esta horrible pandemia. Y eso, incluía mi satisfacción personal cada vez que terminaba un retrato y comenzaba otro nuevo.

Volver a estudiar a los Campeones para esta segunda colección, sin distracciones externas por la propia situación, fue realmente placentero y muy fructífero.

-Aunque natural de León, eres una artista residente en Bilbao y que ha desarrollado toda su carrera en esta tierra … ¿Te imaginas el mundo del arte del Pais Vasco sin el Guggenheim?

Para nada. Gracias a él, somos referentes en el mundo entero. Eso, sin olvidar a nuestro apasionante Museo de Bellas Artes, que lo complementa junto a otros espacios maravillosos que también tenemos la suerte de tener en Bilbao… Pero el Guggenheim es ya INSUSTITUIBLE.

-No podíamos terminar esta entrevista sin mencionar tu importante labor en el proyecto de las maternidades robadas encontrarte… ¿Qué representa para ti este reivindicativo proyecto artístico?

TODO, con mayúsculas. Es una lucha personal en la que llevo activa más de 8 años, porque busco a mi hermana Lourdes, robada al nacer hace ya 53 años.

Es algo que me ha hecho madurar profundamente como persona y como artista. Y que me está dando la posibilidad de VISIBILIZAR, desde este artístico escaparate, la causa de miles de familias.

Ser el nexo de estos 24 artistas plásticos, unidos al resto de colaboradores que contribuís con vuestro desinteresado esfuerzo desde otros ámbitos, me hace sentir orgullosa y agradecida de este ilusionante camino que estamos recorriendo. Eso sí, siempre DESDE LA ESPERANZA…

Presentación del catálogo encontrarte al Lehendakari, Iñigo Urkullu. Premios René Cassin de Derechos Humanos. (Vitoria 2019).

Termina la entrevista… Nistal -Ana, para mí- lanza un suspiro. Contemplo en sus ojos un atisbo de emoción:  dos vibrantes lágrimas a punto de estallar y acariciar sus mejillas. Como siempre, me ha resultado un grato placer hablar con ella, “beber” de ese aúreo oasis del que tantas cosas tenemos en común…

Con su amigo y autor de esta entrevista, el artista Ángel Momoitio, posando con mascarillas de la AAV, colectivo al que ambos pertenecen y del cual Nistal es Adjunta a la Presidencia.

Madre coraje, apasionada ajedrecista, artista de fluidos e impulsivos trazos, esposa de cariños largos -como ella acostumbra a decir-, amiga de sus muchos amigos, y yo destacaría algo más: coleccionista de bondades humanas…¡¡Como si no, podría haberse embarcado en esta solidaria aventura de encontrarte!!

No olvidemos que ella, junto a nuestro admirado y ausente Roberto Zalbidea -también apasionado del ajedrez-, fueron los creadores de este sueño, convertido ya en auténtica realidad; los artífices de este solidario proyecto que camina guiado por la universal brújula del ARTE…

Brindando con su difunto amigo, el pintor y también gran aficionado al ajedrez, Roberto Zalbidea.

En representación de todos los que componemos este colectivo, ¡¡GRACIASSSS!!, AMIGA.  

Por esta agradable entrevista; por tus palabras siempre transparentes y hambrientas de ilusión. Por el cautivador alimento espiritual que nos regala tu pintura, sembrada de sinceridad, pureza y humilde oficio.

Y, sobre todo, por tu incansable lucha en defensa de la MATERNIDAD y la VERDAD de la vida…   

¡¡SIGAMOS CAMINANDO!!

Ángel MOMOITIO GARCÍA

(Directiva encontrarte )

“Homenajes”: Exposición 75º aniversario de la Asociación Artística Vizcaína

La Asociación Artística Vizcaína ha organizado una exposición para celebrar su 75 aniversario, así como para recordar a uno de sus presidentes y alma mater durante los últimos años, Roberto Zalbidea. Podemos disfrutar ocho obras de este maestro en la muestra, además de un retrato. Asimismo, cinco de los artistas de encontrarte han tenido el privilegio de participar con una pintura cada uno: José Ramón Muro Pereg, Viky Taboada, Enrique López Suárez, Fuensanta R. Urien y Nistal Mayorga. De esta manera, se suman a la veintena de pintores que firman estos 33 cuadros.

