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Entrevista a Viky Taboada

Viky Taboada junto a su obra «Criando un vacío» para encontrarte

Entrevista realizada por Abdul Kader Al Khalil para encontrarte.

1-La primera pregunta es de obligado cumplimiento: ¿qué representó para ti el proyecto encontrarte? 

Ana Belén González me habló de la idea y, posteriormente, Roberto Zalbidea me dijo que contaba con mis pinceles para formar parte del proyecto. No tuve que pensarlo demasiado y supuso, inicialmente, un nuevo impulso. Este proyecto me llegó en un momento especial por problemas de salud y era un motivo para volver a arrancar de nuevo. Pero al introducirme más en él y conocer las historias de primera mano, que hasta ese momento solo conocía por la prensa, me sentí unida con el proyecto y con las personas que, considero, han vivido una crueldad sin límites. Por ello, supone orgullo poder participar en este proyecto, que creo que tiene mucho poder ya que creo que lo que se escucha enseguida se olvida, pero lo que se ve siempre impacta algo más.


2- Solo con ver tus obras por primera vez, comprendí tu admiración por la belleza de Bizkaia. ¿Cómo nació esta pasión?  

A lo largo de los años he pasado por distintas etapas; desde paisajes, flores o naturalezas, pasando por bodegones y figuras hasta llegar al mar. Pero realmente, nuestras costas y las de nuestros vecinos y, sobre todo, la ría actual y pasada es un tema que me atrapó. La ría es un elemento que ha definido la historia del Gran Bilbao, el cual es inconcebible sin ella, es una puerta al pasado y una mirada al futuro. Lo pinto y cuando acabo un cuadro ya me está esperando otro. El tema es inagotable ya que puede expresar diferentes cosas por su riqueza. 

3- Haciendo un repaso por tus obras encuentro en ellas aromas y olores del óxido. ¿A que se debe? 

Para mí, el óxido es la pátina del tiempo, el tiempo que marca mi vida. Y es una pátina familiar, vinculada a mí, porque es la pátina de los astilleros donde trabajaba mi padre y hermano, la pátina y el olor de los paseos por la ría. El óxido está lleno de matices, igual que mi vida. 

4- Nos ha impresionado tu obra “Criando un Vacío” donde representas el comercio no deseado. ¿Cómo te vino la idea? 

La obra es una denuncia en tono de pregunta y en la que se representan los culpables y los afectados. Sin tapujos. Nada es al azar en la obra. Los tonos fueron escogidos, fríos, para enfatizar la dureza del tema. Y el formato peculiar, utilizando el lienzo en dirección de rombo, apoya la perspectiva de la composición. 

Respecto al tema, está centrado en una historia concreta que pude conocer cuando nos presentaron el proyecto. Una madre nos explicó cómo le entregaron el cuerpo de su bebé, teóricamente muerto, en una caja de zapatos. Esta historia me impactó profundamente y por eso quise denunciarlo en mi obra. Los médicos tienen toda mi admiración porque son quienes nos curan en el cuerpo, pero por desgracia, como en todas partes, hay manzanas podridas y hay que denunciarlo. Por eso está plasmado en el cuadro, al igual que otros cómplices que aparecen en la obra. Además, en primer plano presté la imagen de mis propias hijas para representar a esas madres que no han podido criar y disfrutar de la vida de sus hijos, sujetando siluetas de bebés vacíos. 

5- ¿Qué recuerdas de tus inicios en la pintura? ¿Has tenido el apoyo necesario de los tuyos? 

Creo que he dibujado y pintado siempre. No podría diferenciar entre mis recuerdos cuáles fueron los inicios, es algo que siempre ha estado ahí, desde muy pequeña. Ha sido parte de mí. Por ello, fue una fácil decisión realizar los estudios en diseño de modas, donde pude formarme en diferentes técnicas que fueron ampliando mi aprendizaje, formándome en las bases del dibujo y color. 

He sido afortunada en cuanto al apoyo. Mis padres me apoyaron siempre y respetaron mi elección, algo que en esos años tal vez no fuera tan sencillo. Pero así fue, lo cual les agradezco enormemente. Más tarde mi marido e hijas se convirtieron en mis cómplices y tenemos recuerdos de aventuras preciosas en torno a la pintura y las exposiciones. 

6- Según mi visión, encuentro en tus obras un modo de reciclaje histórico y lo conviertes en algo del futuro. ¿Qué piensas de eso? 

No me planteo el marco temporal de las obras. Tampoco el futuro de mi pintura. Si algo he aprendido de esta pandemia es vivir al día, aunque sea de una manera digna. Es lo mismo que deseo para mi obra, pero sin plantearse demasiado qué se ha hecho, o dejado de hacer. Es cierto que utilizar pigmentos naturales y texturas con barnices mezclados por mí, en vez de usar mezclas comerciales, han dado un sello personal a mi obra, pero ha sido una decisión artística y no temporal. 

7- Es claro que posees vocación por la pintura y eres fiel a tu estilo, pero si te piden por encargo hacer algo diferente y de otro estilo, ¿lo harías? 

