Category / entrevistas

by encontrarte

Otros encuentros: Nistal Mayorga

Pintora aficionada al Ajedrez y Comisaria de nuestra exposición encontrarte. A punto de cumplirse 30 años de su trayectoria, y a raíz de la publicación de varias de sus obras en la revista latina “Peón de Rey”, es ya considerada por muchos como: “la pintora de los ajedrecistas”.

«Para pintar hace falta pasión, y el ajedrez despierta en mi esos sentimientos»

El pasado 1 de septiembre, la popular revista de ajedrez “Peón de Rey” publicaba en su portada dos retratos en acuarela de esta consolidada artista. El actual Campeón del mundo, Carlsen, “face to face” con Nakamura, otro de los mejores jugadores del Top Ten.  

La portada, rememoraba el reciente y emocionante duelo online – “Magnus Carlsen chess Tour”- entre estos dos gigantes de los tableros, que nos ha tenido en vilo a multitud de aficionados y que, sin duda, marcará un antes y un después en la historia de este deporte.

En el interior de la publicación, un amplio reportaje con otras obras de Nistal, pertenecientes a sus colecciones “20 Campeones de Ajedrez” (óleo) – encargo del Centro de Ajedrez Fundación CajaCanarias de Tenerife-, y la más reciente “Miradas de Campeones” (acuarela), con especial protagonismo en las miradas de estos grandes genios, como espejos individuales de sus almas…

En el umbral de sus 30 años con los pinceles y en una época de máximo esplendor artístico para ella, hablamos con esta simpática mujer de cabello trigueño, amiga personal y cuajada artista…

 Sus comienzos en el mundo de la pintura; sus influencias artísticas, su acercamiento al apasionante mundo del ajedrez; sus opiniones sobre el futuro de este deporte y observaciones sobre los grandes jugadores de la historia; su particular visión sobre el proyecto encontrarte…

TODAS esas confesiones y muchas más, compartidas al aroma de un cálido e inolvidable café…

Portada de la revista «Peón de Rey» (septiembre 2020), la única revista especializada en ajedrez de habla hispana. (https://www.peonderey.com/)

 –¿Qué tal Ana? Supongo, que emocionada por esos 30 largos años de trayectoria artística con los pinceles… ¿Qué recuerdos tienes de tus primeros pasos en el difícil camino del arte?

Hola, Ángel, muy bien. Contenta de estar aquí contigo y poder colaborar.

Pues…son emociones encontradas; por un lado, 30 años parecen una eternidad y me hacen sentir muy mayor. Y por otro, se han pasado en un abrir y cerrar de ojos, en un suspiro…

Los recuerdos del comienzo son de ILUSIÓN y FELICIDAD al poder cumplir un sueño que me fascinaba desde niña, poder dedicarle tiempo y estudio…Un montón de horas diarias que siempre sabían a poco…

La artista en sus comienzos (concursos al aire libre…)

-Más de 700 obras a tus espaldas…Casi nada!!¿Cuál es el secreto para que una artista como tú, también excelente peluquera de caballeros -me consta-, haya podido llegar a producir esa ingente cantidad de obras? De todas ellas, cítanos, al menos 3, a las que tengas un especial cariño…

Meterle muchas horas; no hay otro secreto. Como decía Picasso, “la inspiración te tiene que pillar trabajando”, sino no hay manera. Aunque, me considero rápida y bastante certera a la hora de plasmar lo que previamente tengo analizado y decidido.

Para mí, la parte más complicada es esa fase previa y mental. Después, cuando estas a solas delante de la obra, ella misma te va hablando y pidiendo…

Son esos privilegiados momentos de creatividad, en los que parece que el pincel va cobrando vida propia…En mi caso, casi siempre, nocturnos…jejejejeje

 -Me mira y se ríe traviesa, sabe que a mí también me gusta que la luz de la luna guíe mi inspiración-

Recuerdo que, un impás en mi profesión de peluquera de caballeros, me dio la opción de continuar por este camino del arte…

¿Elegir tres? Sería como elegir a un hijo u otro. Cada uno, ocupó su propio pedacito de espacio y tiempo, donde no había nada más importante…TODOS me han hecho crecer; han influido en mi evolución artística.

Otros sois los que deberíais hacer ese ranking…

– Recojo el testigo y selecciono para todos vosotros esos tres cuadros de su prolífera carrera artística que, a mi juicio personal como artista y amigo de la autora, siempre me han parecido más relevantes. Ellos son: “Azkuna Integro “(óleo/ 120x 80 cms ), “ Retrato de Nagore y Roy ” (óleo/ 100  x 70 cms ) y “  El Dorado “ (óleo/  1,50 x 100 cms). Esta última obra, ha sido recientemente seleccionada para la exposición «HOMENAJES», en conmemoración del 75º Aniversario de la AAV. Actualmente, en la Sala Ondare (Bilbao) –

Breves pinceladas críticas de estas tres obras:
 
-1º/ “El Dorado” (óleo/ 1,50 x100cms). Luminoso escenario de valientes trazos y vertiginosos toques a espátula. Aquí, la “salvaje” y gran fuerza expresiva de esta obra, rinde tributo a una deliberada armonía cromática, con reminiscencias evocadoras del gran pintor inglés Turner…
Ese tormentoso cielo reflejado en el mar, parece representar un inconsciente espejo de la propia artista; donde se proyecta de forma desbocada y apasionada; abandonando voluntariamente el control y las riendas de la razón, para dejarse llevar por la magia del fértil instinto…
 
-2º/ Los retratos de Azkuna y de su música amiga Nagore, suponen dos claros ejemplos de la maestría y el oficio técnico de nuestra artista. En sí mismos, constituyen también dos valientes retos al abordar el difícil género del retrato en formatos de grandes dimensiones; donde cualquier error de perspectiva o proporción resultarían aún más visibles para el exigente espectador.
Pero Nistal, apoyada en la confianza de su innato talento y en su curioso poder de observación, cimenta los pilares de un meticuloso y poderoso dibujo, que ira gradualmente abriendo paso al color…
Soberbia captación de los personajes. Cada uno de ellos, “paseantes” o “hieráticos” en sus particulares y jugosas atmósferas plásticas. Todo está perfectamente ordenado y bien conjugado: la expresión tan característica de Iñaki, el original y personalísimo peinado de Nagore, la expectante mirada canina de Roy…Prueben a mirarlos y a cerrar, por un instante, los ojos…
¿No escuchan los elegantes pasos del considerado “mejor alcalde del mundo” ?,¿no sienten los mágicos acordes de un blues?…

Más información en www.nistalmayorga.eu

–Descríbenos tu estilo pictórico… ¿Consideras que en tu pintura existen influencias por parte de algún artista consagrado? ¿De toda la historia universal de la pintura, cuál es tu artista más admirado/a?