Gabriel Rodrigo, Gonzalo Olabarria, Kepa Odriozola y José Ramón López, presidente de la Asociación Artística Vizcaína
La pintora Viky Taboada al lado de su cuadro, con los hijos de Roberto de Zalbidea, Bobby y Eva

Sin inauguración oficial dada la situación sanitaria actual, la AAV mostraba este pasado 23 de septiembre las obras escogidas en la Sala Ondare de Bilbao. Tres cuartos de siglo nos contemplan desde aquel 9 de mayo de 1945 en el que se creaba la primera asociación cultural de Bizkaia con sede en su capital. Desde entonces y hasta el día de hoy ha estado muy presente en la vida artística y cultural de Bizkaia, siendo reconocida por su aportación con La Pluma de Oro concedida por la Diputación Foral de este territorio histórico. Cuenta con pintores, rapsodas y poetas, además de un amplio número de socios amantes del arte, entre los cuales figuran artistas de destacado prestigio.

Gabriel Rodrigo, Loly Rubio (vicepresidenta de la AAV), Nistal Mayorga y Jose Ramón López (presidente de la AAV)
El artista Richard al lado de su obra

La exposición puede verse hasta el 21 de noviembre en la Sala Ondare (María Díaz de Haro, 11 – Bilbao) de lunes a sábado de 10:00 a 14:00 y de 17:00 a 20:30 h, y con acceso gratuito. Si estás interesado en el catálogo de esta exposición, puedes pedirla en aavizcaina@gmail.com.

El pintor Enrique López Suárez con su obra
El pintor José Ramón Muro Pereg con la vicepresidenta de la AAV Loly Rubio

Entrevista a Jon Mao

Jon Mao

Entrevista realizada por Abdul Kader Al Khalil para encontrarte

Hoy tengo el honor de entrevistar al compañero Jon Mao

1 – ¿Qué representa para ti el proyecto encontrarte?

Este proyecto artístico da voz a una situación tremendamente injusta y terrible que es el robo de bebés, el arrancar a unos padres la vida de su hijo, haciendo negocio con esta vida arrancada con engaños para ofrecérselas a familias que aceptan esta horrible transacción me hiela el alma.

Participar en esta denuncia colectiva, como es encontrarte, en la que coincidimos numerosos pintores para dar este grito a la sociedad y a las instituciones y que pongan su atención en este problemática me hizo ver y entender que el arte puede ser un arma muy poderosa para denunciar y dar a conocer estos hechos tan dramáticos.

2 –¿Cuáles son los temas que te gustan más para pintar?

Mis inquietudes y mis gustos han ido cambiando con el tiempo, con lo aprendido y con lo vivido.

En estos momentos me atrae mucho el ser humano: su relación con el otro, su comportamiento como grupo, como sociedad y todas las variables que estos grupos humanos me van sugiriendo, ubicándolos en escenarios de una naturaleza desbocada o en ciudades de arquitecturas oníricas.

La soledad inherente al ser humano o los conflictos que conlleva la búsqueda de la propia libertad son temas que me fascinan en estos momentos.

3 – ¿Trabajas solo con un cuadro o tal vez con varias pinturas a la vez? ¿Y por qué?

A veces, por no decir casi siempre, haces lo que puedes y no lo que quieres, es decir: me gusta centrarme en una obra y acabarla, pero no suele ser tan sencillo. Los encargos, las nuevas ideas o proyectos que te proponen, te roban tiempo para centrarte exclusivamente en una obra.

Esto he aprendido a valorarlo, puesto que el pensar en otras historias más o menos parecidas a lo que estoy trabajando te limpian la mente y te aclaran la mirada, lo que te permite volver a al cuadro con una energía renovada.

4 – En tu estilo hay influencias del realismo de Caravaggio, o de la época barroca. Si estoy en lo cierto, ¿qué te atrae más de esta época?

He estudiado a los grandes maestros barrocos, buscando no la simple reproducción de sus obras, sino los procedimientos, pasos y técnicas pictóricas con las que ejecutaban sus cuadros. Si en mis obras se percibe la influencia de estos maestros se debe a la realización de estos estudios.