Siempre he pintado lo que el momento y el ánimo me han inspirado, pero es cierto que he tenido épocas con muchos encargos, sobre todo de retratos. También he hecho restauraciones, trabajos manuales y he dado clases en mi estudio y en centros oficiales. Por tanto, me veo como una artista muy polivalente, así que no he rechazado lo que me llegaba; más teniendo en cuenta que los encargos me han dado libertad económica para mantener mi estudio. Por otro lado, la persona que te encarga un trabajo conoce tu estilo y trayectoria y, por tanto, aunque inicialmente sea algo teóricamente diferente y te condicione ligeramente, siempre tiene tu toque. En cualquier caso, por desgracia, poco hay que plantearse sobre los encargos ya que cada vez escasean más con las crisis que se encadenan y que afectan fuertemente al arte. 

8- ¿Qué medidas impondrías para superar la crisis del arte? 

Es una pregunta compleja. Es natural pensar que hay necesidades más básicas y urgentes. Pero también es verdad que hay poca voluntad ya que el arte está considerado un artículo de lujo y ese es el peor error que se puede cometer. Debería de haber un cambio de paradigma para inculcar a los jóvenes el amor por el arte y acercarlo a la sociedad para comprender que el arte es uno de los valores más importantes de una cultura y una sociedad y que si se pierde, perdemos parte de la historia y la evolución humana. Sobre acciones más concretas, por supuesto, sería no grabar el arte con un impuesto tan alto. Por tanto, educación y menos impuestos, serían dos acciones a tener muy en cuenta para ayudar a la crisis del arte. 

9- Supongamos que puedes amar a dos comunidades por igual, y querrías poner en un cuadro las dos, por ejemplo, Galicia y Euskadi. ¿Qué pintarías? 

Sencillo, ya que no tengo que suponer, porque amo ambas comunidades. Galicia me vio nacer y ha sido una parte importante de mi vida. Euskadi es mi historia, donde he crecido y evolucionado como persona. En parte mis obras no son solo el sitio que se representan en un principio, sino que se evocan también recuerdos y experiencias de vida. Por ello, ambas comunidades están representadas. Cualquier paisaje marítimo son ambas tierras, culturas y personas. Cualquier obra que represente personas o naturaleza, son ambas, porque ambas me hacen a mí. 

CRÓNICA SOBRE LA OBRA DE VIKY TABOADA

«Criando un vacío» de Viky Taboada para encontrarte

Me complace tratar en esta crónica de hoy la trayectoria de una buena pintora como lo es Viky Taboada, mi amiga y compañera de exposiciones colectivas hace muchos años.

La obra de Vicky se puede clasificar en dos estilos pictóricos y a la vez se pueden encontrar en su obra dos influencias ambientales. En la técnica su pintura se manifiesta en lo Figurativo y en el Impresionismo. En cuanto a lo que describe su obra, hay que decir que es Impresionista en el ambiente histórico de Bizkaia, y figurista en lo social y humano.

Pinturas de Viky Taboada

La pintura Figurativa es aquella donde las imágenes que vemos en la obra son reconocibles. Son distinguibles: personas, animales, paisajes, objetos. De todo lo que define este estilo, la artista Viky plasma en sus pinturas paisajes de Bizkaia, en ambos lados del Nervión, los astilleros de Altos Hornos, el palacio de la Música, el museo Guggenheim y las aguas de la ría en su recorrido hacia el mar.

Esas figuras pueden estar deformadas, exageradas, simplificadas, e incluso utilizadas de manera simbólica, donde representan otra cosa diferente de la que vemos. Pero mientras distinguimos una figura, se trata de arte Figurativo. Lo Figurativo se entiende fundamentalmente en relación por su opuesto a lo Abstracto (en realidad, hasta la aparición del arte Abstracto en el siglo XX, no existía la definición de arte Figurativo porque no tenía sentido. Todo el arte era Figurativo)

Una selección del trabajo de Viky Taboada

Mientras, el Impresionismo se caracteriza por su presente experimentación con la iluminación. El manejo de la luz se considera un factor crucial para alcanzar belleza y balance en la pintura. Los cuadros impresionistas se construyen técnicamente a partir de manchas de colores, las cuales actúan como puntos de una policromía más amplia, Por ello, al observar sus obras es necesario mantener cierta distancia dejando así que aparezcan las luces, figuras y sombras. La aparición del Impresionismo ocurre como consecuencia de un gran cambio social; suceden una serie de transformaciones sociales: la revolución industrial como la primera causa. Y de estos paisajes industriales nos ofrece la artista Viky Taboada obras de los astilleros donde recuerda a sus familiares cuando trabajaban allí. Las manchas más bellas en sus obras impresionistas son las del óxido, el color que fue lo más notable del paisaje vizcaíno durante muchos años. Y Viky Taboada trata al óxido como pátina del tiempo, la pátina de los recuerdos,   

El estilo del Impresionismo se considera la ruptura con las normas clásicas en busca de un arte más moderno. En la obra de la artista Viky (“Criando un vacío”), que presentó para el proyecto encontrarte también vemos una gran ruptura, es la ruptura al silencio. Una obra realista donde retrata los culpables que han causado mucho dolor y mucha tristeza. Los describe sin tapujos, sin ambigüedades y sin miedo. No deja nada hecho por la casualidad o por el azar, más bien plasma una escena de lo que ha sucedido en la realidad. El Impresionismo abre los ojos del espectador a la técnica y también a la variedad  y a la captura de paisajes cotidianos vistos desde las imaginaciones de las perspectivas. Los colores son puros y poco mezclados.