Como es natural, he ido evolucionando a lo largo de los años y del oficio conseguido.

Pero exceptuando algún que otro coqueteo con la abstracción, siempre he terminado desembocando en lo figurativo. Eso sí, últimamente, con una paleta ya muy definida, alegre y colorista. Y me gustaría pensar, que con sello propio.

Nunca he sido muy mitómana.  Pero siempre que algo me ha impactado, he tenido la vital curiosidad de saber cómo se hace, y de probar a intentar conseguirlo…

De ahí, la gran variedad de mi obra y que me sienta en un continuo y constante aprendizaje.

¿Referentes? ¡¡Muchos, incontables!!…Todos, tienen algo que admirar y enseñar. Pero hay dos artistas contemporáneos que siempre me han fascinado:  Anselm Kiefer y Lita Cabellut.

-Eres una artista muy polifacética, que trabaja con variedad de técnicas… ¿Con cuál de ellas te sientes más a gusto?

También he tenido mis épocas. He alternado óleo, acuarela y técnicas mixtas…Pero ahora sigo inmersa en un momento en el que la acuarela me da muchas satisfacciones. Con una evolución, de la que soy consciente de manera constante. El retrato en acuarela me tiene conquistada.

El ruso nacionalizado francés, Alexander Alekhine (acuarela 30,5 x 30,5 cms), 5º Campeón Mundial de la historia del ajedrez. / El soviético Letón Mijail Tal (acuarela, 30,5 x 30,5 cms) 8º Campeón Mundial de la historia del ajedrez.

–En tu carrera, llegan ahora importantes frutos y, curiosamente, de la mano de un deporte como el ajedrez…Cuéntanos, ¿de qué forma llega el ajedrez a tu vida? ¿Por qué sientes la necesidad de convertirlo en motivo de inspiración?

Como han llegado la mayoría de las cosas interesantes a mi vida: con una predisposición innata y un cóctel  mágico de casualidad, causalidad y suerte.

Para pintar hace falta ilusión y pasión, y el ajedrez despierta en mis esos sentimientos.

Además, de unas enormes ganas de trabajar y estudiar.

En el caso de las biografías de los campeones, esa curiosidad produce en mí una energía difícil de explicar…Y esa inspiración, me hace sentir PLENA.

Sabrina Vega, actual Campeona de España de Ajedrez, posando con dos retratos al óleo de «Las Imprescindibles femeninas», Maya Chiburdanidze y Judit Polgar.
En el Centro de Ajedrez Fundación CajaCanarias, con su amigo y GM Internacional de ajedrez, Jose Luis Fernández García. Al fondo, dos de sus retratos de la Colección «20 Campeones» (óleo), Steinitz y Lasker.

-El ajedrez está considerado un deporte- ciencia, y muchos consideran que también tiene connotaciones artísticas. ¿Estás de acuerdo con esta definición? Como buena aficionada que eres, ¿dónde podemos encontrar arte en el ajedrez?

 Si, completamente de acuerdo.

Podemos encontrar arte en la belleza y la armonía que se consigue con algunas combinaciones o series de jugadas. De hecho, después de su cálculo o estudio, ya surge esa mágica creatividad; muy similar al placer inmenso, etéreo e intenso, a la altura de otras artes convencionales.

Cuando llegas a ser consciente de las infinitas probabilidades que te ofrecen los trebejos (piezas) en los escaques, sientes que ese mental desafío parece no tener fin…

 Y todo eso, es muy artístico, atemporal y reconfortante hasta la plenitud.

Obras publicadas en páginas interiores de «Peón de Rey». A la izquierda, la artista entregando una acuarela de la virgen a Su Santidad el Papa Francisco, durante su visita al Vaticano (agosto 2019) y formando parte de una representación de AVIDNA (Asociación de Víctimas contra la Impunidad de las Desapariciones Infantiles en el Ámbito Nacional), de la que es secretaria técnica.

-Recientemente, la revista “Peón de Rey “ha publicado en su portada y entre sus páginas varias de tus obras… ¿De qué forma piensas que esta importante noticia podría afectar a tu vida profesional?,¿te ves en un futuro inmediato exclusivamente especializada en el retrato y con este tema deportivo de fondo?

Sinceramente, espero que SI. Que afecte de forma positiva. Sobre todo, de cara a que mis obras puedan exponerse en torneos o competiciones; como un complemento artístico, que, a la vez, ayude a plasmar la Historia del Ajedrez.

Para mí, ha sido un gran honor que aparezcan en este escaparate tan importante y único.

Y gracias a ello, poder ser así visibles por tantos aficionados.

No, no me veo. En exclusiva, creo que NUNCA. Me apasiona el tema y siento que mi pintura se ha enriquecido mucho al crear y ver crecer a mis colecciones. Pero me siento tan curiosa y creativa, que en mi cabeza rebosan nuevas ideas en todo momento.

-Hablemos ahora de tus dos colecciones sobre campeones, “20 Campeones del mundo “(óleo) y “Miradas de campeones” (acuarela)… ¿Como ha sido el proceso de trabajo de cada una de ellas? ¿Cómo te gustaría promocionarlas (Instituciones, clubes, jugadores particulares, federaciones…)?

La primera de ellas, los Campeones al óleo, fueron por encargo y como un reto conmigo misma. Era algo original y novedoso, encargado por el Centro de Ajedrez Fundación CajaCanarias.

Además de los 20 Campeones mundiales, también pinté a cuatro jugadoras internacionales imprescindibles y a los cuatro jugadores más representativos de Canarias. Sin embargo, los 20 Campeones en acuarela, fueron creados durante el confinamiento. Totalmente trabajados por y para mí. Y  ahora, me gustaría mostrarlos y exponerlos en todos los formatos posibles, y difundir sus imágenes sin llegar a desprenderme de ellos (Colección particular de la artista).

Imagen mosaico de su colección «20 Campeones de Ajedrez» (Acuarela/ 30,5 x 30,5 cms), titulada «Miradas de Campeones» (Colección particular de la artista). / Imagen mosaico de su colección «20 Campeones de Ajedrez» (óleo/ 47 x 42 cms). Actualmente en el Centro Cultural de Ajedrez Fundación CajaCanarias (Tenerife).

-A parte de estas dos colecciones, ¿qué otros proyectos relacionados con este deporte contemplas de cara al futuro?

A la vez, tengo nuevas ideas de otras colecciones similares que ya he comenzado a desarrollar como: “Los imprescindibles actuales “, e “Inmortales de todos los tiempos”.

-Probemos tu olfato ajedrecístico… ¿Ves a Carlsen siendo campeón del mundo dentro de 5 años?, ¿quién crees que podría arrebatarle su trono?

