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Entrevista a José Ramón Muro Pereg

José Ramón Muro Pereg

Entrevista realizada por Abdul Kader Al Khalil para encontrarte.

1- Una pregunta de obligada norma. ¿Qué representó para ti el proyecto encontrarte? 

Ante todo, una oportunidad de visibilizar y denunciar mediante la pintura una causa sobre una injusticia como es la de los bebes robados después de su nacimiento y la separación de sus madres. Pocas veces nos encontramos ante un hecho tan claro que debemos denunciar y podemos hacerlo mediante el arte pictórico. Por otro lado, ha sido muy gratificante el hecho de participar y conocer a otros artistas unidos por la misma causa, con diferentes técnicas y diferentes formas de ver la realidad a través de la pintura, pero unidos por un mismo proyecto.

2- Como artista de mucho recorrido, ¿qué valor otorga la paciencia del pintor?

Me parece fundamental, al menos en mi caso. La observación a la hora de escoger un tema es muy importante y posteriormente como afrontarlo, depende mucho de la paciencia. Creo que tenemos una tendencia predestinada hacia un cierto estilo, por nuestra formación, nuestros genes y nuestro estilo de vida y la paciencia es una de esas características que te pueden encauzar en uno u otro estilo. No pintamos como queremos sino como sentimos con nuestras influencias de vida.

3- ¿Si no te hubieras dedicado al arte, en que oficio estarías ahora?

En realidad, mi principal profesión ha sido durante muchos años la de ingeniero. En el año 1985 realice mi primera exposición en solitario en la Galería Arteta de Bilbao. Esta exposición fue exitosa y vendí gran porcentaje de las obras, a pesar de ello quedé endeudado con la Galería, además de no recibir ninguna compensación económica por las obras vendidas. De esta forma mi primera experiencia expositiva fue muy negativa en el sentido económico y me di cuenta que no iba a ser mi principal medio de subsistencia.

Nunca dejé de pintar y mantuve algunos encargos, pero mi principal profesión ha estado en la industria y durante varias décadas la pintura ha tenido que estar en un segundo plano, hasta que en un momento determinado tuve la necesidad de volcarme de nuevo, reencontrarme con la pintura y dar rienda suelta a la creatividad que necesitaba expresar.

4- Cuando ves las obras de otros artistas y su forma de trabajar, ¿crees que aún puedes aprender algo?

Siempre estamos aprendiendo y es muy importante gestionar bien los cambios y estar siempre motivado para la mejora continua, aprendiendo de todos los pintores, de sus estilos, de sus técnicas y de sus herramientas, siempre hay algo que aprender de cada pintor.

En los últimos cinco años he asistido a workshops de varios pintores españoles reconocidos actualmente, Modesto Trigo, Carmen Mansilla y Alejandro Carpintero, diferentes técnicas y diferentes estilos y grandes pintores actuales, de cada uno de ellos siempre he aprendido en multitud de detalles.

5- ¿Qué ves en los automóviles como obras de arte?

Como comentaba anteriormente, somos en parte dependientes de nuestro bagaje y mi formación técnica y mi carrera industrial en ingenierías de diseño de empresas de automoción y aeronáutica del País Vasco hacen que una de mis pasiones sean los automóviles, cuyo diseño tiene mucho de artístico, sobre todo los automóviles clásicos. Por otro lado, el dibujo técnico y la perspectiva, influyen decisivamente en mis obras. En este caso busco en diferentes eventos obtener una foto generada como una pintura, es decir, con el encuadre, la perspectiva y los reflejos que sea la base para una posterior obra.

6- Los Hiperrealistas desean mejorar la realidad, incluso superar la fotografía. ¿En qué podemos diferenciar aquí entre la fotografía y la pintura Hiperrealista?

En realidad, no me considero Hiperrealista ya que estos pintores realizan un dibujo muy meticuloso y fotográfico de sus pinturas. Un buen amigo definio en una ocasión mis pinturas como “en la frontera del Hiperrealismo”, y estoy de acuerdo con esta definición.

Si ves una de mis pinturas de cerca, son realistas, pero no tienen un detalle muy marcado. Pero sí me gusta alcanzar una apariencia realista por el color o el tono tan cercano a la realidad, que da esa sensación de hiperrealismo. Por otro lado, muchas de mis obras son collages, con bocetos formados por distintas escenas o personajes mezclados en la misma imagen y por lo tanto gestionar sus luces, sombras y perspectivas resulta complicado para encajarlo todo en un conjunto compacto y realista.

7- ¿Qué ideas sobre la realidad has extraído a través de tus obras?

La principal idea es que la realidad es efímera, por eso pintas solo un instante, donde las luces y las sombras alcanzan un determinado conjunto armónico que debemos retener antes de que cambie. Otras artes audiovisuales me acompañan desde la juventud, la fotografía, el cine amateur y eso me ha influido en la forma de ver la realidad. Me gustan mucho los reflejos, la mayoría de mis cuadros los contemplan y es una forma de ver más allá de la superficie reflejada. Es como si duplicáramos el espacio del lienzo, porque estamos viendo directamente un sujeto e indirectamente la escena reflejada.

8- ¿Qué retos planteas tocar después de que ya eres un consagrado artista?

La verdad es que cuesta encontrar nuevos proyectos. Actualmente no pinto si no tengo una idea muy clara que me llene. Creo que es el momento más complicado, cuando estas diseñando lo que vas a hacer, tener clara la idea y tener ganas de realizarlo o tener un mensaje que queremos plasmar en el lienzo. Una vez que tienes clara la idea, el desarrollo de la obra es algo más mecánico y es aplicar los conocimientos adquiridos.

Por otro lado, hoy en día existen espacios virtuales que dan a conocer tu obra por todo el mundo y amplía los horizontes expositivos, por eso participo en varias galerías on-line internacionales y es donde me muevo actualmente, además de participar en concursos y revistas de arte.

9- ¿Cómo describirías tu trabajo y qué consejos puedes dar a los demás que están a medio camino?

Describiría mi trabajo como realista claramente, de contrastes con luces y sombras, con colorido y con alguna tendencia hacia el Pop-Art.

Como consejo para otros pintores, además de formarte adecuadamente, conocer diversas técnicas y herramientas, es importante saber dibujar y entrenar el dibujo una y otra vez. Luego, creo que lo más importante es seguir tu propio camino y hacer lo que sientes en lugar de seguir tendencias pictóricas de moda.

CRÓNICA SOBRE LA OBRA DE JOSÉ RAMÓN MURO PEREG

«Desencuentro forzado» de José Ramón Muro Pereg para encontrarte

Decir José Ramón Muro Pereg es decir realismo y hablar del realismo es hablar de todo el arte después del siglo XVIII. Incluso el de antes. Como tal obtuvo ese nombre en el siglo XIX y también hay que retratar que hay muchos realismos en el mismo tema: Realismo moderno, Naturalismo, Realismo y fotografía, Realismo Épico, Realismo Político, Hiperrealismo, Realismo Mágico, Realismo social, Realismo socialista y otros realismos en Europa y América.

Hablar de la pintura que realiza el artista José Ramón es presenciar a un artista consagrado, un artista que está muy adentrado más allá de tres fronteras: el realismo, el hiperrealismo por sus detalles, y  el mágico en la belleza, por lo que transmite en sus pinturas. No cabe duda de que estamos ante un artista especial.

«Surfeando hacia la luna» (134 x 100 cm) de José Ramón Muro Pereg

La única fuente de inspiración en el realismo es la realidad. Y la única belleza válida proviene de la realidad. Mientras desde el punto de vista ideológico el realismo queda vinculado a lo social y a las clases más desfavorecidas después de la revolución industrial, aunque los pintores realistas defienden una pintura sin argumentos. Simplemente de la realidad. Y se basan en representar la imagen sin desarrollo narrativo.

El arte realista es el arte objetivo, tanto el artista como la persona que observa dicha obra. Por lo tanto, carece de cualquier conclusión idealista o cualquier forma de embellecimiento.  El realismo pictórico del artista José Ramón Muro Pereg es la mejor forma de conocer la realidad, es una forma de expresión en que resisten las impresiones básicas de la realidad, además de relatar e interpretar la realidad que se esconde debajo de las apariencias de las cosas. El arte realista, se considera aquel estilo de arte que intenta representar y exponer temas que estén conformes. Para una muestra, mirar cualquier obra del artista José Ramón. Es decir, este estilo de arte representa obras en las cuales sus contenidos pueden explicarse por causas naturales.

En las palabras del artista José Ramón encuentro la manera de amar el arte y la manera de aprender, la observación del tema antes de ejecutar el trabajo sobre el lienzo, el reconocerse a si mismo que es de otra profesión y que la pintura es una pasión. Por eso digo: “Ojalá que muchos titulados del arte tengan esta gran pasión.”    