Obra de Viky Taboada

El primero de los recursos pictóricos más destacados de la pintura Impresionista es la pincelada más gruesa y corta. La artista capta la esencia del movimiento, dejando a un lado los detalles, para crear sensaciones de profundidad.

Y para terminar, he de decir que la pintora Viky Taboada pinta lo que siente, porque posee una gran cultura visual y mucho conocimiento sobre el tema. No se preocupa de ser la primera o la mejor, pero sí en hacer lo que siente y lo que le gusta. En mi parecer veo que estudia profundamente el tema en su mente y después deja toda la libertad a sus pinceles, guiados por el sentimiento. Estas son cualidades especiales de los pintores valientes.

Abdul Kader Al Khalil

عبد القادر الخليل

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Entrevista a Ángel Momoitio «ANTIO»

El artista con su obra Oscura premonición

Entrevista realizada por Abdul Kader Al Khalil para encontrarte

En este día, tengo el honor y el placer de entrevistar a nuestro compañero el artista Ángel Momoitio. Lo primero, felices fiestas y feliz año.

1- Si me permites, me gustaría preguntarte, ¿ qué representa para ti tu participación en el proyecto encontrarte?

Gracias Abdul, feliz año también para ti y los tuyos.

Este proyecto, ha supuesto para mí la oportunidad de ofrecer mi arte, mis constantes esfuerzos, conocimientos y gestiones, al servicio de una noble causa que no debemos permitir que se repita…

Cuando me lo propusieron, te confieso que me sentí muy ilusionado, pero también con muchas dudas… Conociéndome, sabía que me implicaría al 200%; que tantas horas de dedicación podrían, incluso, afectar a mi vida privada. Pero, aun así, me dejé llevar por esa voz interior que me lo suplicaba a gritos…

Mi mujer y yo, habíamos sentido el frustrante vacío de no haber podido conquistar nuestro anhelado sueño de ser padres, a pesar de numerosos tratamientos de fertilidad. De hecho, estuvimos a punto en varias ocasiones. Y cuando parecía que, al fin, ya íbamos a conseguirlo, perdimos a nuestra niña a los seis meses de embarazo. Este cuadro, es muy simbólico y especial para mí; aparece en el vientre de la figura protagonista, la ecografía real de ese pequeño “ángel”.

No intento comparar ese dolor con el que sufren tantas madres y padres a los que la maldad y la ambición humana les han robado un hijo. Pero tampoco te voy a negar que, muchas veces, hemos sentido un vacío mínimamente parecido. Como si la caprichosa naturaleza, las negligencias de la ciencia médica de los hombres…o, incluso, la fatalidad de nuestro propio destino, nos hubiera arrebatado ese natural derecho. Con este proyecto, intento secar, aliviar, esas cicatrices que me siguen sangrando dentro. Y lo hago de la mejor manera que sé, contribuyendo a ayudar a los que sufren o han sufrido alguna vez algo parecido.

Dedicar mi arte y mi trabajo a este proyecto es para mí una necesidad vital. Y, al mismo tiempo, una especie de liberación o catarsis, encaminada a potenciar la esperanza entre tantas sombras y preguntas sin respuesta…Me colma de infinitas satisfacciones y me ayuda a seguir adelante cada día. En el fondo, pienso que es un gran reto que el destino me estaba reservando…

2- La vocación, tu vocación. Háblanos sobre tu obra y de tu inspiración creativa

Mi amor por la pintura surge en la infancia (6 o 7 años). Veía pintar a mi padre, el pintor internacional vasco Julián Momoitio, y ese gusanillo fue hechizando todo mi ser. Con él aprendí los fundamentos básicos del color y de la forma. Recuerdo una curiosa anécdota de aquellos primeros años…Con tan solo 6, garabatee la parte trasera de un viejo sofá que tenía en su estudio. Yo, pensaba que al verlo, me echaría una fuerte reprimenda. Se acercó lentamente hacia mí, observó detalladamente aquel dibujo —una especie de paisaje, con un grupo de figuras en un camino—, me dio una leve palmadita en la espalda y me dijo: “hijo, no te asustes. ¡¡tienes madera!!» En ese instante, descubrí que quería ser pintor, que había nacido para el arte…

Luego, mi vida ha dado muchas vueltas (la actividad comercial, el periodismo, la poesía, el ajedrez…) Pero la pintura siempre ha estado ahí, muy presente en cada una de mis etapas. He procurado Impregnar mi sello personal en cada una de mis obras. Y humildemente, creo que con los años, he logrado configurar las bases de un estilo propio, caracterizado por un peculiar cromatismo de colores grises y quebrados. Una gama que mi alma ha llegado a subjetivar y con la que me identifico plenamente.