No sé si precisamente dentro de cinco años. Pero, desde luego, no creo que nadie le arrebate su corona a corto plazo. Podrían ganarle esporádicamente alguna partida, cualquiera de los Top Ten del Ranking…So, Nakamura…, o cualquiera de los que rondan actualmente los 2800 de ELO. Pero de ahí a arrebatarle a Carlsen su trono, por ahora, lo veo impensable…

Creo que, por eso, he comenzado ya las nuevas colecciones…jejejjjj -sonríe con mirada pícara-. El 21 Campeón del mundo, todavía tardaremos en verlo…

Con el actual Campeón del mundo de Ajedrez, el noruego Magnus Carlsen. IX Final de Maestros (Teatro Campos Elíseos, Bilbao – 2016).

-Artísticamente hablando, ¿te ha resultado fructífero el pasado confinamiento?

MUCHO. De hecho, intenté crear mi propio mundo dentro de esta horrible pandemia. Y eso, incluía mi satisfacción personal cada vez que terminaba un retrato y comenzaba otro nuevo.

Volver a estudiar a los Campeones para esta segunda colección, sin distracciones externas por la propia situación, fue realmente placentero y muy fructífero.

-Aunque natural de León, eres una artista residente en Bilbao y que ha desarrollado toda su carrera en esta tierra … ¿Te imaginas el mundo del arte del Pais Vasco sin el Guggenheim?

Para nada. Gracias a él, somos referentes en el mundo entero. Eso, sin olvidar a nuestro apasionante Museo de Bellas Artes, que lo complementa junto a otros espacios maravillosos que también tenemos la suerte de tener en Bilbao… Pero el Guggenheim es ya INSUSTITUIBLE.

-No podíamos terminar esta entrevista sin mencionar tu importante labor en el proyecto de las maternidades robadas encontrarte… ¿Qué representa para ti este reivindicativo proyecto artístico?

TODO, con mayúsculas. Es una lucha personal en la que llevo activa más de 8 años, porque busco a mi hermana Lourdes, robada al nacer hace ya 53 años.

Es algo que me ha hecho madurar profundamente como persona y como artista. Y que me está dando la posibilidad de VISIBILIZAR, desde este artístico escaparate, la causa de miles de familias.

Ser el nexo de estos 24 artistas plásticos, unidos al resto de colaboradores que contribuís con vuestro desinteresado esfuerzo desde otros ámbitos, me hace sentir orgullosa y agradecida de este ilusionante camino que estamos recorriendo. Eso sí, siempre DESDE LA ESPERANZA…

Presentación del catálogo encontrarte al Lehendakari, Iñigo Urkullu. Premios René Cassin de Derechos Humanos. (Vitoria 2019).

Termina la entrevista… Nistal -Ana, para mí- lanza un suspiro. Contemplo en sus ojos un atisbo de emoción:  dos vibrantes lágrimas a punto de estallar y acariciar sus mejillas. Como siempre, me ha resultado un grato placer hablar con ella, “beber” de ese aúreo oasis del que tantas cosas tenemos en común…

Con su amigo y autor de esta entrevista, el artista Ángel Momoitio, posando con mascarillas de la AAV, colectivo al que ambos pertenecen y del cual Nistal es Adjunta a la Presidencia.

Madre coraje, apasionada ajedrecista, artista de fluidos e impulsivos trazos, esposa de cariños largos -como ella acostumbra a decir-, amiga de sus muchos amigos, y yo destacaría algo más: coleccionista de bondades humanas…¡¡Como si no, podría haberse embarcado en esta solidaria aventura de encontrarte!!

No olvidemos que ella, junto a nuestro admirado y ausente Roberto Zalbidea -también apasionado del ajedrez-, fueron los creadores de este sueño, convertido ya en auténtica realidad; los artífices de este solidario proyecto que camina guiado por la universal brújula del ARTE…

Brindando con su difunto amigo, el pintor y también gran aficionado al ajedrez, Roberto Zalbidea.

En representación de todos los que componemos este colectivo, ¡¡GRACIASSSS!!, AMIGA.  

Por esta agradable entrevista; por tus palabras siempre transparentes y hambrientas de ilusión. Por el cautivador alimento espiritual que nos regala tu pintura, sembrada de sinceridad, pureza y humilde oficio.

Y, sobre todo, por tu incansable lucha en defensa de la MATERNIDAD y la VERDAD de la vida…   

¡¡SIGAMOS CAMINANDO!!

Ángel MOMOITIO GARCÍA

(Directiva encontrarte )

by encontrarte

Entrevista a Jon Mao

Jon Mao

Entrevista realizada por Abdul Kader Al Khalil para encontrarte

Hoy tengo el honor de entrevistar al compañero Jon Mao

1 – ¿Qué representa para ti el proyecto encontrarte?

Este proyecto artístico da voz a una situación tremendamente injusta y terrible que es el robo de bebés, el arrancar a unos padres la vida de su hijo, haciendo negocio con esta vida arrancada con engaños para ofrecérselas a familias que aceptan esta horrible transacción me hiela el alma.

Participar en esta denuncia colectiva, como es encontrarte, en la que coincidimos numerosos pintores para dar este grito a la sociedad y a las instituciones y que pongan su atención en este problemática me hizo ver y entender que el arte puede ser un arma muy poderosa para denunciar y dar a conocer estos hechos tan dramáticos.

2 –¿Cuáles son los temas que te gustan más para pintar?

Mis inquietudes y mis gustos han ido cambiando con el tiempo, con lo aprendido y con lo vivido.

En estos momentos me atrae mucho el ser humano: su relación con el otro, su comportamiento como grupo, como sociedad y todas las variables que estos grupos humanos me van sugiriendo, ubicándolos en escenarios de una naturaleza desbocada o en ciudades de arquitecturas oníricas.

La soledad inherente al ser humano o los conflictos que conlleva la búsqueda de la propia libertad son temas que me fascinan en estos momentos.

3 – ¿Trabajas solo con un cuadro o tal vez con varias pinturas a la vez? ¿Y por qué?

A veces, por no decir casi siempre, haces lo que puedes y no lo que quieres, es decir: me gusta centrarme en una obra y acabarla, pero no suele ser tan sencillo. Los encargos, las nuevas ideas o proyectos que te proponen, te roban tiempo para centrarte exclusivamente en una obra.

Esto he aprendido a valorarlo, puesto que el pensar en otras historias más o menos parecidas a lo que estoy trabajando te limpian la mente y te aclaran la mirada, lo que te permite volver a al cuadro con una energía renovada.

4 – En tu estilo hay influencias del realismo de Caravaggio, o de la época barroca. Si estoy en lo cierto, ¿qué te atrae más de esta época?