«Sueños» (116 x 89 cm) de José Ramón Muro Pereg

Ocasionalmente se escuchan comentarios como que el hiperrealismo no es arte, que carece de valor creativo. Quizás es muy difícil criticar estas obras y por ello dicen que es un arte sin valor. Para mí no es el arte el que carece de valor, sino el no saber que el talento se tiene o no se tiene y no se puede aprender. Mucho talento es lo que posee José Ramón.

Existen cientos de miles de artistas que logran profundizar en su conocimiento del dibujo y la pintura, pero son pocos los que logran el dominio de la técnica y se dan el lujo de crear cosas maravillosas como las que hace nuestro compañero José Ramón Muro Pereg.

«David en el garaje» (130 x 97 cm) de José Ramón Muro Pereg

El superrealismo se inició en 1960 en Estados Unidos. Y de allí vino con el nombre foto-realismo: se trata de copiar la realidad tal como es, mientras que en el Realismo mágico se tiende a mejorar la realidad, incluso mejorar los fallos que existen en la fotografía. Intenta suplir el vacío de contenido artístico con un mensaje más trascendental. No todos lo consiguen, esta misma aspiración de reproducir lo real tiende a exigir niveles de detalle y exactitud que refuercen el efecto de realidad. Y puede emplearse en la representación de temas y figuras fantásticas. 

En la obra del artista José Ramón Muro Pereg se aprecia el movimiento, dejando a un lado la belleza, y el concentrarse en la vida. Cuenta y describe los detalles meditadamente. Asimismo, consigue las expresiones de los sentimientos más íntimos y la consagración de la luz y posee un lenguaje sofisticado.

Abdul Kader Al Khalil

عبد القادر الخليل

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Entrevista a Viky Taboada

Viky Taboada junto a su obra «Criando un vacío» para encontrarte

Entrevista realizada por Abdul Kader Al Khalil para encontrarte.

1-La primera pregunta es de obligado cumplimiento: ¿qué representó para ti el proyecto encontrarte? 

Ana Belén González me habló de la idea y, posteriormente, Roberto Zalbidea me dijo que contaba con mis pinceles para formar parte del proyecto. No tuve que pensarlo demasiado y supuso, inicialmente, un nuevo impulso. Este proyecto me llegó en un momento especial por problemas de salud y era un motivo para volver a arrancar de nuevo. Pero al introducirme más en él y conocer las historias de primera mano, que hasta ese momento solo conocía por la prensa, me sentí unida con el proyecto y con las personas que, considero, han vivido una crueldad sin límites. Por ello, supone orgullo poder participar en este proyecto, que creo que tiene mucho poder ya que creo que lo que se escucha enseguida se olvida, pero lo que se ve siempre impacta algo más.


2- Solo con ver tus obras por primera vez, comprendí tu admiración por la belleza de Bizkaia. ¿Cómo nació esta pasión?  

A lo largo de los años he pasado por distintas etapas; desde paisajes, flores o naturalezas, pasando por bodegones y figuras hasta llegar al mar. Pero realmente, nuestras costas y las de nuestros vecinos y, sobre todo, la ría actual y pasada es un tema que me atrapó. La ría es un elemento que ha definido la historia del Gran Bilbao, el cual es inconcebible sin ella, es una puerta al pasado y una mirada al futuro. Lo pinto y cuando acabo un cuadro ya me está esperando otro. El tema es inagotable ya que puede expresar diferentes cosas por su riqueza. 

3- Haciendo un repaso por tus obras encuentro en ellas aromas y olores del óxido. ¿A que se debe? 

Para mí, el óxido es la pátina del tiempo, el tiempo que marca mi vida. Y es una pátina familiar, vinculada a mí, porque es la pátina de los astilleros donde trabajaba mi padre y hermano, la pátina y el olor de los paseos por la ría. El óxido está lleno de matices, igual que mi vida. 

4- Nos ha impresionado tu obra “Criando un Vacío” donde representas el comercio no deseado. ¿Cómo te vino la idea? 

La obra es una denuncia en tono de pregunta y en la que se representan los culpables y los afectados. Sin tapujos. Nada es al azar en la obra. Los tonos fueron escogidos, fríos, para enfatizar la dureza del tema. Y el formato peculiar, utilizando el lienzo en dirección de rombo, apoya la perspectiva de la composición. 

Respecto al tema, está centrado en una historia concreta que pude conocer cuando nos presentaron el proyecto. Una madre nos explicó cómo le entregaron el cuerpo de su bebé, teóricamente muerto, en una caja de zapatos. Esta historia me impactó profundamente y por eso quise denunciarlo en mi obra. Los médicos tienen toda mi admiración porque son quienes nos curan en el cuerpo, pero por desgracia, como en todas partes, hay manzanas podridas y hay que denunciarlo. Por eso está plasmado en el cuadro, al igual que otros cómplices que aparecen en la obra. Además, en primer plano presté la imagen de mis propias hijas para representar a esas madres que no han podido criar y disfrutar de la vida de sus hijos, sujetando siluetas de bebés vacíos. 

5- ¿Qué recuerdas de tus inicios en la pintura? ¿Has tenido el apoyo necesario de los tuyos? 

Creo que he dibujado y pintado siempre. No podría diferenciar entre mis recuerdos cuáles fueron los inicios, es algo que siempre ha estado ahí, desde muy pequeña. Ha sido parte de mí. Por ello, fue una fácil decisión realizar los estudios en diseño de modas, donde pude formarme en diferentes técnicas que fueron ampliando mi aprendizaje, formándome en las bases del dibujo y color. 

He sido afortunada en cuanto al apoyo. Mis padres me apoyaron siempre y respetaron mi elección, algo que en esos años tal vez no fuera tan sencillo. Pero así fue, lo cual les agradezco enormemente. Más tarde mi marido e hijas se convirtieron en mis cómplices y tenemos recuerdos de aventuras preciosas en torno a la pintura y las exposiciones. 

6- Según mi visión, encuentro en tus obras un modo de reciclaje histórico y lo conviertes en algo del futuro. ¿Qué piensas de eso? 

No me planteo el marco temporal de las obras. Tampoco el futuro de mi pintura. Si algo he aprendido de esta pandemia es vivir al día, aunque sea de una manera digna. Es lo mismo que deseo para mi obra, pero sin plantearse demasiado qué se ha hecho, o dejado de hacer. Es cierto que utilizar pigmentos naturales y texturas con barnices mezclados por mí, en vez de usar mezclas comerciales, han dado un sello personal a mi obra, pero ha sido una decisión artística y no temporal. 

7- Es claro que posees vocación por la pintura y eres fiel a tu estilo, pero si te piden por encargo hacer algo diferente y de otro estilo, ¿lo harías? 

Siempre he pintado lo que el momento y el ánimo me han inspirado, pero es cierto que he tenido épocas con muchos encargos, sobre todo de retratos. También he hecho restauraciones, trabajos manuales y he dado clases en mi estudio y en centros oficiales. Por tanto, me veo como una artista muy polivalente, así que no he rechazado lo que me llegaba; más teniendo en cuenta que los encargos me han dado libertad económica para mantener mi estudio. Por otro lado, la persona que te encarga un trabajo conoce tu estilo y trayectoria y, por tanto, aunque inicialmente sea algo teóricamente diferente y te condicione ligeramente, siempre tiene tu toque. En cualquier caso, por desgracia, poco hay que plantearse sobre los encargos ya que cada vez escasean más con las crisis que se encadenan y que afectan fuertemente al arte. 

8- ¿Qué medidas impondrías para superar la crisis del arte? 

Es una pregunta compleja. Es natural pensar que hay necesidades más básicas y urgentes. Pero también es verdad que hay poca voluntad ya que el arte está considerado un artículo de lujo y ese es el peor error que se puede cometer. Debería de haber un cambio de paradigma para inculcar a los jóvenes el amor por el arte y acercarlo a la sociedad para comprender que el arte es uno de los valores más importantes de una cultura y una sociedad y que si se pierde, perdemos parte de la historia y la evolución humana. Sobre acciones más concretas, por supuesto, sería no grabar el arte con un impuesto tan alto. Por tanto, educación y menos impuestos, serían dos acciones a tener muy en cuenta para ayudar a la crisis del arte. 

9- Supongamos que puedes amar a dos comunidades por igual, y querrías poner en un cuadro las dos, por ejemplo, Galicia y Euskadi. ¿Qué pintarías? 

Sencillo, ya que no tengo que suponer, porque amo ambas comunidades. Galicia me vio nacer y ha sido una parte importante de mi vida. Euskadi es mi historia, donde he crecido y evolucionado como persona. En parte mis obras no son solo el sitio que se representan en un principio, sino que se evocan también recuerdos y experiencias de vida. Por ello, ambas comunidades están representadas. Cualquier paisaje marítimo son ambas tierras, culturas y personas. Cualquier obra que represente personas o naturaleza, son ambas, porque ambas me hacen a mí. 