Mis influencias van desde la Grecia Clásica hasta el realismo mágico de Peter Doig, pasando por pintores románticos, impresionistas, metafísicos, surrealistas… cualquier periodo del arte puede ser una fuente en la que beber.

5 – ¿Qué es lo más difícil de pintar para ti?

El retrato es para mi entender de una complejidad suma, el reproducir a la persona físicamente puede resultar una empresa ardua; las texturas de la piel, sus brillos, sus tonos variables en función de la luz que reciba…  pero captar los sentimientos, la esencia o mejor dicho el alma, ir más allá de la forma del retratado me resulta fascinante y tremendamente difícil.

6 –¿Qué aconsejarías a los que se están iniciando en la pintura?

Si lo que buscan es aprender a pintar, aconsejaría que busquen un buen profesor, que les enseñe tanto a dibujar como a pintar, que aprendan a matizar los colores, que se informen o estudien la historia del arte, desde sus comienzos en la prehistoria hasta el artista contemporáneo. Que vean mucho arte (literatura, arquitectura, cine, música…) que no tengan prejuicios ni ideas preconcebidas y sobre todo, que disfruten.

7 – Tus obras prometen y te representan como un gran artista, como Velázquez, Rembrandt, o Caravaggio entre otros. ¿A quién te gustaría parecerte?

Me alaga la pregunta y la afirmación que en ella viene por tu parte, pero en realidad no busco parecerme a nadie. Que se vean influencias de grandes pintores en mis obras me parece maravilloso, pero espero que sea debido a la interiorización de su pintura en mí, más que al hecho de querer imitarlos.

8 –Si me permites hacerte una pregunta sobre tus últimas murales, ¿cómo puedes usar el fino pincel en el estudio y la brocha gorda a veces, y luego  crear murales con otros materiales. ¿Con qué estilo te sientes a gusto?

En mis pinturas, me gusta plantearlas de una manera global, abarcar toda su superficie y valorar las dinámicas que se van creando, el encaje de las formas contra el fondo, el movimiento de las figuras en la escena, el preparar las texturas y desarrollar las luces, las sombras y las zonas de transición. Estas acciones me gusta llevarlas a cabo de una manera gestual y ágil, para esto un pincel grande, una brocha, un trapo, las manos… todo vale si te dan mayor libertad.

9 –¿Nos podrías decir cómo preparas tus obras, y qué proyectos tienes en mente para este otoño próximo?

En estos últimos años estoy utilizando mucho el boceto, me ayuda a plantear de una manera tangible la idea que quiero formar en el lienzo, a concretar lo que ronda por mi cabeza y darle forma.

Redescubrir el dibujo a plumilla, utilizar pigmentos directamente sobre  lienzo o pintar con guas sobre papel me permite valorar si lo que estoy imaginando en mi mente se ajusta a lo que va ocurriendo en el boceto.

Cuando la imagen del boceto creado me convence empiezo a pensar en el tamaño del lienzo y preparar su superficie,  ajustándolo a la imagen para comenzar a pintar y a partir de aquí sería una historia demasiado larga para contarlo en esta entrevista.

Los proyectos artísticos que estoy preparando para este otoño pueden ser muy importantes para mí y espero con todas mis fuerzas que salga hacia delante, pero debido a que son proyectos y no realidades debo callar y no decir mucho más.

CRÓNICA SOBRE LA OBRA DEL ARTISTA

Algunas obras de Jon Mao

“Si queréis ver el dolor ved mis obras.”

Frida Kahlo

Y yo digo:

“Si quieres ver lo humano lo encontrarás en las obras de Jon Mao.

Dijeron hace tiempo que Caravaggio es el Rembrandt italiano. Creo yo que Jon Mao puede ser el futuro Caravaggio español.

Jon Mao pinta desde la emoción y sus obras provocan sentimientos en su uso del color, en la luz y en el movimiento. Estas normas son las que definen sus trabajos pictóricos. La luz difuminada en sus trabajos y notoria con naturalidad. Pinceladas sueltas y empleadas con mucha perfección. Cuando trabaja las figuras, se dedica a plasmar el carácter general de sus personajes.

Hay un dicho del pintor italiano Caravaggio que dice: *No deben solo mirar a mis cuadros, sino que deben sentirlos.” Así veo las obras de nuestro compañero Jon Mao Luengo. Son bellas para mirar, pero son muy bellas para sentirlas. No retrata solo los humanos, y no solo retrata figuras, también retrata sentimientos y retrata emociones.