Me gusta tanto la abstracción como la figuración. A veces, de forma aislada y otras, yuxtapuestas una con la otra. También, a través de los encargos, me he ido especializando bastante en el retrato. Sobre todo, al óleo y al pastel. Otros géneros como el paisaje y el bodegón, los cultivo menos.

Encuentro mis fuentes de inspiración en mis propias formas de sentir y de pensar. En este difícil mundo del arte, casi todos pecamos de alguna u otra influencia; casi todo está creado o inventado ya.  Por eso, a nivel del mensaje, pretendo hacer todo lo posible por alejarme de ellas. Técnicamente, considero imprescindible estudiar a los clásicos: Rembrandt, Velázquez, Goya, el gran  Da Vinci…Son en este sentido, fuentes inagotables de conocimientos.

3- El periodismo camina siempre en busca de la verdad, cómo puedes asociar la verdad del periodismo con la imaginación como fundamento del arte? Los sueños…

Cierto. El periodismo a nivel general y, sobre todo, desde la vertiente de la fría noticia, implica una búsqueda de la verdad desde un prisma objetivo, con paradigmas o pilares en torno a básicas preguntas (¿qué? ¿quién?, ¿cómo?, ¿cuándo? ¿dónde?). Pero no olvidemos esas otras caras del periodismo: las editoriales, los artículos de opinión y  columnas, las crónicas…Donde el margen de la interpretación personal es muchísimo más amplio. Aquí, el poder de la libertad de expresión, la proyección del yo humano, y, por ende, la personalidad del autor, aflora de forma instintiva e inexorable. Es un tipo de periodismo “hermano menor del género literario”.

Es en este terreno donde siempre me he sentido más a gusto y en el que, salvando las distancias, encuentro mayores conexiones con el apasionante cosmos del arte.

Soy un hombre muy comunicativo y expresivo por excelencia. Y si tenemos en cuenta, que tanto el mundo del arte como este tipo de periodismo son también expresión en estado puro, no es extraño que mi personalidad necesite “beber” de ambas fuentes para calmar su sed.

Por otro lado, el mundo onírico y el poder de la imaginación que «alimentan» el arte, son para mí especies de puertas escondidas pero abiertas. Con ellas juego para poder escapar de la triste realidad. Privilegiados y salvadores viajes de ida y vuelta,  que me ayudan a descubrirme, día a día…

4- ¿Cuál es el trabajo tuyo que más te ha impactado hasta ahora?

Sería difícil contestarte. Por elegir uno, quizás un cuadro de gran formato (60fig/ 130 x 97 Cms) que pinté hace ya más de una década, en el 2004, Euskadi: un amanecer de esperanza. A base de pigmentos, resinas acrílicas, tintas especiales, materia degradada, texturas y materiales de relieve similares a la técnica escultórica…

Una pieza de mi colección particular. Forma parte de una época en la que tuve la necesidad de experimentar; pintar una serie de obras con nuevas técnicas y soportes que encontraba habitualmente abandonados en la calle: pallets, chapas de hierro oxidadas, tableros húmedos de madera…y otros, como maderas tratadas previamente con barniz o quemadas, telas rotas y rasgadas de lienzos, etc…Intentaba reflejar la degradación progresiva de mi entorno más inmediato. Incluso, con temas  mucho más universales: la pobreza humana, la exclusión social, el hambre, el oscuro y deprimente mundo de las drogas, las guerras y la violencia del terrorismo…Todas ellas, bañadas en atmósferas cromáticas de un deliberado y marcado tenebrismo.

Esta obra,  fue seleccionada en varios concursos. Me siento plenamente satisfecho de ella. Por su fuerza, su desgarrador cromatismo y ese drama social, representado desde un profético y esperanzador enfoque: la violencia terrorista del Pais Vasco. Hoy, ese sueño es ya una realidad conquistada por la PAZ.

5- Si pudieras parecerte a otro artista por un solo día, ¿a quién te gustaría parecerte?

Sinceramente, aspiro en todo momento poder alejarme de las influencias y ser yo mismo. Pero ya que me lo pones tan fácil diciéndome que solo por un día…jajaja, te diré sin dudarlo que al genial Picasso.

Me fascina su infinito torrente creativo y esa enérgica pasión por el arte. Su hambrienta y obsesiva curiosidad hacia todo lo que le rodeaba. Su autenticidad y singular sello en todos los trabajos que hacía (pintura, escultura, grabado…). Por encima de modas, influencias externas y la condicionante, peligrosa y manipuladora opinión de la sociedad, ¡era él y solo él!

Tenía tanto talento y  una imaginación tan fértil y poderosa,  que se permitía el lujo de pintar sin pinceles y con lo primero que pillaba a mano. ¡Todo él era arte!

Es muy posible, que como persona y en sus relaciones amorosas y de convivencia dejaría mucho que desear. Pero como artista, me parece una personalidad única e irrepetible.