CRÓNICA SOBRE LA OBRA DE VIKY TABOADA

«Criando un vacío» de Viky Taboada para encontrarte

Me complace tratar en esta crónica de hoy la trayectoria de una buena pintora como lo es Viky Taboada, mi amiga y compañera de exposiciones colectivas hace muchos años.

La obra de Vicky se puede clasificar en dos estilos pictóricos y a la vez se pueden encontrar en su obra dos influencias ambientales. En la técnica su pintura se manifiesta en lo Figurativo y en el Impresionismo. En cuanto a lo que describe su obra, hay que decir que es Impresionista en el ambiente histórico de Bizkaia, y figurista en lo social y humano.

Pinturas de Viky Taboada

La pintura Figurativa es aquella donde las imágenes que vemos en la obra son reconocibles. Son distinguibles: personas, animales, paisajes, objetos. De todo lo que define este estilo, la artista Viky plasma en sus pinturas paisajes de Bizkaia, en ambos lados del Nervión, los astilleros de Altos Hornos, el palacio de la Música, el museo Guggenheim y las aguas de la ría en su recorrido hacia el mar.

Esas figuras pueden estar deformadas, exageradas, simplificadas, e incluso utilizadas de manera simbólica, donde representan otra cosa diferente de la que vemos. Pero mientras distinguimos una figura, se trata de arte Figurativo. Lo Figurativo se entiende fundamentalmente en relación por su opuesto a lo Abstracto (en realidad, hasta la aparición del arte Abstracto en el siglo XX, no existía la definición de arte Figurativo porque no tenía sentido. Todo el arte era Figurativo)

Una selección del trabajo de Viky Taboada

Mientras, el Impresionismo se caracteriza por su presente experimentación con la iluminación. El manejo de la luz se considera un factor crucial para alcanzar belleza y balance en la pintura. Los cuadros impresionistas se construyen técnicamente a partir de manchas de colores, las cuales actúan como puntos de una policromía más amplia, Por ello, al observar sus obras es necesario mantener cierta distancia dejando así que aparezcan las luces, figuras y sombras. La aparición del Impresionismo ocurre como consecuencia de un gran cambio social; suceden una serie de transformaciones sociales: la revolución industrial como la primera causa. Y de estos paisajes industriales nos ofrece la artista Viky Taboada obras de los astilleros donde recuerda a sus familiares cuando trabajaban allí. Las manchas más bellas en sus obras impresionistas son las del óxido, el color que fue lo más notable del paisaje vizcaíno durante muchos años. Y Viky Taboada trata al óxido como pátina del tiempo, la pátina de los recuerdos,   

El estilo del Impresionismo se considera la ruptura con las normas clásicas en busca de un arte más moderno. En la obra de la artista Viky (“Criando un vacío”), que presentó para el proyecto encontrarte también vemos una gran ruptura, es la ruptura al silencio. Una obra realista donde retrata los culpables que han causado mucho dolor y mucha tristeza. Los describe sin tapujos, sin ambigüedades y sin miedo. No deja nada hecho por la casualidad o por el azar, más bien plasma una escena de lo que ha sucedido en la realidad. El Impresionismo abre los ojos del espectador a la técnica y también a la variedad  y a la captura de paisajes cotidianos vistos desde las imaginaciones de las perspectivas. Los colores son puros y poco mezclados.

Obra de Viky Taboada

El primero de los recursos pictóricos más destacados de la pintura Impresionista es la pincelada más gruesa y corta. La artista capta la esencia del movimiento, dejando a un lado los detalles, para crear sensaciones de profundidad.

Y para terminar, he de decir que la pintora Viky Taboada pinta lo que siente, porque posee una gran cultura visual y mucho conocimiento sobre el tema. No se preocupa de ser la primera o la mejor, pero sí en hacer lo que siente y lo que le gusta. En mi parecer veo que estudia profundamente el tema en su mente y después deja toda la libertad a sus pinceles, guiados por el sentimiento. Estas son cualidades especiales de los pintores valientes.

Abdul Kader Al Khalil

عبد القادر الخليل

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Entrevista a Paola de Miguel

Paola de Miguel junto a su obra «Vínculos perdidos» para encontrarte

Entrevista realizada por Abdul Kader Al Khalil para encontrarte.

Para mí es un placer entrevistar a una artista de la talla de Paola, compañera en encontrarte.

1-Hola Paola, ¿nos podrías explicar que representó para ti el proyecto de encontrarte?

Hola Abdul. Siempre me he sentido identificada con la problemática de la injusticia y la desigualdad, y a menudo me he cuestionado el porqué de tales conductas en la sociedad. Cuando me propusieron formar parte del proyecto encontrarte, participar me permitió expresar a través de mi obra la problemática en la que se encuentran muchas mujeres en muchos ámbitos de sus vidas. Un tema trágico como el que trata encontrarte, la comercialización y sustracción de niños robados, me ha dado la oportunidad de sensibilizar a la sociedad del sufrimiento de tantas mujeres y sus familias y aportar un “granito de arena” como apoyo a esta noble causa, donde toda ayuda es poca. Desearía que este hecho haya servido para refrescar y dar continuidad a la ayuda a estas familias, tan necesaria y que tanto consuelo y apoyo necesitan.

2-Para llegar a tu nivel en el arte, ¿crees que es suficiente el aprendizaje, aunque no se tenga vocación, o no basta el aprendizaje si no que se nace desde pequeño?

El arte ha sido y es una necesidad en mi vida. Nunca he tenido que tomar la decisión de ser artista, por lo que entiendo que es una premisa importante para dedicarte a este mundo. En mi caso, se trata de un tema vocacional. Sin embargo, contar con vocación no es condición suficiente para ser artista. Para ser un buen profesional; alcanzar un adecuado desarrollo en diferentes disciplinas y una alta calidad en el desarrollo de la técnica, es necesaria la formación continuada con constancia y autoexigencia para poder desarrollar un alto potencial.

La vocación, desde mi punto de vista, aporta esa magia interior que permite construir un trabajo diferencial, único, especial y complicado de reproducir, que te descubre un camino propio en el desarrollo personal. Desde temprana edad, mis padres fomentaron en mí la creatividad, me facilitaron poder trabajar en diferentes áreas artísticas, me enseñaron a disfrutar de la naturaleza y apreciar los pequeños detalles que forman parte de nuestro entorno. Todo ello, ha enriquecido mi desarrollo perceptivo y emocional.

Como conclusión, una buena base técnica en la preparación del artista es indispensable. Pero lo que te dará un carácter diferencial es la búsqueda de tu propio camino, que te lleve a conseguir tu pleno desarrollo y tu crecimiento vocacional.

3-¿Cuánto tiempo sueles tardar en pintar un cuadro? ¿Y cómo es el proceso de convertir la realidad en símbolos?

Depende de la técnica que utilice, del tema a tratar y de lo que quiera expresar con la obra. Por lo general, hago un estudio previo y lo plasmo con pinceladas rápidas y decididas.
Considero que la importancia de la obra realmente no está en el tiempo de desarrollo; sino más bien, en el resultado que te propones alcanzar.
La constancia y el trabajo te permite generar un proceso mental en desarrollo. Cuando comienzas a formarte, te preocupas en ser un buen dibujante, delimitar contornos, usar sombras y generar expresiones. Posteriormente, las inquietudes por progresar te generan la búsqueda de un propio camino e intentas pintar lo que no existe. Cambias la forma de interpretar a través de símbolos, produciéndose un fenómeno de sustitución de los elementos representados, situándolos a un nivel más profundo que la propia forma representada.

4-¿Qué es para ti el surrealismo y como ves el desarrollo del surrealismo en Euskadi?

El surrealismo representa un movimiento que apuesta por la expresión espontánea y desinhibida del pensamiento, buscando sobrepasar los límites de la imaginación, de la realidad que se imponían en el arte en ese momento. Intenta hacer que la realidad parezca absurda, en un mundo fantástico y onírico.

Hoy en día, las corrientes en Euskadi han evolucionado y nos muestran unas posibilidades de llegar al público diferentes. El panorama artístico difiere mucho de lo que un día fue. La posibilidad de viajar, de conocer nuevas culturas y la incidencia de nuevas corrientes internacionales, han sido significativas para generar un cambio a un arte más moderno y contemporáneo. En Euskadi esas corrientes se han introducido poco a poco, con un contenido actual y renovador, e intentando promover nuevas propuestas.

5-Cuando pintas, ¿te alejas de la realidad y das rienda suelta al sentimiento, o más bien estudias el trabajo antes de comenzar?

En la mayoría de mis obras, trato de potenciar la creatividad y la imaginación plasmando sentimientos internos.

En el estudio previo de la obra, investigo sobre la diversidad de cuestiones que pueden incidir en su desarrollo. Los bocetos suelen ser ,en algunos casos, un fiel reflejo de la obra final. Aunque muchas veces, incorporo innovaciones espontáneas a las que me conduce la obra en el momento de ejecutarla.