Hubo en todas las épocas pintores realistas que han sido grandes artistas, no por haber pintado la realidad, sino porque se la han interpretado. Cuando preguntan a Velázquez por qué no imita a los grandes artistas de entonces, les contesta: “Prefiero ser el primero en mi estilo, aunque no guste a muchos, a ser el segundo en otros estilos.” Es cierto que Jon Mao es un artista realista, admira los grandes artistas de todas las épocas y en especial los del renacimiento. Conoce sus trabajos y les admira, pero no veo que los imita en ningún tema. Sin embargo, no puede ser un artista realista y pintar sus obras en forma abstracta. Y no olvidemos que los espíritus pueden tener influencias, aunque pase mucho tiempo, lejos de imitarles o hacer lo mismo.  La iluminación en la obra de Jon Mao se centra en el personaje con fondo oscuro que aísla al personaje.

Jon posee un gran conocimiento de la temática de la figura, mezclada con elementos históricos, filosóficos, y reflexiones. Pintura personal y original.

Comencé mi relato citando una reflexión de una gran artista como lo era Frida, ya que se considera una gran artista del realismo mágico, porque en estos jardines se nutren las obras del artista Jon Mao, en el realismo mágico. Y entre estos grandes están Antonio López y Jon Mao, entre otros.

El término “realismo mágico” fue ideado por Roh en Alemania, un crítico de arte que acuñó este término para esta disciplina en una exposición. También se denominó “nueva objetividad”, aunque la denominación tuvo origen en Italia a manos de Massimo Bontempelli, hacia 1926.

Decía Rembrandt: “Una pintura sin una atmósfera en la pintura no es nada”. Las obras de Jon Mao son creadas en una atmósfera personalizada, en atmósferas ambientales que marcan la profundidad, la perspectiva y el paso de los años, no solo lo natural, sino lo histórico. Basta mirar sus obras para darse cuenta de que es un artista muy preparado, muy culto en la materia y pose una gran cultura visual. Cuando vemos sus obras nos recuerdan a muchos grandes artistas. Mis palabras no son halagos hacía Jon Mao, son verdades: merece estar entre los grandes.

Abdul Kader Al Khalil

El Museo Rialia homenajea a Zalbidea con una retrospectiva

En más de una ocasión hemos hablado en este blog sobre la figura del gran pintor Roberto Zalbidea, un hombre sin cuya visión encontrarte ni siquiera hubiera nacido. Es, por lo tanto, nuestro ideólogo y nuestro precursor. Podríamos decir más incluso, es el padre de encontrarte. Por eso y por su calidad artística, aplaudimos la exposición que el Museo Rialia de Portugalete le está dedicando durante estos días. Se trata de una retrospectiva con 21 obras entre pinturas, esculturas, dibujos y maquetas. Una de ellas es su última tela que dejó inconclusa y que debe verse con gafas 3D. Un bonito paseo para conocer la evolución creativa del Maestro, desde sus comienzos hasta sus últimas inquietudes.

La Ría fue la aportación portugaluja al proceso de industrialización de la comarca. Así, Rialia Museo de la Industria se constituye como un centro histórico-artístico que pretende recuperar y difundir los vestigios de nuestro pasado industrial.
El museo ocupa un edificio que comenzó a construirse en 1993. Tras pasar por distintas fases y proyectos, se inauguró el 31 de enero de 2006. Hoy acoge un equipamiento museístico y cultural en cuatro plantas que aspira a convertirse en un referente de la comarca y la Margen Izquierda.


Exposición “Zalbidea”
Del 8 de septiembre al 22 de noviembre de 2020
Museo Rialia: Avenida La Canilla s/n – Portugalete (Bizkaia)


Horario:
Martes a sábado de 10:00 a 14:00 y de 16:00 a 19:00 horas.
Domingo: de 10:00 a 14:00 h.
Lunes cerrado

Varias de las obras que se pueden ver en la exposición

Entrevista a Amaya Fernández Fariza

Amaya Fariza

Entrevista realizada por Abdul Kader Al Khalil para encontrarte.

1- ¿Qué representa para ti el proyecto encontrarte?