He estudiado a los grandes maestros barrocos, buscando no la simple reproducción de sus obras, sino los procedimientos, pasos y técnicas pictóricas con las que ejecutaban sus cuadros. Si en mis obras se percibe la influencia de estos maestros se debe a la realización de estos estudios.

Mis influencias van desde la Grecia Clásica hasta el realismo mágico de Peter Doig, pasando por pintores románticos, impresionistas, metafísicos, surrealistas… cualquier periodo del arte puede ser una fuente en la que beber.

5 – ¿Qué es lo más difícil de pintar para ti?

El retrato es para mi entender de una complejidad suma, el reproducir a la persona físicamente puede resultar una empresa ardua; las texturas de la piel, sus brillos, sus tonos variables en función de la luz que reciba…  pero captar los sentimientos, la esencia o mejor dicho el alma, ir más allá de la forma del retratado me resulta fascinante y tremendamente difícil.

6 –¿Qué aconsejarías a los que se están iniciando en la pintura?

Si lo que buscan es aprender a pintar, aconsejaría que busquen un buen profesor, que les enseñe tanto a dibujar como a pintar, que aprendan a matizar los colores, que se informen o estudien la historia del arte, desde sus comienzos en la prehistoria hasta el artista contemporáneo. Que vean mucho arte (literatura, arquitectura, cine, música…) que no tengan prejuicios ni ideas preconcebidas y sobre todo, que disfruten.

7 – Tus obras prometen y te representan como un gran artista, como Velázquez, Rembrandt, o Caravaggio entre otros. ¿A quién te gustaría parecerte?

Me alaga la pregunta y la afirmación que en ella viene por tu parte, pero en realidad no busco parecerme a nadie. Que se vean influencias de grandes pintores en mis obras me parece maravilloso, pero espero que sea debido a la interiorización de su pintura en mí, más que al hecho de querer imitarlos.

8 –Si me permites hacerte una pregunta sobre tus últimas murales, ¿cómo puedes usar el fino pincel en el estudio y la brocha gorda a veces, y luego  crear murales con otros materiales. ¿Con qué estilo te sientes a gusto?

En mis pinturas, me gusta plantearlas de una manera global, abarcar toda su superficie y valorar las dinámicas que se van creando, el encaje de las formas contra el fondo, el movimiento de las figuras en la escena, el preparar las texturas y desarrollar las luces, las sombras y las zonas de transición. Estas acciones me gusta llevarlas a cabo de una manera gestual y ágil, para esto un pincel grande, una brocha, un trapo, las manos… todo vale si te dan mayor libertad.

9 –¿Nos podrías decir cómo preparas tus obras, y qué proyectos tienes en mente para este otoño próximo?

En estos últimos años estoy utilizando mucho el boceto, me ayuda a plantear de una manera tangible la idea que quiero formar en el lienzo, a concretar lo que ronda por mi cabeza y darle forma.

Redescubrir el dibujo a plumilla, utilizar pigmentos directamente sobre  lienzo o pintar con guas sobre papel me permite valorar si lo que estoy imaginando en mi mente se ajusta a lo que va ocurriendo en el boceto.

Cuando la imagen del boceto creado me convence empiezo a pensar en el tamaño del lienzo y preparar su superficie,  ajustándolo a la imagen para comenzar a pintar y a partir de aquí sería una historia demasiado larga para contarlo en esta entrevista.

Los proyectos artísticos que estoy preparando para este otoño pueden ser muy importantes para mí y espero con todas mis fuerzas que salga hacia delante, pero debido a que son proyectos y no realidades debo callar y no decir mucho más.

CRÓNICA SOBRE LA OBRA DEL ARTISTA

Algunas obras de Jon Mao

“Si queréis ver el dolor ved mis obras.”

Frida Kahlo

Y yo digo:

“Si quieres ver lo humano lo encontrarás en las obras de Jon Mao.”

Dijeron hace tiempo que Caravaggio es el Rembrandt italiano. Creo yo que Jon Mao puede ser el futuro Caravaggio español.

Jon Mao pinta desde la emoción y sus obras provocan sentimientos en su uso del color, en la luz y en el movimiento. Estas normas son las que definen sus trabajos pictóricos. La luz difuminada en sus trabajos y notoria con naturalidad. Pinceladas sueltas y empleadas con mucha perfección. Cuando trabaja las figuras, se dedica a plasmar el carácter general de sus personajes.

Hay un dicho del pintor italiano Caravaggio que dice: *No deben solo mirar a mis cuadros, sino que deben sentirlos.” Así veo las obras de nuestro compañero Jon Mao Luengo. Son bellas para mirar, pero son muy bellas para sentirlas. No retrata solo los humanos, y no solo retrata figuras, también retrata sentimientos y retrata emociones.

Hubo en todas las épocas pintores realistas que han sido grandes artistas, no por haber pintado la realidad, sino porque se la han interpretado. Cuando preguntan a Velázquez por qué no imita a los grandes artistas de entonces, les contesta: “Prefiero ser el primero en mi estilo, aunque no guste a muchos, a ser el segundo en otros estilos.” Es cierto que Jon Mao es un artista realista, admira los grandes artistas de todas las épocas y en especial los del renacimiento. Conoce sus trabajos y les admira, pero no veo que los imita en ningún tema. Sin embargo, no puede ser un artista realista y pintar sus obras en forma abstracta. Y no olvidemos que los espíritus pueden tener influencias, aunque pase mucho tiempo, lejos de imitarles o hacer lo mismo.  La iluminación en la obra de Jon Mao se centra en el personaje con fondo oscuro que aísla al personaje.

Jon posee un gran conocimiento de la temática de la figura, mezclada con elementos históricos, filosóficos, y reflexiones. Pintura personal y original.

Comencé mi relato citando una reflexión de una gran artista como lo era Frida, ya que se considera una gran artista del realismo mágico, porque en estos jardines se nutren las obras del artista Jon Mao, en el realismo mágico. Y entre estos grandes están Antonio López y Jon Mao, entre otros.

El término “realismo mágico” fue ideado por Roh en Alemania, un crítico de arte que acuñó este término para esta disciplina en una exposición. También se denominó “nueva objetividad”, aunque la denominación tuvo origen en Italia a manos de Massimo Bontempelli, hacia 1926.

Decía Rembrandt: “Una pintura sin una atmósfera en la pintura no es nada”. Las obras de Jon Mao son creadas en una atmósfera personalizada, en atmósferas ambientales que marcan la profundidad, la perspectiva y el paso de los años, no solo lo natural, sino lo histórico. Basta mirar sus obras para darse cuenta de que es un artista muy preparado, muy culto en la materia y pose una gran cultura visual. Cuando vemos sus obras nos recuerdan a muchos grandes artistas. Mis palabras no son halagos hacía Jon Mao, son verdades: merece estar entre los grandes.