En otras ocasiones, la espontaneidad despierta en mi fantasía e imaginación más libre e impulsiva.

6-¿Qué papel han tenido en tu formación los museos? ¿Y cómo influye Galicia en tu pintura?

La educación familiar en mi infancia ha ido siempre acompañada, entre otras, de visitas a museos, salas de arte y monumentos, hecho muy determinante en mi andadura artística. Asímismo, en mis viajes no dejo de visitar la riqueza artística del país. Una gran aportación para el desarrollo de mi creatividad. Como referente, la Feria de Arco Madrid, una de las citas a la que acudo todos los años y me aporta una visión de las nuevas tendencias.

Con respecto a tu segunda pregunta, Galicia, como sabes, es mi ciudad natal por parte materna, pero desde muy joven he residido en Bizkaia. Este hecho, hace que mi influencia artística provenga del País Vasco, donde me he criado, formado, relacionado con pintores y galerías, y donde ejerzo actualmente mi profesión. Sin embargo, mantengo un contacto estrecho con Galicia y la visito a menudo. Allí, he realizado algunas exposiciones. Siempre me parece enriquecedor observar los movimientos de vanguardia gallegos.

7-¿Alguna vez has comenzado una obra y no la has podido acabar?

Efectivamente, en muchas ocasiones he dejado obras sin terminar por mi autoexigencia con el resultado. Y en otras, son pruebas de pura investigación.

8-¿Interfieren las salas de exposiciones en tu estilo y si te pidieran que cambies les harías caso?

Las salas de exposiciones no interfieren en mi estilo; cada artista es único y su obra representa su personalidad. Las galerías son piezas indispensables para el artista; ya que, nos permiten una estabilidad y visibilidad de nuestra obra en el mercado, a través de espacios físicos y virtuales. La imagen que quiere proyectar el galerista es diferente en cada caso y tienen claro qué tendencia quieren representar. Por consiguiente, si un galerista decide exponer tu obra es porque encaja en su perfil.

9-¿Qué papel otorgas a los críticos de arte?

Los críticos de arte tienen una importante responsabilidad, porque su ejecución exige un alto nivel de conocimiento sobre arte y cultura; una alta responsabilidad, imparcialidad y estar capacitado para realizar una opinión de valor. Por ello, tener en cuenta su opinión aportará opciones de desarrollo.

Parece que su influencia en el mercado se ha ido mermando por la baja difusión en los medios. Aunque pienso, que siguen manteniendo una alta relevancia en el círculo del arte y sectores especializados. Por otro lado, hay que tener en cuenta el desarrollo de las nuevas tecnologías, que apuntan a una nueva revolución.

CRÓNICA SOBRE LA OBRA DE PAOLA DE MIGUEL SÁNCHEZ

«Vínculos perdidos» de Paola de Miguel para encontrarte

Hablar de Paola de Miguel, es hacer referencia a un estilo pictórico que representa la realidad convertida en magia, después de un proceso largo y de una manera diferente. Es hablar del surrealismo que nos lleva a la reflexión y la realidad en un nivel subconsciente, donde las reglas desaparecen y todo puede pasar. 

Desde Brotón hasta Dalí, y desde entonces hasta hoy, muchísimos artistas han sido surrealistas en sus creaciones; unos en forma total y otros de forma parcial. Encontramos la mayor fidelidad al surrealismo en las obras de Max Ernst, Dalí, Man Ray, Miró, Chirico y Magritte, entre otros. El surrealismo propone una teoría de lo irracional como medio para cambiar la vida, la sociedad y el arte. Y tiene como base teórica la interpretación de los sueños.

Pinturas de Paola de Miguel

Nuestra compañera Paola, intenta encontrar la inspiración en su mente, en ella misma; es decir: intenta olvidar todo pensamiento lógico o racional;  ya que, en este estilo de arte la realidad no nos ayuda para poder representar una nueva obra con una distinta expectativa. Es por ello, por lo que no representa temas que hablen de experiencias pasadas, de objetos, de cambios, entre otras cosas. Su objetivo principal es representar la realidad que no ven los demás; es decir: una realidad que está en el inconsciente o los sueños. Es por esto, por lo que el arte surrealista es uno de los estilos más difíciles de comprender.

En este movimiento siempre hablamos de los hombres surrealistas, mientras se olvida hablar de muchas buenas pintoras surrealistas. Las mujeres surrealistas contribuyeron a este movimiento en aspectos tales como el estilo narrativo con conciencia feminista; ya que, desde el ámbito artístico, consiguieron reflejar en sus obras la relación entre la ciencia y el arte, buscando revelar el orden interno del mundo fantástico tomado de sus experiencias personales; buscando lo racional en el mundo de la fantasía, la naturaleza, la alquimia, lo sobrenatural, unido a la mujer como fuente de sensibilidad y poderes regenerativos. Así, encontramos las obras de Remedios Varo, una de sus representantes, como Eileen Forrester Agar (1899-1991) de Argentina. Y la Belga Rachel Baes (1912-1983) que era del grupo de René Magrite. También, la británica Leonora Carrington (1917-2011), compañera de Max Ernst. Además, la artista argentina Leonor Fini (1907 -1996), o la mexicana Frida Kahlo y Paola de Miguel.

Una muestra de la obra de Paola de Miguel Sánchez

Paola mezcla objetos, sentimientos y conceptos que la razón mantiene separados, apareciendo asociaciones libres e inesperadas palabras, metáforas insólitas e imágenes. Para conseguir esa finalidad de liberar al ser humano de las represiones personales y sociales, se vale de una serie de técnicas para buscar la libertad de creación.

En sus creaciones plásticas, parte de que la forma es considerada el motivo central y el concepto es clave. Por lo tanto, se considera que las formas siempre transmiten valores éticos. En consecuencia, desde el surrealismo se quiere hacer ver que detrás de cada uno de los conceptos formales básicos existe una visión del mundo, una concepción del tiempo y una idea definida del sujeto.

Abdul Kader Al Khalil

عبد القادر الخليل

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Entrevista a Amaia Cadenato

Amaia Cadenato

Entrevista realizada por Abdul Kader Al Khalil, artista e investigador, para encontrarte.

1.- ¿Qué ha representado para ti el proyecto de encontrarte?

El proyecto de encontrarte ha supuesto para mí todo un reto. Es una oportunidad de poder participar junto con un montón de artistas, para poder dar visibilidad a una problemática concreta. El tema de bebés robados. Una trama durísima, que concentra un dolor enorme en madres y padres, hermanos y familiares.

Es un asunto complicado de difícil solución. No existe ninguna voluntad de querer aclarar, resolver o apoyar a las familias. Es una lucha solitaria, ingrata– muy pocos casos se han resuelto-; los impedimentos y las trabas de las instituciones no ayudan.

Por eso es un honor poder gritar “¿Dónde está mi bebé?”.                                                                      

2.- ¿Cómo defines tu estilo artístico?

Desde pequeña me ha encantado pintar. Cuando estudiaba en la universidad (estudiando otra cosa) empecé con distintos artistas en sus talleres a aprender, pasando por el Museo de Reproducciones Artísticas de Bilbao con Manuel Balsa “El Ruso” y terminando con Richard. Dibujo, pintura: óleo, acrílico y acuarela. Me he inclinado por la acuarela, el agua, la fusión de los colores, la luz. Richard me hizo enamorarme de la acuarela.  Pinto tanto realista como impresionista y cada vez más impresionista.

3.- Todo artista intenta transmitir un mensaje en sus obras, ¿qué deseas transmitir tú en tu pintura?

Me gusta mucho la fotografía, e intento captar “momentos” mágicos. Son sensaciones mías: un rincón de mi ciudad, un juego de luces, una mar en calma o agitada, un paisaje, que luego tiendo a plasmar en un cuadro. Normalmente son lugares reconocibles, que en ese momento tienen valor para mí. Me importa mucho mi ciudad, Bilbao. Cuando era pequeña, no era un lugar amable ni bonito. Ahora está precioso y disfruto pintando sus rincones.

4.- Cuando haces una exposición, ¿qué sensaciones te produce antes de la inauguración? ¿Miedo, preocupación o felicidad? ¿Y por qué?

En parte preocupación, ¿gustará no gustará?, y ese gusanillo de que todo salga bien. El compromiso de que esté toda la obra preparada, bien enmarcada (bien vestida), todo a punto, catálogos, folletos y a partir de ahí a disfrutar.

5.- ¿Has alcanzado los sueños que llevabas al comienzo de tu trayectoria, o te ha defraudado el arte?

Mis sueños están todavía intactos. Mi vida laboral ha transcurrido por otros caminos, una familia a la que he dedicado tiempo, y he pintado, no lo que yo quería dedicarle. Dentro de poco me voy a jubilar y empezarán a realizarse mis sueños.

El arte no me defrauda nunca. Requiere constancia, esfuerzo, tiempo, dedicación. Y hasta ahora no he podido.