Es una oportunidad que me brindó el gran artista Roberto Zalbidea para “Encontrarme” con unos compañeros que deseaban expresar con sus pinceles la injusticia de las maternidades robadas. Me pareció una buena idea ya que, sin tener cerca casos, he sentido que es una causa que se tiene que visibilizar, aunque sea mediante el arte y hacer un reconocimiento de tod@s aquellos que perdieron a sus bebés de una manera tan injusta.

2- Decía Picasso: “El arte es la otra manera de escribir los recuerdos”. ¿En qué medida esto es cierto para ti?

Pues puede que la expresión de la pintura o de cualquier disciplina artística esté intrínsecamente unida a los recuerdos. Yo siempre que realizo una obra siento que tengo que expresar aquello que siento que tengo que contar. Y mis recuerdos juegan un papel importante. Es parte de mi vida y cuando expreso algo salen; al final es una muestra de mi pensamiento y mis vivencias. Los significados de mis obras denotan mi experiencia interior y lo demuestro con una forma de expresión realista. Se reconoce el mundo cotidiano que me rodea en mis obras.

3- En tu trayectoria como artista has sido premiada en varias ocasiones, ¿en qué medida te han marcado los premios?

Para mí el mejor premio es conectar con el público y que este reconozca mi obra. Me siento premiada cuando en una exposición alguien se fija en los detalles de alguno de mis cuadros, cuando alguien se para y mira… Los premios en mi caso no han sido muy relevantes, pero sí una forma de reconocimiento. He resultado finalista en muchos certámenes, pero demasiados premios no he tenido. No asisto a concursos de pintura rápida porque no es mi forma más completa para trabajar, me gusta la intimidad. Y sí, en alguna ocasión me presento a algún certamen.

4- ¿Cuál es la mayor dificultad que has encontrado para compaginar el arte con la vida familiar?

He pintado desde niña y nunca dudé que yo tenía que estudiar Bellas Artes. Me pasaba horas dibujando, esto ha formado siempre parte de mi vida. Cuando me casé y tuve a mis tres hijas hice un paréntesis y estuve unos años con poco contacto con la pintura. Su cuidado y atención eran primordiales. Me perdí años de expansión en mi carrera artística y no exponía en ningún sitio porque no producía obra. Antes de esto tuve experiencias agradables de apreciación del público y en los años 90 tuve la suerte de producir mucho. Después de mi paréntesis, retomé la actividad y mis obras se volvieron más humanistas, me ha influido mucho la presencia de mis hijas en mi vida.

5- Si pudieras cambiar algo en beneficio del arte de hoy, ¿qué cambiarías?

Como concepción del arte en general cambiaría el sistema de mercado. No me gusta la invasión de obras inútiles y sin talento. No me gusta la propagación de objetos sinsentido que se ven en las ferias de arte, no me gusta que se adoctrine a la gente que una bolsa de basura es arte por encontrarse en una reconocida sala. Soy defensora del arte con calidad, con trabajo, con pensamiento, tiene que ser algo que se explique por si solo y no necesite discurso; el buen arte se puede reconocer sin que nadie te facilite un documento explicativo.

6- Como directora artística de una Galería de Arte que has sido y has organizado exposiciones, ¿nos podrías decir por qué tipo de arte se interesa el público?

El público es el que debe valorar la obra de arte. Se ha extendido la idea de que hay “unos expertos “ que saben mucho y que dictan las normas de lo que es válido y lo que no. Yo reconozco el trabajo y el público en general, lo sabe ver. Los estilos artísticos varían desde el hiperrealismo que, si está bien ejecutado, causa un gran impacto, a las expresiones más abstractas o expresionismos tanto figurativos como abstractos o geométricos o con simbología… Cuando una obra está estructurada y transmite algo, el espectador queda enganchado y no duda en adquirirla si su bolsillo se lo permite. Luego está la trayectoria… A la gente le interesa mucho saber algo sobre el artista.

7- Comprendo que en los tiempos actuales hacer una pregunta así parece encasillarte, pero ¿por qué las mujeres artistas han estado en el olvido?