En el fondo, fue siempre un niño grande, que jugaba a crear y a “devorar como un caníbal” las emociones humanas, para después  plasmarlas y “bautizarlas” en otras dimensiones en cada una de sus obras. Para mí, Picasso marcó un antes y un después en el mundo de la pintura.

6- Por costumbre, siempre hablamos de los artistas distantes en el tiempo y restantes del lugar. Sin embargo, hay muchos artistas de Euskadi que pondrían contento a cualquier persona amante del arte. ¿No te parece?

Por supuesto que sí. Los que vivimos el arte de forma especial y somos de aquí, sabemos bien que Euskadi, a lo largo de su historia, ha sido cuna y tierra de grandes sagas de pintores. Ahí están los Arteta, Arrúe, Zubiaurre, mi admirado Zuloaga, Regoyos, Iturrino, Guinea…Más recientes, Badiola, Urzay, Cristina Iglesias, Lazkano…

Particularmente, siempre me ha llamado la atención ese mundo oscuro y sucio emanado de la paleta de Zuloaga.  Hace un año, tuve la oportunidad de ver su retrospectiva en el Bellas Artes, y disfruté muchísimo. Sus retratos a personajes de la época demuestran que, además de un exquisito pintor, fue un mago de la psicología humana…

7- ¿Con qué estilo te quedarías mejor definido, por lo menos hasta ahora?

Muchos me han dicho que, analizando aisladamente determinados fragmentos de mis obras, podían encontrar un poquito de todo. Que son como jardines impregnados del perfume de múltiples flores: impresionismo, expresionismo abstracto, surrealismo, realismo…Posiblemente, tengan bastante razón al afirmar esto. Sin embargo, exceptuando algunos coqueteos con el impresionismo en mis comienzos, personalmente me identifico mucho más con el expresionismo abstracto.

Mi visión del arte y mi alma, necesitan de este concepto universal a la hora de crear. Las brújulas sagradas que me orientan durante la aventurera travesía del arduo proceso creativo, suelen ser, casi siempre, los sentimientos y las desnudas emociones. Utilizo la realidad como un simple referente o pretexto inicial para poder canalizar este arco iris de sensaciones, y de manera instintiva, impulsiva y espontánea.

El mensaje global que puedo llegar a transmitir al espectador es el motor que siempre más me ha motivado e interesado. Hacerles primero sentir y luego pensar. Por encima de distracciones formales o cánones meramente estéticos. Para mí, un cuadro o cualquier tipo de obra de arte, tiene que ser ante todo mensaje. Un lenguaje o forma de expresión que tenga como esencial objetivo: calar en lo más profundo del corazón del espectador y les haga interrogarse o cuestionarse inmediatamente algo.

8- ¿Qué opinas del espectáculo visual en el arte modernista?, ¿crees que todo lo que vemos lo podemos llamar arte?

El mayor espectáculo visual, sublevando muchas veces los límites del fraude y protegido por el marketing, donde sin duda más abunda es en el arte contemporáneo. Parece que lo único que se pretende aquí es llamar la atención, provocar a toda costa un fuerte impacto psicológico en  el espectador. Buscar egoístamente la promoción del propio artista, sin pretender aportar nada relevante o nuevo al conjunto de la sociedad.

Por supuesto que hay que respetar la libertad de expresión a la hora de crear. Pero siempre, dentro de unos límites que nunca se deberían traspasar. Este tipo de descaradas actitudes, nos perjudican a todos los que de verdad sentimos el arte.

En este sentido, los galeristas, organizadores de Ferias y demás escenarios nacionales e  internacionales, y sobre todo, los críticos reputados y avalados por sus conocimientos y años de experiencia, deberían tener el peso de esa responsabilidad depurativa, haciendo de filtro mediante “justas operaciones quirúrgicas”, con sus estrictas selecciones y publicaciones.

Sería una forma de proteger al mercado general del arte; no denigrarlo .De que, a la postre, vayan quedando solo en primer plano los que realmente sientan aquello que hacen y su mensaje sea verdaderamente útil para los demás.

La  palabra arte, es demasiado sagrada como para hacer con ella un “circo” y desprestigiarla como muchos lo hacen…No podemos llamar a todo arte. En todo caso, utilizar más habitualmente y en su justa medida, expresiones como espectáculo, performance o experimentos  visuales. El arte es otra cosa…

Y los artistas debemos sentirnos seres especiales y privilegiados, por el carácter eterno de nuestras obras. Con una clara misión: el reciclaje ideológico y espiritual, como paso previo a futuras y profundas transformaciones de la sociedad.

9- Como periodista, te hago esta pregunta si me lo permites, ¿por qué todos los colectivos tienen ayudas de la administración durante la pandemia, excepto los artistas plásticos?, ¿ acaso viven de su arte, o es que deben dejar de pintar?

Ampliaría esa observación al conjunto de artistas de otras disciplinas y al sector de los autónomos específicamente.

Los políticos y la sociedad en general no valoran suficientemente el arte. Todavía no son conscientes de que constituye un alimento primordial para la renovación del espíritu humano. Capaz de generar a gran escala gérmenes ideológicos masivos que pueden llegar a producir marcadas transformaciones sociales.