6.- ¿En qué te fijas al comenzar una obra, en cómo quedará el aspecto exterior, o en las emociones que puedes transmitir?

Diría que en las emociones que puedo transmitir. Qué sensaciones puede percibir el espectador; en el caso de la acuarela el juego de las transparencias para las marinas, o los colores para transmitir un mensaje, o un lugar con encanto.

7.- ¿Ha podido afectar la pandemia en tu pintura? Y si es así, ¿ha sido para pintar más o menos?

Dentro de una circunstancia tan extraña, a mí me ha beneficiado. Toda mi vida ha sido un sin vivir. No he tenido tiempo para nada. De repente todo se para, nos confinan, y precisamente lo que tengo es tiempo. Para conocer a mi hija, para cocinar, y he pintado relajada y disfrutando.

8.- ¿Volverías a participar en un proyecto como encontrarte y por qué?

Sin dudarlo volvería a participar en un proyecto como encontrarte. Durante toda mi vida me he comprometido en muchas causas, dentro de mis posibilidades y he participado activamente. Donde haya una injusticia y si puedo colaborar, estaré.

9.- ¿Crees que los artistas son privilegiados entre la sociedad, o solo es espejismo?

En el fondo hay de todo. Aquellos artistas que tienen nombre y fama son unos privilegiados. Se les compra por la firma no por lo que hacen. Hay muchísimos artistas que creen en lo que hacen y son capaces de transmitir y generar emociones, que llegan al público y merecen todo mi respeto.

CRÓNICA SOBRE LA OBRA DE AMAIA CADENATO

Amaia Cadenato junto a su obra Dónde estás corazón, para encontrarte

En el siglo XIX el ser autodidacta era un factor de orgullo, ya que implicaba una cierta ruptura hacia los cánones establecidos por las rígidas academias de arte en Europa de entonces. Este aspecto de auto didactismo va a ser también recalcado por algunos artistas formados por sí mismos. Mientras, en el siglo XX esto comenzó a transformarse en un ideal. Pero con doble cara; por un lado, un modo de orgullo para los autodidactas, sin menospreciar a los universitarios. Y por otro lado, no es suficiente ser académico sin amar el arte. “El arte nace y no se hace”. El arte es un don. DaVinci fue uno de los grandes autodidactas, no nos olvidamos de Van Gogh que aprendió el arte mirando lo que hacían sus compañeros, o el gran Munch, o el maestro del simbolismo, el artista Henri Rousseau quien no pintó nada antes de los 40 años. Entre ellos encontramos muestras de toda aplicación, referencias para la reflexión. Para cuando miramos una obra, debemos fijarnos en lo que vemos sin más, ya que el arte lo trabajan en mayor grado los autodidactas.  

De esta forma entiende el arte nuestra compañera Amaia Cadenato. Una artista que se hizo a si misma, llevando los estudios de arte en compañía de otras especialidades, ya que el arte es la vida como el pan, pero no se pude vivir de ello. Un tremendo peso el ser artista en nuestra época. A pesar de esto encontramos a buenos artistas que se esfuerzan cada día haciendo bellas obras como las obras de Amaia. Y sus obras nos permiten analizar las consecuencias reales sobre las creaciones. Nadie duda que un académico tiene el don de ser artista al superar los exámenes finales de su carrera, pero quién duda de los exámenes a los que se somete el artista autodidacta cada día de su vida, ya que cada exposición es un examen para ellos.

Varias obras de Amaia Cadenato

Amaia se ha aficionado al arte desde pequeña y su mayor fuente de influencia en el aprendizaje ha sido el Museo de Bellas Artes de Bilbao, No nos debe sorprender, ya que en el pasado vimos a grandes maestros del arte que han aprendido casi todo mirando los museos, tal como lo hizo Pierre Renoir. ”No tengo la culpa de que mis obras no se vendan” dijo Van Gogh. Yo añado: el artista de hoy no tiene culpa de la crisis, ni de que haya muchos artistas en el mundo. Particularmente pienso yo que debería haber el doble de artistas en el mundo, de esta manera habrá más paz y más belleza. Los artistas conservan las bellezas y no destrozan la historia.

Amaia Cadenato es licenciada en Economía y discípula del Profesor Richard. Se esforzó mucho para estudiar las dos carreras y aprendió todas las técnicas del arte. Nos ofrece bellas obras sencillas en su composición y sin ornamentaciones forzadas, eligiendo la técnica de la acuarela. Trabaja  sin complejos y sin buscar un estilo diferente, simplemente obras de bella ejecución, utilizando una de las técnicas más difíciles que hemos conocido en el arte y la más antigua, que es la acuarela. La acuarela es un término que etimológicamente deriva del latín “agua”. Es una técnica que ha gozado de gran popularidad ya que era la primera técnica usada en el mundo y sigue siendo la técnica noble hasta hoy, desde antes de los egipcios. El agua es el protagonista y el causante de su transparencia y luminosidad, dos características imposibles de conseguir casi con ningún otro medio.

Una selección de la obra de Amaia Cadenato

Dicho esto, debemos mirar las cualidades de la obra del artista con ojos limpios, es decir, sin preocuparnos sobre si esta realizado con uno u otro material, simplemente comprender su obra.

Es interesante mencionar la transformación que experimentan las obras de Amaia ejecutadas con esta técnica. Se trata del paso de la presentación de un aspecto muy vivo, a pesar de que no coinciden las opiniones sobre la acuarela. Sin embargo, la mayoría de los expertos en la técnica y en el análisis dicen que es la técnica mas compleja. Es la mejor manera para la representación de la luz y de la transparencia del agua. Debido a su condición acuosa, la fusión entre los distintos colores termina dando a la obra una belleza que no se consigue con otras técnicas. Su luz.

Abdul Kader Al Khalil

عبد القادر الخليل

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Entrevista a Conchi Ororbia

Conchi Ororbia con su obra Noches oscuras, dónde está mi bebé para encontrarte

Entrevista realizada por Abdul Kader Al Khalil para encontrarte.

1-¿Qué representa para ti el proyecto de «encontrarte«?

Para mí simboliza una lucha ante la problemática y la sinrazón de la comercialización y sustracción de bebés que truncaron la vida a muchas familias. He tenido la suerte de participar junto a 24 pintores en busca de despertar conciencia social, colaborando y apoyando a AVIDNA (Asociación de Víctimas Contra la Impunidad de las Desapariciones Infantiles en Todo el Ámbito Nacional), lo cual me hace inmensamente feliz.

Ha sido una gran satisfacción contribuir a tan noble causa y agradezco enormemente al reciente fallecido y alma de este proyecto Roberto Zalbidea que contara conmigo; todavía recuerdo su llamada y el entusiasmo con el que me explicaba el objetivo de este proyecto.

2- ¿De qué manera das a conocer tu obra en el mundo?

En un principio a través de galerías, centros culturales, circuitos artísticos, concursos y similares, aunque por supuesto muestro también mi evolución e informo sobre proyectos tanto en mis perfiles de redes sociales (como Facebook o Instagram) como en mi página web, donde suelo colgar nuevas obras.

3- ¿Crees que en el arte contemporáneo todo es válido?

Esta es una cuestión harto compleja, y no hay, a mi parecer, una única respuesta. En mi opinión el arte contemporáneo tiene que llegar, generar en el espectador un sentimiento, transmitir emociones… En definitiva, tiene que dialogar con el espectador, por lo que si consigue alcanzar dichas metas puede ser perfectamente válido.

4- ¿Qué intentan exteriorizar tus obras y que deseas que generen en el receptor?

Mis obras, como la vida, han ido cambiando con el tiempo hasta llegar al expresionismo e incluso, en algunos casos, al surrealismo.

Contestando a tu pregunta, intentan provocar en el espectador un sentimiento, ya sea de rabia, alegría, amor o empatía, pero nunca indiferencia. Como he contestado en la pregunta anterior, mi obra persigue el diálogo con el espectador, bien sea de manera afable o de rechazo, pero es fundamental que hable y transmita, que consiga la implicación del espectador e invite a la reflexión.

5- ¿Qué opinión te merece el arte en las redes sociales?

Mi  opinión sobre las redes sociales es que son una potente herramienta que logra llegar de manera exponencial a millones de usuarios y que te brinda la oportunidad de que se te reconozca más rápidamente que a través de métodos tradicionales, pero también existe una parte negativa ligada a la dinámica y la presión que estas ejercen si se les quiere dar un uso divulgativo o propagandístico: la fugacidad y vertiginosidad de estas aplicaciones hace que el usuario que publica sus obras se vea de algún modo forzado a generar contenido de forma constante y, además, novedosa; no vale con publicar incesantemente, también hay que sorprender en cada obra. Y eso es algo, a mi juicio, poco realista.