En todos los ámbitos han estado relegadas. Hay muy pocas mujeres reconocidas como artistas universales antes del siglo XX. La sensibilidad creativa era la misma pero la sociedad no. Ellas tenían que dedicarse a tareas más cotidianas y familiares. Hoy en día, la mayoría de los artistas reconocidos y con prestigio siguen siendo hombres, como pasa en el mundo de la cocina. No es que no haya muy buenas artistas, es que generalmente están en segunda fila. Yo me encontré con las propietarias de una sala en la que exponía en los años 90 que me decían que los clientes recelaban a la hora de ver un nombre femenino al adquirir una obra, y yo empecé a firmar con mi apellido.

8- ¿Crees que el éxito y la fama son los que hacen al artista?

Todo cuenta. Hay currículum muy hinchados y adulterados ya que muchos artistas se encuentran con muchos problemas para exponer en galerías y tienen que financiar su promoción en el arte. Solo gente con trayectoria, premios, reconocimiento y una supuesta garantía de calidad y ventas tiene la suerte de ser la elegida. En el mundo actual las galerías compiten con internet y quedan pocas. El buen artista sale, solo debe buscar los caminos adecuados de proyección.  

9- En el arte siempre culpamos a los demás cuando no vendemos. Como galerista que has sido, ¿crees que el artista es libre de culpas?

El artista se queja porque no vende y es lógico. Pero no creo que le eche la culpa a nadie. Hay muchos pintores y mucha competencia. Las galerías tiene problemas porque los sistemas de ventas han cambiado y ya no se atreven a apostar por artistas muy reconocidos porque estos tienen sus canales de venta aparte de la galería y esta corre demasiado riesgo. Hay muchos gastos y actualmente muchas desaparecen porque no se pueden mantener. El mundo de la digitalización ha quitado espacio al arte de verdad. Hay gente que prefiere comprarse un lienzo impreso con una foto y pagar poco o litografías… Aun así queda gente que aprecia un buen cuadro o una buena escultura y compra.

CRÓNICA SOBRE LA OBRA DE LA ARTISTA

“Buscando”
“Sin rumbo”

Las obras de Amaya Fernández Fariza son pinturas de estilo impresionista. Se ocupa de incluir retratos basados en el dibujo y de especial realismo, conservadora del arte oficial, donde da importancia a la línea y al color. Fiel al arte académico como tendencia, es academicismo como calificativo. Las obras de Fariza son auténtica recopilación de cuantos rasgos definen el realismo. El arte que tiene la grandeza en tener semejanza con la realidad, pinturas que alcanzan gran nitidez y gama de matices que se iguala a la realidad. Se concentra en los temas sociales y fundamentalmente en observar y plasmar lo más bello y lo que lo acompaña. Temas con precisión y objetividad, se aleja de lo mitológico y toma las cosas más corrientes. 

Amaya Fernández Fariza es nacida en Bilbao y licenciada en Bellas Artes. Admirada por sus temas del Impresionismo y en el Realismo puro en sus pinturas de figuras humanas. Se aprecian los tonos fríos en el colorido y los verdes aparecen en una amplia gama; la variación del color es visible en los suelos, en el césped y en las figuras que consagra en el interior del paisaje. Los paisajes que aquí exhibe son muestra de su audaz concepción que rebasan el impresionismo. Sobresale su mensaje en referencia a la vida y por la renovación continua. Lo plasma en la naturaleza o en las figuras humanas que transmiten juventud y vida.

En sus obras observo su preocupación en lo humano, en el mensaje del amor a la vida, en la juventud como los herederos de nuestra era. Fiel al detalle, se ocupa de los rasgos especiales y su meta no es la belleza sino la verdad. Usa su amplia imaginación y su habilidad para diseñar sus escenas en armonía. Es el arte depurado, Influenciado por el romanticismo con el mejor tratamiento de la luz. Es la cultura estética. Sus obras inspiran temas humanistas, familia, amor y cariño.

“En el jardín”
“En el árbol”
“El punto de mira”

En las obras de Amaya Fernández Fariza hay un perfecto dominio del pincel en los trabajos del paisaje. Y sus composiciones nos muestran sus profundos conocimientos de la anatomía y de la esencia del género humano. Lo representa en escenas de la vida cotidiana y esto se convierte en protagonista. Se preocupa por la mujer, la parte más importante en cualquier sociedad, que casi siempre está olvidada. No podemos hablar de la vida dejando la mitad de la realidad sin contar. 