Abdul Kader Al Khalil

by encontrarte

Entrevista a Amaya Fernández Fariza

Amaya Fariza

Entrevista realizada por Abdul Kader Al Khalil para encontrarte.

1- ¿Qué representa para ti el proyecto encontrarte?

Es una oportunidad que me brindó el gran artista Roberto Zalbidea para “Encontrarme” con unos compañeros que deseaban expresar con sus pinceles la injusticia de las maternidades robadas. Me pareció una buena idea ya que, sin tener cerca casos, he sentido que es una causa que se tiene que visibilizar, aunque sea mediante el arte y hacer un reconocimiento de tod@s aquellos que perdieron a sus bebés de una manera tan injusta.

2- Decía Picasso: «El arte es la otra manera de escribir los recuerdos». ¿En qué medida esto es cierto para ti?

Pues puede que la expresión de la pintura o de cualquier disciplina artística esté intrínsecamente unida a los recuerdos. Yo siempre que realizo una obra siento que tengo que expresar aquello que siento que tengo que contar. Y mis recuerdos juegan un papel importante. Es parte de mi vida y cuando expreso algo salen; al final es una muestra de mi pensamiento y mis vivencias. Los significados de mis obras denotan mi experiencia interior y lo demuestro con una forma de expresión realista. Se reconoce el mundo cotidiano que me rodea en mis obras.

3- En tu trayectoria como artista has sido premiada en varias ocasiones, ¿en qué medida te han marcado los premios?

Para mí el mejor premio es conectar con el público y que este reconozca mi obra. Me siento premiada cuando en una exposición alguien se fija en los detalles de alguno de mis cuadros, cuando alguien se para y mira… Los premios en mi caso no han sido muy relevantes, pero sí una forma de reconocimiento. He resultado finalista en muchos certámenes, pero demasiados premios no he tenido. No asisto a concursos de pintura rápida porque no es mi forma más completa para trabajar, me gusta la intimidad. Y sí, en alguna ocasión me presento a algún certamen.

4- ¿Cuál es la mayor dificultad que has encontrado para compaginar el arte con la vida familiar?

He pintado desde niña y nunca dudé que yo tenía que estudiar Bellas Artes. Me pasaba horas dibujando, esto ha formado siempre parte de mi vida. Cuando me casé y tuve a mis tres hijas hice un paréntesis y estuve unos años con poco contacto con la pintura. Su cuidado y atención eran primordiales. Me perdí años de expansión en mi carrera artística y no exponía en ningún sitio porque no producía obra. Antes de esto tuve experiencias agradables de apreciación del público y en los años 90 tuve la suerte de producir mucho. Después de mi paréntesis, retomé la actividad y mis obras se volvieron más humanistas, me ha influido mucho la presencia de mis hijas en mi vida.

5- Si pudieras cambiar algo en beneficio del arte de hoy, ¿qué cambiarías?

Como concepción del arte en general cambiaría el sistema de mercado. No me gusta la invasión de obras inútiles y sin talento. No me gusta la propagación de objetos sinsentido que se ven en las ferias de arte, no me gusta que se adoctrine a la gente que una bolsa de basura es arte por encontrarse en una reconocida sala. Soy defensora del arte con calidad, con trabajo, con pensamiento, tiene que ser algo que se explique por si solo y no necesite discurso; el buen arte se puede reconocer sin que nadie te facilite un documento explicativo.

6- Como directora artística de una Galería de Arte que has sido y has organizado exposiciones, ¿nos podrías decir por qué tipo de arte se interesa el público?

El público es el que debe valorar la obra de arte. Se ha extendido la idea de que hay “unos expertos “ que saben mucho y que dictan las normas de lo que es válido y lo que no. Yo reconozco el trabajo y el público en general, lo sabe ver. Los estilos artísticos varían desde el hiperrealismo que, si está bien ejecutado, causa un gran impacto, a las expresiones más abstractas o expresionismos tanto figurativos como abstractos o geométricos o con simbología… Cuando una obra está estructurada y transmite algo, el espectador queda enganchado y no duda en adquirirla si su bolsillo se lo permite. Luego está la trayectoria… A la gente le interesa mucho saber algo sobre el artista.

7- Comprendo que en los tiempos actuales hacer una pregunta así parece encasillarte, pero ¿por qué las mujeres artistas han estado en el olvido?

En todos los ámbitos han estado relegadas. Hay muy pocas mujeres reconocidas como artistas universales antes del siglo XX. La sensibilidad creativa era la misma pero la sociedad no. Ellas tenían que dedicarse a tareas más cotidianas y familiares. Hoy en día, la mayoría de los artistas reconocidos y con prestigio siguen siendo hombres, como pasa en el mundo de la cocina. No es que no haya muy buenas artistas, es que generalmente están en segunda fila. Yo me encontré con las propietarias de una sala en la que exponía en los años 90 que me decían que los clientes recelaban a la hora de ver un nombre femenino al adquirir una obra, y yo empecé a firmar con mi apellido.

8- ¿Crees que el éxito y la fama son los que hacen al artista?

Todo cuenta. Hay currículum muy hinchados y adulterados ya que muchos artistas se encuentran con muchos problemas para exponer en galerías y tienen que financiar su promoción en el arte. Solo gente con trayectoria, premios, reconocimiento y una supuesta garantía de calidad y ventas tiene la suerte de ser la elegida. En el mundo actual las galerías compiten con internet y quedan pocas. El buen artista sale, solo debe buscar los caminos adecuados de proyección.  

9- En el arte siempre culpamos a los demás cuando no vendemos. Como galerista que has sido, ¿crees que el artista es libre de culpas?

El artista se queja porque no vende y es lógico. Pero no creo que le eche la culpa a nadie. Hay muchos pintores y mucha competencia. Las galerías tiene problemas porque los sistemas de ventas han cambiado y ya no se atreven a apostar por artistas muy reconocidos porque estos tienen sus canales de venta aparte de la galería y esta corre demasiado riesgo. Hay muchos gastos y actualmente muchas desaparecen porque no se pueden mantener. El mundo de la digitalización ha quitado espacio al arte de verdad. Hay gente que prefiere comprarse un lienzo impreso con una foto y pagar poco o litografías… Aun así queda gente que aprecia un buen cuadro o una buena escultura y compra.

CRÓNICA SOBRE LA OBRA DE LA ARTISTA

«Buscando»
«Sin rumbo»

Las obras de Amaya Fernández Fariza son pinturas de estilo impresionista. Se ocupa de incluir retratos basados en el dibujo y de especial realismo, conservadora del arte oficial, donde da importancia a la línea y al color. Fiel al arte académico como tendencia, es academicismo como calificativo. Las obras de Fariza son auténtica recopilación de cuantos rasgos definen el realismo. El arte que tiene la grandeza en tener semejanza con la realidad, pinturas que alcanzan gran nitidez y gama de matices que se iguala a la realidad. Se concentra en los temas sociales y fundamentalmente en observar y plasmar lo más bello y lo que lo acompaña. Temas con precisión y objetividad, se aleja de lo mitológico y toma las cosas más corrientes. 