Lo consideran un artículo de lujo o un submundo donde se camuflan los vagos, los marginados y los lunáticos. Como consecuencia y, salvo contadas excepciones amparadas o dependientes de poderes institucionales y gubernamentales, o contados genios que han sabido relacionarse y explotar bien sus numerosos contactos, es prácticamente imposible poder vivir dignamente de esto.

La mayoría, lo que hacemos es sobrevivir como buenamente podemos. Otros trabajos alternativos, encargos muy esporádicos, clases de arte…Cualquier cosa, con tal de poder seguir invirtiendo tiempo en nuestra pasión. Date cuenta que, cuando hay que recortar algún tipo de subvenciones o presupuestos, los destinados a Cultura siempre se llevan la peor parte del pastel.

Esperemos que algún día no muy lejano, todo esto empiece a cambiar de verdad y se otorgue al mundo del arte y a los artistas la importancia que realmente merecen.

A veces, tengo la extraña sensación de que esta cruel pandemia que nos está tocando sufrir es una dura y macabra prueba del destino. Me niego a pensar que todas estas montañas de injustas muertes no van a servir para nada…

Las actuales circunstancias nos están obligando a frenar el ritmo habitual de nuestras vidas; a dejar de vivir deprisa y como autómatas. Nos han robado los abrazos, las caricias, los besos…Tenemos que empezar a valorar, más que nunca, todos esos tesoros que antes teníamos y probablemente no valorábamos lo suficiente. Quizás, en tiempos de obligada introspección como este, nos demos al fin cuenta de la faceta salvadora del arte.

Sepamos valorar la distracción que nos ofrece una buena película para no pensar en problemas; la revitalizante belleza y estímulos de pensamiento, que puede brindarnos un genial cuadro; o el efecto terapéutico que puede provocar en nuestras narcotizadas neuronas una dulce canción o armoniosa pieza musical…

Quizás, llegue también pronto una nueva era para el arte…¡¡Quizás!!…

Fuerte ABRAZO, Abdul. Un placer haber sido entrevistado por tu pluma.

CRÓNICA SOBRE LA OBRA DEL ARTISTA

Fantasía Guggenheim (Acrílico y tintas) a la izquierda y Euskadi: un amanecer de esperanza (Acrílico/ Óleo) a la derecha

La belleza es un valor real y mundial, que debemos buscar y producir como objetivo estético. Con la intención de poder disfrutar de las sensaciones percibidas; apelando al vuelo de la imaginación y a la fantasía para suscitar interés y provocar una experiencia que nos haga sentir, vivir, esa realidad estética-creadora. La belleza visual, es para apreciarla, gozarla y conservarla con criterio, comprendiendo que todas las cosas bellas son arte.

Si no, ¿cómo  podemos apreciar la hermosura y el significado plástico de una obra sin que responda a la belleza? Las imágenes nos hablan por si mismas, alcanzan otros espacios más amplios y hermosos. Porque nos expresan mediante el soporte, la percepción directa que otorga la comunicación visual y el enfoque del arte, para conseguir una representación espacial del orden visual de la figura.

Al tesoro de tu infancia (Pastel) a la izquierda, Retrato de mi madre (Pastel) en el centro y Duelo de titanes (Acrílico/Óleo) a la derecha

Ángel Momoitio, artista y periodista, primogénito del pintor vasco Julián Momoitio, nos ofrece en su obra Oscura premonición otra manera de ver el valor del cromatismo en el arte. En atmósferas oscuras y cálidas a la vez. Siendo un pintor profesional, entiende el significado de las teorías y conceptos de la armonía cromática y las técnicas pictóricas y del color en general.

El concepto cromático de Ángel Momoitio constituye un verdadero principio de la armonía del color. Se basa en la obtención de una proporción y su particular correspondencia. La gran influencia de los conocimientos aportados por su experiencia del color, determina que la armonía de sus colores se encuentre hoy más cerca de lo cromato lógico que de lo icono lingüístico, concepto dado por la teoría tradicional del color.

Pentagrama a tu eternidad (Óleo. Hom. póstumo al poeta M. A. Marrodán) a la izquierda y Lágrimas perennes (Óleo) a la derecha

Ángel Momoitio, expresa en sus pinturas la casuística existencial de sus más íntimas inquietudes con la poesía del color. Nos proyecta, en todo momento, un paradigma consustancial con su propia personalidad, reflejada en momentos de evidente inspiración. Utilizando una gama de colores fríos para conseguir colores grises quebrados. Mientras, reina en la obra el color de la gama melódica dominante; haciendo un color Madre y luego, utilizando sus variedades para crear diferentes distancias entre los diversos planos. No utiliza colores directos, sino que son obtenidos de las mezclas derivadas de unos con otros.

Se aprecia un laborioso y previo estudio del color, y lo plasma como eje de la luz que orienta el motivo, para utilizarlo posteriormente en todas las mezclas. A esto llamamos , color madre o color ambiente. Siendo notable en sus obras la utilización de pocos colores, que juntos se ven bien.