El arte realista se define como una forma de expresión en que se retienen las impresiones, es el arte que puede explicarse por su contenido natural y sus obras son testigos de la verdad. No es extraño que surja este estilo pictórico después de la revolución francesa de 1848, cuando el arte abandona los temas políticos y se concentra en los temas sociales. Pero aún estamos lejos de conseguir la igualdad y gracias a la lucha de grandes intelectuales y artistas como Fariza, nos recuerdan que todavía hay mucho por que luchar y debemos seguir el camino.

Fariza, es una gran artista, trabaja en silencio, ama el arte por el arte y por la cultura. Es una artista de finísima educación y moderna en todas las manifestaciones de su obra.

Abdul Kader Al Khalil

Entrevista a Teresa Ahedo

Teresa Ahedo

Entrevista realizada por Abdul Kader Al Khalil para encontrarte.

1-¿Qué representa para ti el proyecto encontrarte?

Dar a conocer la desaparición de niños robados. Un problema denunciado puntualmente en la sociedad de Bilbao, pero presente en el mundo. Un ataque directo al derecho humano del niño y la madre, ocultado siempre por estatutos sociales de alto nivel económico, civil y religioso. 

2- El arte como tú sabes es personal, lo que gusta a unos, no gusta a otros. ¿Cómo ves la crítica negativa?

La crítica negativa es necesaria y positiva, siempre que no hiera los sentimientos del artista. El artista enriquece su seguridad de creación y de este enriquecimiento nace la reflexión necesaria para el convencimiento de crear.

3- Muchas de tus obras residen en importantes museos, ¿crees que los museos hacen todo lo que pueden por el arte actual?

No. Los museos exponen las obras de pintores seleccionados por críticos de arte, pero en muchos estudios descansan verdaderas obras de arte, no reconocidas y con merecimiento de estar presentes en paredes de museos.

4- Algunos dicen: el arte y el matrimonio no deben habitar bajo el mismo techo. ¿Qué opinas de esto?

Yo soy mujer casada y madre. Es difícil complementar el papel de esposa, madre, y artista. Supone un esfuerzo añadido a la vida que de por si exige esfuerzos. Es necesario un verdadero amor al arte y una voluntad férrea para mantener la disciplina del estudio y mirar a la vez el papel de esposa y madre. Yo escribí: “dónde vas Teresa, camino de berberechos, con tanto peso en el pecho que no puedes con él, Teresa.”

5- ¿Cuáles son tus artistas preferidos? ¿Te sientes influenciada por alguno en particular?

Es indudable que hay artistas ídolos; Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel, Rafael, Goya, Dalí, Kandinsky, etc. Me siento identificada con la pintura de Goya, le considero grande.

6- ¿Crees que el arte está en peligro? ¿Y cómo ves su futuro?

No lo veo en peligro, es el respirar del ser humano. Todos llevamos dentro ese artista que te hace llorar con una poesía o te transporta a un cielo de luces infinitas con la música o te sientas en un museo mirando la belleza. Estamos dando nombre de arte a una línea comercial que exista o no, no dejara de existir el concepto de arte. Es una palabra espiritual que articula amor y vida tiene parte de oficio y parte de alma. Su futuro es incierto e inseguro como veo el mundo entero. El hombre en las cavernas fue capaz de crear, en las guerras es capaz de amar, en este mundo incierto, estoy completamente segura que encontrará la paz interior y la caricia necesaria en el arte.

7- Cada persona célebre ha tenido que pagar un precio, como estar distante o que sus semejantes le hayan tenido celos. ¿Has pagado tú de algún modo este peaje?

En absoluto, me he sentido querida y apoyada por mis compañeros, el respeto y el cariño ha sido el paso que marcó mi camino.

8- ¿En qué estilo pictórico trazas tus obras, o tu estilo es totalmente particular?

He marcado de una manera sencilla tres etapas en mi recorrido pictórico. Realismo, Impresionismo y hace 30 años una situación personal me llevó al Expresionismo. Llené el estudio de bocetos estudiando la desapropiación, entendí que el concepto de la belleza no era sino un recuerdo romántico e infantil en mi vida, discurrieron ante mis carpetas mujeres y mujeres … Una fauna de mujeres uniformes en su diafanidad y precisión a la hora de dibujar; las abracé y fui con ellas directamente al lienzo.