No obstante, haciendo un buen uso de dichas redes no cabe ninguna duda de que pueden ayudar y, de hecho, ayudan al artista a proyectar su obra, y que constituyen un complemento muy enriquecedor que expande el impacto que el artista genera en galerías, ferias, centros culturales, etcétera. Yo doy mucha importancia a la comunicación personal entre el artista y su representante, por eso pienso que deben usarse como medio en cierto modo publicitario.

6- ¿Qué es lo que más te emociona en una pintura, la composición o los colores?

La composición es fundamental en todas las obras, pero me considero colorista y pienso y persigo esa emoción por medio del uso de color y potentes contrastes.

7-¿Todos los artistas buscan un estilo propio, crees es necesario tener un estilo personal para ser buen artista?

Es lo que todo artista anhela, que se le conozca por un estilo personal, que tenga sello.

Yo creo que no hay que obsesionarse con ello, pues ser artista es una carrera de fondo. Aunque se tiene que tener una cierta disposición especial innata, hay que sumarle a eso el trabajo constante, la disciplina, la investigación y creatividad, la provocación, el inconformismo, y, en consecuencia, la evolución. El resto viene solo y el tiempo lo dirá. Lo fundamental es disfrutar y transmitir lo que uno lleva en su interior, su Alma. 

8- En tu historia personal, vi que has expuesto en muchas ciudades, ¿en qué ciudad te gustaría volver a exponer más que ninguna?

No sabría decirte, ya que en todas me han tratado muy bien y me he sentido cómoda. En algún sitio repito por compromisos adquiridos artista-galerías, pero me gustaría seguir ampliando el círculo y exponiendo en todo el mundo.

9- ¿Qué te impulsa a hacer más figuras y expresionismo que otros estilos pictóricos?

Yo creo que ha sido una evolución fruto del tiempo, dado que he tocado otros estilos y no ha sido hasta llegar al expresionismo que me he sentido tan cómoda. Aun así, mi meta es llegar a la abstracción, lo que es muy complejo y exige un estudio e investigación profundo y transversal, siendo necesario, para mí, la aproximación filosófica, poética, etcétera.

Contestando a tu pregunta, siempre me he sentido atraída por la figura como medio de expresión del momento en que se vive a través de sentimientos y emociones, y que también ha ido cambiando con el tiempo. De hecho, sobre todo en esta última etapa, mis obras son más conceptuales, con figuras sobrepuestas, caras que se cruzan, sin diálogo, hombres y mujeres ausentes, cada uno con su vida, su historia y vivencias, con lo que persigo representar la manera en que vivimos hoy en una sociedad vacía, vertiginosa, individualista, ensimismada, donde la apariencia es lo que vale. Por contra también realizo obras simbolizando “un canto a la esperanza” para volver a creer en lo esencial.

CRÓNICA SOBRE LA OBRA DE CONCHI ORORBIA

Noches oscuras, dónde está mi bebé de Conchi Ororbia para encontrarte

«En nuestra vida hay un solo color, como en la paleta del artista que ofrece el significado de la vida y el arte, es el color del amor.»

Marc Chagall

De esta manera trabaja La Artista Conchi Ororbia, con amor al arte, y con amor al ser humano.  A los diez años tomo el arte como su mayor afición, ganadora de varios premios, y paseó sus obras en muchos países del mundo, y en muchas ciudades de España.

Sus obras son de un estilo personal, asociadas al expresionismo en sus conceptos. Se distinguen sus pinturas por la fuerza del color en combinación con el mensaje. Posee altas cualidades en sus investigaciones y el uso de la técnica que despierta grandes emociones en el lector.

«No me hace falta la luna, ni tan siquiera la espuma, me bastan solamente dos o tres segundos de ternura.»

Edward Münch

Solo dos o tres segundos de mirar las obras de Conchi para aprender a gozar el arte del expresionismo. El arte de denunciar las injusticias y de describir el dolor de los demás.

Varias obras de Conchi Ororbia

Como la mayoría de los pintores, Conchi Ororbia ha atravesado un largo proceso de experimentación hasta llegar a perfeccionar completamente su técnica. Sus pinturas muestran su compromiso con el arte al responder en cada momento a su particular modo de pintar, y de responder a las exigencias del concepto en sí. Representa sentimientos y emociones. Valiente por proseguir su sueño y conseguir un estilo propio en estos tiempos difíciles para comprender el arte.

William de Kooning señaló: «De vez en cuando el pintor tiene que destruir pinturas». Es decir, salirse de las cosas repetidas, Cézanne lo hizo, Picasso lo hizo, Jackson Pollock lo hizo, y también lo hace nuestra compañera Conchi Ororbia.     

El arte, a lo largo de la historia, significó una expresión que representaba cada momento social y cultural de la humanidad. Una muestra de humanidad significan las obras de Conchi, es una expresión personal al retratar la preocupación en los demás en cuanto permanece la pandemia. Así es el Arte a través de la producción artística fue posible en muchos casos reconstruir las vicisitudes, usos y costumbres de cada época, las características de cada construcción social y las modalidades de expresión y comunicación del hombre. Presupone una manera de comunicación donde en el artista convergen simultáneamente el deseo de dar a conocer la cultura que lo habita y el poder decir y expresar los sentimientos. Visualizando las obras de la artista Conchi Ororbia, no es difícil asociar su estilo a al expresionismo, es una artista expresionista desde el pensamiento hasta el acabado de su obra, es expresionista incluso en sus paisajes.                                                                                                                                           

Una selección de la obra de Conchi Ororbia

El expresionismo es una de esas palabras que poseen dos significados. En su sentido más amplio se utiliza para describir obras de arte en las que predomina el sentimiento sobre el pensamiento, en las que el artista utiliza su pintura, no para describir situaciones o hechos, sino para exteriorizar emociones.

El arte, es una forma de expresión universal, pues podemos encontrarla en cualquier parte del mundo sin importar el idioma, lengua, dialecto, costumbres y tradiciones del lugar, puesto que sentimientos como la alegría, tristeza, amor, etcétera son percibidos de la misma manera.

El arte de Conchi se entiende como cualquier actividad o producto realizado por el ser humano con una finalidad estética o comunicativa, a través de la cual se expresa ideas, emociones o una visión del mundo. El arte de Conchi es un componente propio de la cultura, en el cual se refleja la concepción del mundo social. A través de su arte se transmite ideas, historias y valores, y si nos fijamos en las obras de nuestra compañera, entenderemos la felicidad de los que se aman, y comprender el dolor de los que se enfadan, y poder ver la distancia existente en algunos corazones.

Obras de Conchi Ororbia

El artista expresionista como Ororbia deforma la realidad, expresa sus emociones y su propia visión del entorno a través de colores violentos y un tratamiento brusco de la obra. Supone una representación del sentimiento de la soledad y amargura provocada por la indignación al ver los problemas sociales o las guerras que sacuden al mundo. También podemos ver algunas obras de Conchi que riman con el surrealismo, un surrealismo pensado y no es producto de la inconsciencia humana. Es una manera de expresar los anhelos ocultos en el interior de la artista que pretenden ser expresados a través de los elementos creados por ella.   

Abdul Kader Al Khalil

عبد القادر الخليل

Si quieres saber más sobre la obra de Conchi Ororbia visita su página web www.conchiororbia.com

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Entrevista a Leire González Ortiz

Leire González Ortiz

Entrevista realizada por Abdul Kader Al Khalil para encontrarte.

1-¿Qué representa para ti el proyecto «encontrarte»?

La lucha por la verdad y la justicia desde un punto de vista artístico.

Uno piensa muchas veces en como poder ayudar en diferentes injusticias o problemáticas sociales. Normalmente nos sentimos demasiado insignificantes como para poder ayudar a marcar la diferencia y conseguir cambiar las cosas a mejor.

Cuando me ofrecieron participar en este proyecto vi la manera de aportar mi granito de arena por la causa y así luchar de alguna manera contra esta horrible injusticia social, en la que personas sin Alma se atrevieron a robar de la manera más cruel y comerciar con vidas humanas bajo engaños.

2-Ya van varias exposiciones que hemos inaugurado con el proyecto «encontrarte», ¿crees que hemos alcanzado nuestro objetivo?

Pienso que los objetivos son varios y no todos son tan sencillos de conseguir.

El principal objetivo que nos concierne a los artistas participantes, sí, creo que se ha conseguido y con creces, a pesar de la situación actual que vivimos. Somos afortunados por haber podido seguir haciendo visible el tema de los bebés robados y acercarlo al espectador en ocasiones como la exposición en Medina de Pomar o ahora en Santurtzi. Nuestro papel es llevar la denuncia al público y eso sí que lo hemos conseguido.

3-¿Qué es lo que vino primero, el diseño gráfico o tu pasión por la pintura?

La pintura desde luego. Lo poco que sé de diseño gráfico ha sido de investigar un poco para ir aprendiendo a usar las nuevas tecnologías. Admito que es un mundo que me encanta y que está lleno de posibilidades, pero aún tengo mucho que aprender y practicar.