Amaya Fernández Fariza es nacida en Bilbao y licenciada en Bellas Artes. Admirada por sus temas del Impresionismo y en el Realismo puro en sus pinturas de figuras humanas. Se aprecian los tonos fríos en el colorido y los verdes aparecen en una amplia gama; la variación del color es visible en los suelos, en el césped y en las figuras que consagra en el interior del paisaje. Los paisajes que aquí exhibe son muestra de su audaz concepción que rebasan el impresionismo. Sobresale su mensaje en referencia a la vida y por la renovación continua. Lo plasma en la naturaleza o en las figuras humanas que transmiten juventud y vida.

En sus obras observo su preocupación en lo humano, en el mensaje del amor a la vida, en la juventud como los herederos de nuestra era. Fiel al detalle, se ocupa de los rasgos especiales y su meta no es la belleza sino la verdad. Usa su amplia imaginación y su habilidad para diseñar sus escenas en armonía. Es el arte depurado, Influenciado por el romanticismo con el mejor tratamiento de la luz. Es la cultura estética. Sus obras inspiran temas humanistas, familia, amor y cariño.

«En el jardín»
«En el árbol»
«El punto de mira»

En las obras de Amaya Fernández Fariza hay un perfecto dominio del pincel en los trabajos del paisaje. Y sus composiciones nos muestran sus profundos conocimientos de la anatomía y de la esencia del género humano. Lo representa en escenas de la vida cotidiana y esto se convierte en protagonista. Se preocupa por la mujer, la parte más importante en cualquier sociedad, que casi siempre está olvidada. No podemos hablar de la vida dejando la mitad de la realidad sin contar. 

El arte realista se define como una forma de expresión en que se retienen las impresiones, es el arte que puede explicarse por su contenido natural y sus obras son testigos de la verdad. No es extraño que surja este estilo pictórico después de la revolución francesa de 1848, cuando el arte abandona los temas políticos y se concentra en los temas sociales. Pero aún estamos lejos de conseguir la igualdad y gracias a la lucha de grandes intelectuales y artistas como Fariza, nos recuerdan que todavía hay mucho por que luchar y debemos seguir el camino.

Fariza, es una gran artista, trabaja en silencio, ama el arte por el arte y por la cultura. Es una artista de finísima educación y moderna en todas las manifestaciones de su obra.

Abdul Kader Al Khalil

by encontrarte

Entrevista a Teresa Ahedo

Teresa Ahedo

Entrevista realizada por Abdul Kader Al Khalil para encontrarte.

1-¿Qué representa para ti el proyecto encontrarte?

Dar a conocer la desaparición de niños robados. Un problema denunciado puntualmente en la sociedad de Bilbao, pero presente en el mundo. Un ataque directo al derecho humano del niño y la madre, ocultado siempre por estatutos sociales de alto nivel económico, civil y religioso. 

2- El arte como tú sabes es personal, lo que gusta a unos, no gusta a otros. ¿Cómo ves la crítica negativa?

La crítica negativa es necesaria y positiva, siempre que no hiera los sentimientos del artista. El artista enriquece su seguridad de creación y de este enriquecimiento nace la reflexión necesaria para el convencimiento de crear.

3- Muchas de tus obras residen en importantes museos, ¿crees que los museos hacen todo lo que pueden por el arte actual?

No. Los museos exponen las obras de pintores seleccionados por críticos de arte, pero en muchos estudios descansan verdaderas obras de arte, no reconocidas y con merecimiento de estar presentes en paredes de museos.

4- Algunos dicen: el arte y el matrimonio no deben habitar bajo el mismo techo. ¿Qué opinas de esto?

Yo soy mujer casada y madre. Es difícil complementar el papel de esposa, madre, y artista. Supone un esfuerzo añadido a la vida que de por si exige esfuerzos. Es necesario un verdadero amor al arte y una voluntad férrea para mantener la disciplina del estudio y mirar a la vez el papel de esposa y madre. Yo escribí: “dónde vas Teresa, camino de berberechos, con tanto peso en el pecho que no puedes con él, Teresa.”

5- ¿Cuáles son tus artistas preferidos? ¿Te sientes influenciada por alguno en particular?

Es indudable que hay artistas ídolos; Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel, Rafael, Goya, Dalí, Kandinsky, etc. Me siento identificada con la pintura de Goya, le considero grande.

6- ¿Crees que el arte está en peligro? ¿Y cómo ves su futuro?

No lo veo en peligro, es el respirar del ser humano. Todos llevamos dentro ese artista que te hace llorar con una poesía o te transporta a un cielo de luces infinitas con la música o te sientas en un museo mirando la belleza. Estamos dando nombre de arte a una línea comercial que exista o no, no dejara de existir el concepto de arte. Es una palabra espiritual que articula amor y vida tiene parte de oficio y parte de alma. Su futuro es incierto e inseguro como veo el mundo entero. El hombre en las cavernas fue capaz de crear, en las guerras es capaz de amar, en este mundo incierto, estoy completamente segura que encontrará la paz interior y la caricia necesaria en el arte.

7- Cada persona célebre ha tenido que pagar un precio, como estar distante o que sus semejantes le hayan tenido celos. ¿Has pagado tú de algún modo este peaje?

En absoluto, me he sentido querida y apoyada por mis compañeros, el respeto y el cariño ha sido el paso que marcó mi camino.

8- ¿En qué estilo pictórico trazas tus obras, o tu estilo es totalmente particular?

He marcado de una manera sencilla tres etapas en mi recorrido pictórico. Realismo, Impresionismo y hace 30 años una situación personal me llevó al Expresionismo. Llené el estudio de bocetos estudiando la desapropiación, entendí que el concepto de la belleza no era sino un recuerdo romántico e infantil en mi vida, discurrieron ante mis carpetas mujeres y mujeres … Una fauna de mujeres uniformes en su diafanidad y precisión a la hora de dibujar; las abracé y fui con ellas directamente al lienzo.

CRÓNICA SOBRE LA OBRA DE LA ARTISTA

Varias de las obras de Teresa Ahedo

La artista Teresa Ahedo establece una relación compleja entre el realismo y el expresionismo.  Y crea una competencia entre las dos, a pesar de que se alimentan entre si en muchas ocasiones.

Varían las matizaciones entre sus maestros como la objetividad de Courbet, la simplificación de Daumier, pasando por el idealismo de Mollet.