CRÓNICA SOBRE LA OBRA DE LA ARTISTA

Varias de las obras de Teresa Ahedo

La artista Teresa Ahedo establece una relación compleja entre el realismo y el expresionismo.  Y crea una competencia entre las dos, a pesar de que se alimentan entre si en muchas ocasiones.

Varían las matizaciones entre sus maestros como la objetividad de Courbet, la simplificación de Daumier, pasando por el idealismo de Mollet.

Siempre ha sido atrayente conocer la vida de aquellos que pueden expresar su forma de ver el mundo a través de los pinceles que plasman temas con bellos colores realizando cuadros al óleo, con acuarelas o con acrílicos, entre otros. Viendo las pinturas de Teresa Ahedo nos permite conocer algo más sobre la artista. No es fácil incluir toda su trayectoria en solo una crónica, ni mucho menos: en este caso es solo una representación de la obra de Teresa y, de esta forma, poder dar algo de luz sobre su obra. El ser artista por si solo es muy grande y tiene más mérito siendo mujer, madre y esposa. He de ser honesto y decir que las mujeres artistas lo han tenido muy difícil en la vida y gracias a su lucha han colaborado en la revolución del mundo y han obtenido parte de sus derechos con méritos propios.

No descubro nada si digo que la artista Teresa se inclina por el expresionismo pictórico y busca la pura realidad disfrazada en forma subjetiva. Ya que la misión del expresionismo se centra en captar los sentimientos del ser humano, como la angustia existencial, la decepción, el terror, la miseria, la soledad, el dolor… y potenciar las emociones.  La artista Teresa se preocupa en representar los sentimientos, de interpretar la realidad y dar rienda suelta a la libertad, especialmente en el uso de los colores, creando imágenes poderosas.

El expresionismo es el representante de los temas sociales en el mundo real y describe generalmente la maldad de la guerra. Un movimiento artístico que vio la luz en Alemania y se maduró entre las dos guerras. Han alcanzado mucha fama sus autores artistas como Kandinsky, Edgar Münch, Van Gogh, Frida Kahlo entre otros.

La artista Teresa Ahedo intenta ocupar el lugar que se merece en el mundo del arte; es una mujer valiente cuando se trata de crear obras cercanas a la mujer. En sus obras noto una lucha heredada de otras mujeres artistas del presente o del pasado. Grandes mujeres del arte, como lo hace nuestra compañera Teresa. Durante los siglos pasados, también hubo grandes mujeres artistas. Sin embargo, no han sido nombradas y pocos críticos se han preocupado de darlas a conocer como ellas lo merecen. Muchas mujeres artistas han sacrificado sus vidas trabajando codo con codo con sus parejas pintores. A ellos damos la fama y a ellas las dejamos en el olvido. En las obras de Tereso veo su expresión particular y de recordar su esfuerzo en hablar de la mujer. ¿Cómo no?  Hasta hoy en día se cuestionan los derechos de la mujer.

Antes de los años 60 del siglo pasado nunca se habló de las mujeres artistas y los críticos se ocuparon de ellos y nada sobre ellas. Artistas de la talla de Camille Claudel, esposa de Rodin, Lee Kastner, esposa de Pollock, Gabriele de Monter, esposa de Kandinsky, Sophie Teuler, esposa de Jean Arp, Frida Kahlo, mujer de Rivera. Ellas son artistas y han creado tantas obras como ellos. Pero de ellas poco se supo antes de los 70. Por no hablar de las artistas del renacimiento que son casi desconocidas, como Sofonisba  Anguissola, Lucia Anguissola, Rosalba Carriera o Lucrina Fetti , Artemisia Gentileschi y muchas más.

En mi opinión: creo que Teresa Ahedo nos muestra en su obra la lucha contra la injustica que ha maltratado a la mujer. Y en estas obras recrea estas luchas del pasado. Aunque en apariencia se notan influencias del artista Fernando Botero, como al retratar mujeres con cierto volumen. Creo que es su método y su símbolo de representar la grandeza de la mujer y afirma que la belleza no tiene nada que ver con los kilos.

Abdul Kader Al Khalil