La pintura llego a mi vida a los 6 años. Comencé a ir a las clases de pintura que ofrecía el ayuntamiento de mi pueblo. Tuve una profesora fantástica a la que le debo mi pasión, Izaskun Ibarretxe. A pesar de que van pasando los años y no tenemos mucho contacto, siempre tendrá un lugar muy especial en mi corazón.

4-¿Has considerado realizar una exposición de tus creaciones?

Pues la verdad es que no. Nunca me he sentido como una artista preparada para ello. Con el tiempo he ido acumulando diferentes trabajos y para cuando he juntados suficientes, los primeros no me parecen tan buenos como los últimos. Es una evolución y aprendizaje constate.

Si tuve hace algunos años una pequeña exposición en la biblioteca de mi pueblo y he hecho otras con más participantes.

Me animan a ello, el tiempo dirá, todo puede ser…

5-¿Tu obra se destacó por el color y por la luz, que proceso sigues al crear tu obra?

Primero siempre hago un boceto con papel y lápiz. Si la escena es compleja, aparte diseño los personajes de manera simple, para después incluirlos en la composición. Cuando ya está terminado, lo repaso todo con boli. Me gusta que quede como si fuera un dibujo para colorear. Estos bocetos siempre los conservo.

Normalmente utilizo acuarelas, así que si puedo calco el dibujo muy finito para que luego el lápiz no traspase los colores. Otra técnica que suelo usar habitualmente es el óleo, pero también puedo usar acrílico u otras técnicas, me gusta experimentar y aprender cosas nuevas.

Mis creaciones suelen estar llenas de colores vivos y tengo muy en cuenta el círculo cromático y sus combinaciones a la hora de dar vida a mis dibujos.

El resto, la verdad que me va saliendo solo, no tengo que pensarlo demasiado.

6-¿Te apoyas mucho desde el principio en el ordenador?

No mucho, a veces miro muchas imágenes en busca de inspiración, pero poco más.

7-¿Hay alguien a quien admiras o en quien te ves reflejada?

Me veo reflejada en todo aquel que pinta o dibuja en su casa y que no cree que es suficientemente bueno como para mostrar su trabajo.

Admiro a muchos. Desde artistas más reconocidos como Anita Mejía o Suzanne Woolcott, conocida por sus muñecas Gorjuss, hasta otros no tan conocidos como mi compañero de la uni Javier Alfonso, un gran ilustrador, muy creativo y con una capacidad de aprendizaje impresionante, todo acompañado de mucho trabajo, por él y los demás ya que es el presidente de la asociación de ilustradores canarios. 

Hay un montón de gente con muchísimo talento y tanto que mostrar…

8-¿Cuál es tu formación artística, y si piensas centrarte en esta modalidad artística?

He ido a clases de pintura muchos años y en el instituto me gustaba mucho el dibujo técnico. Con idea de ser profesora de ello, empecé los estudios de Bellas artes. 

Hice unos cursos para aprender a manejar programas como Ilustrador o Photoshop.

Me gustaría estudiar ilustración y profundizar más en las técnicas digitales. Soy una persona curiosa, siempre me gusta aprender cosas nuevas, sobre todo en el ámbito de las manualidades, ya que es una de mis grandes aficiones.

9-¿Qué género te motiva más?

Especialmente me gusta la ilustración infantil, hacer versiones de personajes de cuentos y películas clásicas infantiles, pero desde luego lo que más disfruto es haciendo interpretaciones de amigos y familiares, los resultados suelen ser muy satisfactorios.

La colección de los horóscopos que hice con niñas de diferentes partes del mundo es muy interesante y disfruté mucho haciéndola. Puede que próximamente trate temas como la mitología, creo que daría mucho juego.

CRÓNICA SOBRE LA OBRA DE LEIRE GONZÁLEZ ORTIZ

Vida desencajada, por Leire González para encontrarte

Afortunadamente en el proyecto encontrarte hemos visto todos los estilos pictóricos y han participado en este gran proyecto artistas que representan todas las escuelas de arte. Artistas con estilos propios, artistas consagrados, artistas conocidos, y artistas jóvenes como es nuestra compañera Leire González.

A lo largo de la historia vimos que el arte lo hacen los jóvenes, y la fama se la llevan los consagrados. Y todos sabemos que el arte sin la experiencia nos queda flaco, y sin el valor de la juventud nos queda sin innovación. Agradezco la presencia de la joven artista.

En nuestra exposición colectiva es un valor que representa la fuerza, el atrevimiento y la innovación en el arte.  Es nuestra compañera Leire González Ortiz, la que nos ha permitido ver otro tipo de hacer arte. Otro tipo de representar a una madre. Su obra hecha con fuerza y vigor, en la que habla bien del colorido y de la magia de la luz.  Una obra cercana al diseño gráfico. 

He de decir que el diseño gráfico no se encuentra dentro de las bellas artes, al menos en algunos países, sin embargo, sabemos que muchos diseñadores hacen diseños y hacen arte.  Arte de gran belleza como lo representa la obra de Leire González Ortiz, artista influenciada por la Mexicana Anita Mejía y esta, a la vez está influenciada por Tove Jansson. Grandes artistas del diseño y de la ilustración.

Algunas obras de la colección Cuentos clásico, por Leire González

El arte gráfico hace referencia a la elaboración de todo tipo de elementos visuales, sus temas son relacionados con la imprenta. No es nueva la utilidad del arte gráfico, aunque lo parezca, desde que se inventó la imprenta allá por los años 1450 de la mano de Johannes Gutenberg, encontramos las raíces del Arte Gráfico. Y más tarde aparece en la litografía.

En la actualidad, se incluye como sabemos la impresión digital, motivado principalmente por el gran avance tecnológico que se ha ido produciendo desde hace años. De hecho, las artes gráficas se emplean como medio de difusión publicitaria, aplicándose diversas técnicas en rótulos y carteles. Un gran número de autores y profesionales alude a la simplicidad como uno de los atributos fundamentales en la definición del buen diseño; sin embargo, cabe preguntarse por la percepción del público ante este rasgo visual. Y este rasgo visual ha sido muy notable en la obra de Leire González en estas exposiciones que hemos realizado.

Acuario, Sagitario, Piscis y Tauro de la colección Horóscopos de Leire González

La Artista Leire González, lleva muchos años haciendo dibujos y experiencias personales, aún no se siente totalmente identificada con ningún estilo, está en busca de su lugar particular, pero aún no es definitivo, mantiene los lazos con la infancia, dónde encuentra la sinceridad, el valor de no refugiarse en el miedo, y la fuerza de hacer lo que más le gusta. Fuerzas que necesitan muchos mayores, para poder renovar sus estilos. Un valor para disfrute de una liberadora actividad creativa, y lograr un remanso de paz interior… crear algo hermoso y único en el proceso. Repleto de escenas relajantes, motivos florales, animales y otros elementos de la naturaleza, así como bonitos estampados, este exquisito volumen te brindará la desconexión necesaria.

Abdul Kader Al Khalil

عبد القادر الخليل

by encontrarte

Entrevista a Jon Mao

Jon Mao

Entrevista realizada por Abdul Kader Al Khalil para encontrarte

Hoy tengo el honor de entrevistar al compañero Jon Mao

1 – ¿Qué representa para ti el proyecto encontrarte?

Este proyecto artístico da voz a una situación tremendamente injusta y terrible que es el robo de bebés, el arrancar a unos padres la vida de su hijo, haciendo negocio con esta vida arrancada con engaños para ofrecérselas a familias que aceptan esta horrible transacción me hiela el alma.

Participar en esta denuncia colectiva, como es encontrarte, en la que coincidimos numerosos pintores para dar este grito a la sociedad y a las instituciones y que pongan su atención en este problemática me hizo ver y entender que el arte puede ser un arma muy poderosa para denunciar y dar a conocer estos hechos tan dramáticos.

2 –¿Cuáles son los temas que te gustan más para pintar?

Mis inquietudes y mis gustos han ido cambiando con el tiempo, con lo aprendido y con lo vivido.

En estos momentos me atrae mucho el ser humano: su relación con el otro, su comportamiento como grupo, como sociedad y todas las variables que estos grupos humanos me van sugiriendo, ubicándolos en escenarios de una naturaleza desbocada o en ciudades de arquitecturas oníricas.

La soledad inherente al ser humano o los conflictos que conlleva la búsqueda de la propia libertad son temas que me fascinan en estos momentos.

3 – ¿Trabajas solo con un cuadro o tal vez con varias pinturas a la vez? ¿Y por qué?

A veces, por no decir casi siempre, haces lo que puedes y no lo que quieres, es decir: me gusta centrarme en una obra y acabarla, pero no suele ser tan sencillo. Los encargos, las nuevas ideas o proyectos que te proponen, te roban tiempo para centrarte exclusivamente en una obra.