Sinfonía cromática (Acrílico. Hom. al pueblo de Ortuella) a la izquierda y Renacimiento (Acrílico/ Óleo) a la derecha

El don artístico está muy arraigado a la opinión de que la actividad artística estaría reservada a una categoría muy limitada de seres dotados desde la más tierna edad, como es el caso de Ángel Momoitio. Pero no se convierte en gran pintor de la noche a la mañana, sino después de una trayectoria basada en el trabajo, en el estudio de las cosas y de una larga y profunda reflexión.

El don pictórico, tal como nos lo imaginamos, se manifiesta principalmente en una prodigiosa habilidad manual. Las obras que nos presenta este artista , son excelentes ejemplos de una gran  habilidad manual. Una notoria habilidad en crear obras en tantos estilos pictóricos: realismo, expresionismo, impresionismo, y abstracto, entre otros ligados a su personal estilo.  

Y tal como las plantas viven de la luz, las obras viven de la mirada. Algunas, irradiando una espiritualidad concentrada en ellas mismas. Para captar la belleza de esta mágica espiritualidad, hay que aprender a verlas con miradas limpias…

Abdul Kader Al Khalil.

عبد القادر الخليل.     الفنان والباحث التشكيلي السوري

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Entrevista a Enrique López Suárez «Elosu»

Enrique López Suárez «Elosu» con su obra Siento que estás ahí para encontrarte

Entrevista realizada por Abdul Kader Al Khalil para encontrarte.

1-Amigo Enrique, ¿qué representó para ti el proyecto «encontrarte»?

Este caso de los bebés robados en las clínicas, hospitales y maternidades, ya había salido en los medios de comunicación, y todos estábamos enterados.

Pero ocurre que las noticias en la prensa, radio y televisión duran lo que dura su emisión; es decir, que a los cuatro días, si alguien no se ocupa de remover el tema, todos nos olvidamos.

Pues bien, en el caso de encontrarte, han sido un pequeño grupo de artistas de la pintura los que se han preocupado de recordarnos que siguen estos problemas.

En mi caso, los artistas Nistal Mayorga y Ángel Momoitio, fueron los que me informaron e invitaron a que participara en el proyecto. Me pareció muy interesante el desafío de colaborar y realizar una obra, que, de acuerdo con sus ideas, debía reflejar el vacío provocado por el bebé ausente.

En el lienzo, reflejé la imagen de una madre pensando que no iba a ver crecer a su hijo. El dolor y misterio de cómo fue, como era y como sería el niño que no estaría a su lado, mostrando la silueta de un bebé en un collage de un recorte de prensa con noticias sobre los bebés robados.

2-En tu opinión ¿crees que es necesario que el artista sepa utilizar todas las técnicas para ser artista?

Creo que no. Podemos utilizar el medio que tenemos en ese momento a nuestro alcance; un ejemplo son las pinturas prehistóricas, un niño realiza un dibujo efímero sobre el vaho de un cristal. Con un simple carboncillo se pueden crear obras preciosas. Por supuesto, cuanto más técnicas conozcamos, más oportunidades tendremos.

3-Si no es ninguna molestia para ti, ¿podrías decirnos cuantas obras has creado hasta el momento? ¿Y qué técnica trabajas más?

No lo sé exactamente. Unas mejores y otras peores, pero más de trescientas seguro. Me siento muy cómodo con el óleo y la acuarela, dependiendo del tipo de obra que se me ocurra, aunque las he realizado también con pastel, acrílico, gouasch, etc.

4-A lo largo de tu trayectoria como artista, ¿has comenzado alguna obra y no la has terminado?

Procuro rematar todas las obras que comienzo, aunque una parte de ellas (sobre todo acuarelas) son destruidas.

5-Todos los artistas al comenzar son influenciados por alguien. ¿Quién fue tu fuente de inspiración? ¿Es el mismo ahora que entonces?

Mis primeros óleos que realicé de manera autodidacta, fueron copias de Sorolla. Quedé cautivado por su pintura y creo que, aunque he ido evolucionando dentro de mi estilo, ha influido mucho en mi trayectoria como pintor.

6-El artista Eugène Delacroix en cierta ocasión dijo: «dame lodo y pintare con ello la piel de venus». ¿Crees es tan fácil pintar figuras humanas?

Mi aprendizaje de la figura la hice con unos libros que me dejaron del norteamericano Andrew Loomis. Después practiqué en el Museo de Reproducciones con El Ruso y apuntes al natural en el Estudio Richard.  Dentro de la pintura de figura humana, me resulta más fácil pintar desnudos a los personajes que vestidos. Es menos complicado.

7-Algunos críticos de arte dicen que la acuarela es el hermano chiqui del arte, ¿Qué te merece esta opinión? ¿Y los que dicen esto, crees que conocen el arte?  

Pinto acuarelas y pinto óleos.  No considero a la acuarela como hermano menor, salvo en el tamaño; al fin y al cabo, la principal diferencia está en los aglutinantes y en el soporte. La pintura a la acuarela exige una previa estrategia por parte del pintor para tener todos los pasos de la pintura en su mente. De lo que uno quiere hacer a lo que salga… el agua es caprichosa y hace lo que le da la gana. El resultado de una buena acuarela es una gozada. 