Siempre ha sido atrayente conocer la vida de aquellos que pueden expresar su forma de ver el mundo a través de los pinceles que plasman temas con bellos colores realizando cuadros al óleo, con acuarelas o con acrílicos, entre otros. Viendo las pinturas de Teresa Ahedo nos permite conocer algo más sobre la artista. No es fácil incluir toda su trayectoria en solo una crónica, ni mucho menos: en este caso es solo una representación de la obra de Teresa y, de esta forma, poder dar algo de luz sobre su obra. El ser artista por si solo es muy grande y tiene más mérito siendo mujer, madre y esposa. He de ser honesto y decir que las mujeres artistas lo han tenido muy difícil en la vida y gracias a su lucha han colaborado en la revolución del mundo y han obtenido parte de sus derechos con méritos propios.

No descubro nada si digo que la artista Teresa se inclina por el expresionismo pictórico y busca la pura realidad disfrazada en forma subjetiva. Ya que la misión del expresionismo se centra en captar los sentimientos del ser humano, como la angustia existencial, la decepción, el terror, la miseria, la soledad, el dolor… y potenciar las emociones.  La artista Teresa se preocupa en representar los sentimientos, de interpretar la realidad y dar rienda suelta a la libertad, especialmente en el uso de los colores, creando imágenes poderosas.

El expresionismo es el representante de los temas sociales en el mundo real y describe generalmente la maldad de la guerra. Un movimiento artístico que vio la luz en Alemania y se maduró entre las dos guerras. Han alcanzado mucha fama sus autores artistas como Kandinsky, Edgar Münch, Van Gogh, Frida Kahlo entre otros.

La artista Teresa Ahedo intenta ocupar el lugar que se merece en el mundo del arte; es una mujer valiente cuando se trata de crear obras cercanas a la mujer. En sus obras noto una lucha heredada de otras mujeres artistas del presente o del pasado. Grandes mujeres del arte, como lo hace nuestra compañera Teresa. Durante los siglos pasados, también hubo grandes mujeres artistas. Sin embargo, no han sido nombradas y pocos críticos se han preocupado de darlas a conocer como ellas lo merecen. Muchas mujeres artistas han sacrificado sus vidas trabajando codo con codo con sus parejas pintores. A ellos damos la fama y a ellas las dejamos en el olvido. En las obras de Tereso veo su expresión particular y de recordar su esfuerzo en hablar de la mujer. ¿Cómo no?  Hasta hoy en día se cuestionan los derechos de la mujer.

Antes de los años 60 del siglo pasado nunca se habló de las mujeres artistas y los críticos se ocuparon de ellos y nada sobre ellas. Artistas de la talla de Camille Claudel, esposa de Rodin, Lee Kastner, esposa de Pollock, Gabriele de Monter, esposa de Kandinsky, Sophie Teuler, esposa de Jean Arp, Frida Kahlo, mujer de Rivera. Ellas son artistas y han creado tantas obras como ellos. Pero de ellas poco se supo antes de los 70. Por no hablar de las artistas del renacimiento que son casi desconocidas, como Sofonisba  Anguissola, Lucia Anguissola, Rosalba Carriera o Lucrina Fetti , Artemisia Gentileschi y muchas más.

En mi opinión: creo que Teresa Ahedo nos muestra en su obra la lucha contra la injustica que ha maltratado a la mujer. Y en estas obras recrea estas luchas del pasado. Aunque en apariencia se notan influencias del artista Fernando Botero, como al retratar mujeres con cierto volumen. Creo que es su método y su símbolo de representar la grandeza de la mujer y afirma que la belleza no tiene nada que ver con los kilos.

Abdul Kader Al Khalil

by encontrarte

Entrevistas en Radio Espinosa Merindades y Radio Valdivielso

Hoy traemos a este blog dos entrevistas en relación a nuestra exposición en Medina de Pomar (Burgos), que puede verse durante estos días y hasta el 16 de agosto incluido (Salas: Ateneo Café Universal y Espacio Mayor, ambos en la C/Mayor)

encontrarte es muchas cosas. Es arte, es esperanza, la búsqueda de la verdad, el grito de protesta… y, sobre todo, es la visibilización de un pasaje negro de nuestra historia reciente. Queremos mantener la llama viva para que, algún día, de alguna forma, las víctimas de las maternidades robadas puedan reencontrarse, encontrar la justicia robada. Que algo así no vuelva a ocurrir jamás en ningún lugar de este planeta.

Y para lograr esa visibilidad, para nosotros es fundamental el papel de los medios de comunicación. Por eso no podemos más que agradecer a Radio Espinosa Merindades y Radio Valdivielso la oportunidad que nos han dado siendo nuestros altavoces en esta lucha que continúa. No nos olvidamos tampoco de El Diario de Burgos, que también ha aportado su granito de arena con la reseña que publicó el 8 de agosto. Entre todos sumamos un mayor impulso.

Nagore Aburruzaga

Para escuchar la entrevista realizada a Nistal Mayorga en Radio Espinosa Merindades el 9 de agosto de 2020 puedes pinchar en este enlace:

https://go.ivoox.com/rf/55162677

Para escuchar la entrevista realizada a Nistal Mayorga y Luis Andrés Miranda el 12 de agosto de 2020 en Radio Valdivielso puedes pinchar en este enlace:

https://podcasts.google.com/feed/aHR0cHM6Ly93d3cuaXZvb3guY29tL3BvZGNhc3QtcG9kY2FzdC1yYWRpby12YWxkaXZpZWxzb19mZ19mMTg1MzVfZmlsdHJvXzEueG1s/episode/aHR0cHM6Ly93d3cuaXZvb3guY29tLzU1MDUzOTI4?ep=14

by encontrarte

Entrevista a Michal Zienkiewicz

Michal Zienkiewicz

Entrevista realizada por Abdul Kader Al Khalil para encontrarte.

1-¿Qué representa para ti el proyecto encontrarte?

Representa el poder luchar con los pinceles contra una lacra de nuestra sociedad, debida directamente a la acción maliciosa de ciertas personas e instituciones religiosas que han robado bebés a unos para dárselo a otros por intereses sobre todo económicos. Es un acto de una crueldad extrema. Al no tener hijos no puedo más que poner mi granito de arena y solidarizarme con las personas y mis compañer@s que lo están sufriendo en sus carnes.

Como persona he tenido el placer de conocer a gente entrañable e interesante en este bonito proyecto.

2-¿Siendo la Música tu primera pasión, cuándo y por qué te surgió la idea de dedicarte también a la pintura?

La verdad es que desde pequeño me atraían las artes plásticas y sobre todo y ante todo la pintura. A los diez años si mal no recuerdo ingresé con mi querido Richard en su taller y desde entonces empecé mi andadura por este mundo tan bonito y apasionante.