Esto he aprendido a valorarlo, puesto que el pensar en otras historias más o menos parecidas a lo que estoy trabajando te limpian la mente y te aclaran la mirada, lo que te permite volver a al cuadro con una energía renovada.

4 – En tu estilo hay influencias del realismo de Caravaggio, o de la época barroca. Si estoy en lo cierto, ¿qué te atrae más de esta época?

He estudiado a los grandes maestros barrocos, buscando no la simple reproducción de sus obras, sino los procedimientos, pasos y técnicas pictóricas con las que ejecutaban sus cuadros. Si en mis obras se percibe la influencia de estos maestros se debe a la realización de estos estudios.

Mis influencias van desde la Grecia Clásica hasta el realismo mágico de Peter Doig, pasando por pintores románticos, impresionistas, metafísicos, surrealistas… cualquier periodo del arte puede ser una fuente en la que beber.

5 – ¿Qué es lo más difícil de pintar para ti?

El retrato es para mi entender de una complejidad suma, el reproducir a la persona físicamente puede resultar una empresa ardua; las texturas de la piel, sus brillos, sus tonos variables en función de la luz que reciba…  pero captar los sentimientos, la esencia o mejor dicho el alma, ir más allá de la forma del retratado me resulta fascinante y tremendamente difícil.

6 –¿Qué aconsejarías a los que se están iniciando en la pintura?

Si lo que buscan es aprender a pintar, aconsejaría que busquen un buen profesor, que les enseñe tanto a dibujar como a pintar, que aprendan a matizar los colores, que se informen o estudien la historia del arte, desde sus comienzos en la prehistoria hasta el artista contemporáneo. Que vean mucho arte (literatura, arquitectura, cine, música…) que no tengan prejuicios ni ideas preconcebidas y sobre todo, que disfruten.

7 – Tus obras prometen y te representan como un gran artista, como Velázquez, Rembrandt, o Caravaggio entre otros. ¿A quién te gustaría parecerte?

Me alaga la pregunta y la afirmación que en ella viene por tu parte, pero en realidad no busco parecerme a nadie. Que se vean influencias de grandes pintores en mis obras me parece maravilloso, pero espero que sea debido a la interiorización de su pintura en mí, más que al hecho de querer imitarlos.

8 –Si me permites hacerte una pregunta sobre tus últimas murales, ¿cómo puedes usar el fino pincel en el estudio y la brocha gorda a veces, y luego  crear murales con otros materiales. ¿Con qué estilo te sientes a gusto?

En mis pinturas, me gusta plantearlas de una manera global, abarcar toda su superficie y valorar las dinámicas que se van creando, el encaje de las formas contra el fondo, el movimiento de las figuras en la escena, el preparar las texturas y desarrollar las luces, las sombras y las zonas de transición. Estas acciones me gusta llevarlas a cabo de una manera gestual y ágil, para esto un pincel grande, una brocha, un trapo, las manos… todo vale si te dan mayor libertad.

9 –¿Nos podrías decir cómo preparas tus obras, y qué proyectos tienes en mente para este otoño próximo?

En estos últimos años estoy utilizando mucho el boceto, me ayuda a plantear de una manera tangible la idea que quiero formar en el lienzo, a concretar lo que ronda por mi cabeza y darle forma.

Redescubrir el dibujo a plumilla, utilizar pigmentos directamente sobre  lienzo o pintar con guas sobre papel me permite valorar si lo que estoy imaginando en mi mente se ajusta a lo que va ocurriendo en el boceto.

Cuando la imagen del boceto creado me convence empiezo a pensar en el tamaño del lienzo y preparar su superficie,  ajustándolo a la imagen para comenzar a pintar y a partir de aquí sería una historia demasiado larga para contarlo en esta entrevista.

Los proyectos artísticos que estoy preparando para este otoño pueden ser muy importantes para mí y espero con todas mis fuerzas que salga hacia delante, pero debido a que son proyectos y no realidades debo callar y no decir mucho más.

CRÓNICA SOBRE LA OBRA DEL ARTISTA

Algunas obras de Jon Mao

“Si queréis ver el dolor ved mis obras.”

Frida Kahlo

Y yo digo:

“Si quieres ver lo humano lo encontrarás en las obras de Jon Mao.”

Dijeron hace tiempo que Caravaggio es el Rembrandt italiano. Creo yo que Jon Mao puede ser el futuro Caravaggio español.

Jon Mao pinta desde la emoción y sus obras provocan sentimientos en su uso del color, en la luz y en el movimiento. Estas normas son las que definen sus trabajos pictóricos. La luz difuminada en sus trabajos y notoria con naturalidad. Pinceladas sueltas y empleadas con mucha perfección. Cuando trabaja las figuras, se dedica a plasmar el carácter general de sus personajes.

Hay un dicho del pintor italiano Caravaggio que dice: *No deben solo mirar a mis cuadros, sino que deben sentirlos.” Así veo las obras de nuestro compañero Jon Mao Luengo. Son bellas para mirar, pero son muy bellas para sentirlas. No retrata solo los humanos, y no solo retrata figuras, también retrata sentimientos y retrata emociones.

Hubo en todas las épocas pintores realistas que han sido grandes artistas, no por haber pintado la realidad, sino porque se la han interpretado. Cuando preguntan a Velázquez por qué no imita a los grandes artistas de entonces, les contesta: “Prefiero ser el primero en mi estilo, aunque no guste a muchos, a ser el segundo en otros estilos.” Es cierto que Jon Mao es un artista realista, admira los grandes artistas de todas las épocas y en especial los del renacimiento. Conoce sus trabajos y les admira, pero no veo que los imita en ningún tema. Sin embargo, no puede ser un artista realista y pintar sus obras en forma abstracta. Y no olvidemos que los espíritus pueden tener influencias, aunque pase mucho tiempo, lejos de imitarles o hacer lo mismo.  La iluminación en la obra de Jon Mao se centra en el personaje con fondo oscuro que aísla al personaje.

Jon posee un gran conocimiento de la temática de la figura, mezclada con elementos históricos, filosóficos, y reflexiones. Pintura personal y original.

Comencé mi relato citando una reflexión de una gran artista como lo era Frida, ya que se considera una gran artista del realismo mágico, porque en estos jardines se nutren las obras del artista Jon Mao, en el realismo mágico. Y entre estos grandes están Antonio López y Jon Mao, entre otros.

El término “realismo mágico” fue ideado por Roh en Alemania, un crítico de arte que acuñó este término para esta disciplina en una exposición. También se denominó “nueva objetividad”, aunque la denominación tuvo origen en Italia a manos de Massimo Bontempelli, hacia 1926.

Decía Rembrandt: “Una pintura sin una atmósfera en la pintura no es nada”. Las obras de Jon Mao son creadas en una atmósfera personalizada, en atmósferas ambientales que marcan la profundidad, la perspectiva y el paso de los años, no solo lo natural, sino lo histórico. Basta mirar sus obras para darse cuenta de que es un artista muy preparado, muy culto en la materia y pose una gran cultura visual. Cuando vemos sus obras nos recuerdan a muchos grandes artistas. Mis palabras no son halagos hacía Jon Mao, son verdades: merece estar entre los grandes.

Abdul Kader Al Khalil

by encontrarte

El Museo Rialia homenajea a Zalbidea con una retrospectiva

En más de una ocasión hemos hablado en este blog sobre la figura del gran pintor Roberto Zalbidea, un hombre sin cuya visión encontrarte ni siquiera hubiera nacido. Es, por lo tanto, nuestro ideólogo y nuestro precursor. Podríamos decir más incluso, es el padre de encontrarte. Por eso y por su calidad artística, aplaudimos la exposición que el Museo Rialia de Portugalete le está dedicando durante estos días. Se trata de una retrospectiva con 21 obras entre pinturas, esculturas, dibujos y maquetas. Una de ellas es su última tela que dejó inconclusa y que debe verse con gafas 3D. Un bonito paseo para conocer la evolución creativa del Maestro, desde sus comienzos hasta sus últimas inquietudes.

La Ría fue la aportación portugaluja al proceso de industrialización de la comarca. Así, Rialia Museo de la Industria se constituye como un centro histórico-artístico que pretende recuperar y difundir los vestigios de nuestro pasado industrial.
El museo ocupa un edificio que comenzó a construirse en 1993. Tras pasar por distintas fases y proyectos, se inauguró el 31 de enero de 2006. Hoy acoge un equipamiento museístico y cultural en cuatro plantas que aspira a convertirse en un referente de la comarca y la Margen Izquierda.


Exposición “Zalbidea”
Del 8 de septiembre al 22 de noviembre de 2020
Museo Rialia: Avenida La Canilla s/n – Portugalete (Bizkaia)


Horario:
Martes a sábado de 10:00 a 14:00 y de 16:00 a 19:00 horas.
Domingo: de 10:00 a 14:00 h.
Lunes cerrado

Varias de las obras que se pueden ver en la exposición