8-Según Picasso, la escultura es el arte de los inteligentes. ¿Crees que los pintores son menos inteligentes?  

No creo que tenga nada que ver. Ambos trabajan con soportes diferentes. Y para crear una escultura considero imprescindible tener una idea de dibujo.

9-Según Oscar Wilde, el arte es el amor, la ternura es la que le da la fuerza. ¿Crees que el arte de hoy se hace todo con ternura?

Por lo menos eso intento. Poner todo el cariño en lo que hago.

CRÓNICA SOBRE LA OBRA DE ENRIQUE LÓPEZ SUÁREZ «ELOSU»

Siento que estás ahí, de Enrique López para encontrarte

«No se trata de pintar la vida, se trata de hacer viva la pintura.»

Paul Cézanne

Así es la obra de nuestro compañero el artista Enrique López: hace obras muy vivas, del entorno cotidiano, sean temas del paisaje urbano, o figuras sociales. Nacido para ser artista, hace suya la humildad a la hora de hablar de su obra. La humildad que deben tener todos los artistas ya que es la senda de todos los éxitos. El artista Enrique crea sus obras con lealtad al tema tratado o como notario de la historia. Mima el dibujo y cuida mucho de elegir las perspectivas. Realza sus paisajes transmitiendo en ellos la felicidad interna y nos hace ser partícipes de esta felicidad. Esa felicidad que necesitamos en los tiempos actuales para resistir a la pandemia.

«No hay medicina que cure lo que no cura la felicidad.»

García Márquez
Varias obras sobre músicos de Enrique López «Elosu»

La razón del artista Enrique López Suárez es una simbiosis de la pasión por la música vista por el arte. La música es uno de sus temas preferidos, como ha sido tratada en obras de grandes creadores como Vasili Kandinsky y Paul Klee, también en las obras del arte mexicano. Enrique López en sus pinturas trata este género con mucha ternura y usa unos colores que representan la intensidad del sonido, agradan la visión y son extraordinarios instrumentos reales.

Observo las obras de Enrique desde hace tiempo, es un artista sensible, creativo, con abundancia y renovador. En su obra trata todo lo que puede gustar al espectador: los paisajes, el mar, las ciudades históricas y las figuras humanas. Es un pintor hecho a sí mismo, lo cual tiene mucho mérito, como tantos artistas en el pasado que fueron autodidactas y de quienes nadie duda que fueron muy buenos artistas, como Giorgione, Turner, William Blake, Van Gogh, Henri Roseau, y Antonio Tapies entre otros; y de este calibre es el artista Enrique López.

«Yo soy un estudioso de la naturaleza, solo me he tenido a mí mismo como maestro, el trabajo más constante de mi vida ha sido consagrarme a la preservación de mi independencia.»

Gustave Courbet
Obra de «Elosu»

En las creaciones de Enrique López, vemos decenas de retratos y paisajes que podrían poner de buen humor a cualquier artista contemporáneo. Las pinturas de Enrique poseen una fascinación extraordinaria y conmueven las emociones y la nostalgia. Nos traslada con su pintura a desear estar dentro de sus lienzos, es un poder que atrae y lo hace con mucha habilidad.

Enrique pinta bajo el impulso del ansia de ser artista. Un pintor figurativo y paisajista, buen dibujante, tanto al óleo como en la acuarela, y en otras técnicas que practica con mucho conocimiento y con esmero.

Varios paisajes de Enrique López Suárez

El artista Enrique López, según mi conocimiento, es un amante de la luz y esa es su pasión que le lleva a tratar de plasmar su incidencia sobre las cosas, como embellece las cosas y como las hace más vivas. Prosigue la belleza de la luz de otra manera que hacía Sorolla, no es una definición académica, pero resulta una manera clara de explicarlo. No le han interesado impresiones abstractas, más bien paisajes que crean ánimo. Y son verdaderas obras de arte. Hay en ellas auténtica recopilación de cuantos rasgos definen el realismo. 

Abdul Kader Al Khalil

عبد القادر الخليل

Si quieres saber más sobre la obra de Enrique López «Elosu» visita su página web www.elosupintura.artelista.com

COMUNICADO ENCONTRARTE

Publicamos hoy esta entrevista, una semana después de lo habitual, coordinando que por ser época  navideña,  la próxima entrevista de Ábdul  será el miércoles 13 de enero.

Sin embargo, y en líneas generales, el resto de secciones y noticias de nuestro blog, seguirán pendientes de cualquier noticia  novedosa para contaros.

De hecho, el próximo miércoles día 23, antesala de la nochebuena, publicaremos en nuestro apartado  “Otros Encuentros” una interesante entrevista a Jon Mao y sus murales. Os invitamos a leerla.

Mientras tanto, solo nos queda lanzar un brindis por vuestra salud y desearos que disfrutéis de esta mágicas fiestas. Eso si, con mucha precaución.

¡¡ CUIDAROS Y OS ESPERAMOS A LA VUELTA !!

Ángel MOMOITIO GARCÍA

( Directiva Encontrarte )