3-¿Cómo se compagina la música y la pintura?

Pues la verdad es que muy bien. Lógicamente son dos destrezas bien diferentes pero que exigen en el fondo una serie de factores comunes como por ejemplo: disciplina, creatividad, persistencia, buena organización, autoexigencia, etc… osea que aun siendo dos artes tan diferentes comparten varias exigencias en común.

4-Muchos artistas escuchan música a la hora de crear, ¿qué te parece?

A mí personalmente me gusta, pienso que se crea un ambiente envolvente que me relaja y que me ayuda a llevar una dinámica buena y agradable. A veces hasta me envalentono demasiado con los pinceles en la mano, pero no es más que una opinión personal ya que hay artistas que prefieren crear en un ambiente íntimo, desde el silencio porque cualquier estímulo acústico o de otra índole que no sea lo que está haciendo le distrae y le molesta; así que, como he dicho antes yo creo que es una cuestión personal.

5-¿Aparte de la música clásica, escuchas otras músicas?

Si bien debo reconocer que tengo amigos de formación clásica (como yo) que de ahí no salen y a mi me parece muy respetable, en mi caso no. Aunque debo reconocer que escucho más clásica que otros tipos de música, escucho de todo pero bastante seleccionado, eso si.

Lo mismo me pongo flamenco, Jazz, Bob Marley, música hindú, árabe o alguna canción incluso de Julio Iglesias de vez en cuando y un etcétera muy largo, menos reggaeton, techno duro y las rancheras que no las trago. (Para gustos están…).

6-¿Se puede llegar a tocar un instrumento musical si a uno le gusta?

Claro que sí teniendo en cuenta los siguientes factores que me parecen los pilares más importantes: actitud, aptitud, disciplina, predisposición, pretensión, tiempo disponible, persistencia, edad, etc…

Porque todos estos factores nos deben de llevar al «¿Cómo?», toca, pero «cómo», pinta, pero «cómo». Por ejemplo: a mí me encanta la pintura de Rembrandt, ¿practicando podré pintar como él algún día? Pues no (igual me falta actitud, creer en mí mismo) o sí (por más que lo intento no llego ni a la vuelta de la esquina, pues falta de aptitud jejeje) y así podríamos seguir. Es solo, por supuesto, un ejemplo; seguramente en este caso sea combinación de todos esos factores que he puesto más alguno que otro, pues lo mismo pasa con un instrumento.

7-¿Qué encuentras en la pintura que no encuentras en la música?

A parte de ser un verdadero placer personal el mero hecho de pintar y sin aspirar a acabar colgando uno de mis cuadros al lado de un «José de Ribera» en un museo, la pintura posee la inviolabilidad temporal (una vez terminada) cosa que la música no, ya que ésta depende directamente del tiempo y se vuelve por consecuencia muy efímera. O sea que, para bien o para mal, cuando he terminado un cuadro y me siento satisfecho, es un gustazo darme la vuelta y volverlo a mirar y que siga ahí. Lo hecho, hecho está.

8-¿Cuál es tu estilo pictórico preferido? 

Sin ninguna duda para mí los siglos XVI y sobre todo el XVII son los que más me atraen, con pintores como Caravaggio, Tintoretto, El Greco, Tiziano, Velázquez, Españoleto, Murillo, Vermeer, Rembrandt, Rubens, De Lorena, Mengs etc… Aunque por supuesto hay más: Delacroix, Ingres, Constable, Turner, Monet, Sorolla, Zuloaga… 

Cada día me vuelvo más clásico en mi manera de pintar, ¿tendrá que ver eso con la música clásica?    

Y finalmente debo añadir que tengo desde hace mucho tiempo, y más desde que lo vi en directo, mi cuadro preferido, que no sé si es lo más correcto el decirlo pero así es: El Patizambo de José de Ribera. Cuando tengo algún día de esos «grises» lo observo atentamente, sobre todo la expresión de la cara, y ya me siento mucho mejor. Solo un genio podía haber hecho algo así, (tengo una lámina enmarcada en mi salón, el original está en el  Louvre haciéndole compañía a uno de los autorretratos más conocidos de Rembrandt).

Un cordial saludo a tod@s l@s artistas. 

CRÓNICA SOBRE LA OBRA DEL ARTISTA

Brecha. Obra creada para encontrarte

Michal, nacido en Lodz, Polonia, es licenciado en música y profesor de violín. Desde 1983 reside en Bilbao. Es un músico clásico y un buen artista plástico, también fiel al estilo clásico 

La obra Brecha, la defino como la fuerza del color y la intensidad del alma que dio diferencia a Rembrandt; es la sabiduría de usar el negro, el rojo y el blanco del cual supo utilizar bien Tiziano. También se nota su atracción por la luz lateral que transformó la belleza en las obras de Caravaggio. La luz lateral de Caravaggio llevada al extremo por Ribera. Y sin menospreciar las figuras alargadas que marcaron el primer estilo personal de un artista como fue el Greco. 

La obra de nuestro amigo Michal, es una pintura ideada en torno al dolor de la madre el perder un hijo, es una obra solemne, una idea rescatada de un paisaje bíblico: el mar se abre ante Moisés, o el Nilo traslada al niño Moisés hacia sus captores, el agua se hace tranquila y hay dos muros en forma de figuras humanas de madres que lloran por el niño. Aquí el artista describe que las aguas son tranquilas y un río manso. Representa la esperanza. Es una pintura simbólica, anclada en el la pintura clásica y ambientada en el simbolismo expresivo. Un panorama de tristeza y de dolor, pero allí al fondo hay esperanza. Esperanza divina, la luz que nos hace ver los caminos.   

La obra de Michal es el resultado de una larga reflexión. Crear esta obra no es casual, tiene fuerza, posee gran atractivo, representa aires surrealistas. ¿No es el surrealismo una manifestación del espíritu? El que produce sentimientos diferentes en forma de expresión revolucionaria ante los desacuerdos y provoca cambios notables en el arte universal y en las costumbres. La meta surrealista y sus medios se remontan siglos antes al nacimiento del movimiento. Basta citar a «el Bosco», considerado el primer artista surrealista, que en los siglos XV XVI creó obras como «El jardín de las delicias» o «El carro del heno»

Si el Greco fue el pintor más puro después de Rembrandt, ¿acaso no es de gran pureza esta obra?  También el artista aquí cuida más el color que el dibujo, a la que le dio gran importancia en definir el arte del toledano.

Otras obras del autor.

«El don del arte es concretar cualidades que habitan en todos los corazones, pero solo unos cuantos, jubilosos, nos muestran.»

Antonio Gala

Así encuentro la obra de Michal Zienkiewicz.

Abdul Kader Al Khalil