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Entrevista a Ana Belén González García «Nistal Mayorga»

Ana Belén González junto a su obra «El vacío de tu ausencia» para encontrarte

Entrevista realizada por Abdul Kader Al Khalil para encontrarte.

Con mucho placer entrevisto hoy a la presidenta y comisaria del proyecto encontrarte, Ana Belén.

1- ¿En qué momento ha surgido la idea de este gran proyecto y qué representó para ti personalmente?

Esta idea, como casi todas, siempre surgen un poco por casualidad y otro por un montón de circunstancias encadenadas que se alinean en un momento dado.

Mi lucha en la causa de los bebés robados se remonta a 2012, cuando soy consciente y encuentro un montón de indicios de que mi hermana no falleció, ni cuándo, ni cómo, ni dónde les dijeron a mis padres; y eso que en ese momento la llevábamos llorando 46 años.

Cuando a principios de 2019 el pintor Roberto Zalbidea y yo estábamos colaborando en otros temas, nos comenzó a rondar por la cabeza la ilusión de poder ayudar a dar visibilidad a esta causa a través de nuestro Arte. Cuanto más hablábamos sobre el tema, más útil y real nos parecía la idea.

También yo lo comenté en los grupos de víctimas y afectados a los que pertenezco y así comenzamos a darle forma y a evolucionar esa primera idea.

Personalmente, por muchos motivos, creo que hay un antes y un después en mi vida, hasta convertirse en un motor, una meta y una ilusión en ella.

2- ¿Con qué dificultades has topado en este proyecto? ¿Te has sentido sola en algún momento?

Las dificultades han sido grandes, a la altura del gran proyecto en el que se ha convertido. Pero también es muy reconfortante ir superando los obstáculos, ver que vamos consiguiendo lo que pretendíamos y que se van sumando y colaborando más personas interesantes, apoyando cada una desde su realidad o experiencia.

Cada vez vamos siendo más conscientes de la dimensión y amplitud que esto va cogiendo.

Como siempre en tus entrevistas Abdul, siento que haces la pregunta justa, denotando tu intuición e inteligencia, y dando gracias de que seas un gran colaborador en nuestro proyecto.

La soledad es un estado de ánimo, a mí modo de ver, muy profundo e íntimo… Quiero decir que a veces depende más de ti mismo que del exterior… Y sí, he sentido soledad muchas veces, pero no por no estar arropada y acompañada, sino como una especie de vértigo por la vorágine en la que se convirtió todo, incluso con el parón de la pandemia y todas las circunstancias; muchos de los preparativos dispuestos se paralizaron, pero a la vez no hemos dejado de trabajar en la retaguardia en ningún momento.

3- ¿Qué experiencias estás recopilando siendo promotora y comisaria de encontrarte?

Muchas y variadas. Está siendo un gran crecimiento personal, a todos los niveles, estoy haciendo cosas que jamás habría imaginado, incluso algunas que ni sabía que existían. Mi carácter es curioso por naturaleza, aparte de que me siento muy útil, porque estamos consiguiendo lo que pretendíamos en la causa de las «maternidades robadas» de una manera original y única… Ayudando de la mejor manera que podemos hacer los artistas: con ARTE.

Siempre he dicho que mi mayor tesoro son mis amigos y aquí los que ya lo eran lo están demostrando día a día, apareciendo otros que se han quedado en mi vida y que nunca habrían llegado sin este proyecto.

4- ¿Cuáles son las nuevas propuestas que tienes para este año?

Lo primero que podamos recuperar la movilidad territorial y contacto con otras personas sin riesgo para nuestra salud. A partir de ahí podremos ir poniendo en práctica todas las ideas, qué son muchas: poder seguir mostrando nuestra exposición pictórica en muchas salas variadas de las que tenemos ofrecimiento, todavía sin concretar por las circunstancias.

Lo que seguimos teniendo clarísimo desde el primer día es que nuestro proyecto no puede ser algo triste, eso se queda para los afectados y las víctimas; por el contrario, tiene que ser algo interesante, entretenido y hasta divertido, para que los eventos artísticos que propongamos tengan seguimiento y repercusión.

Eso incluye un poemario que ya está en ciernes.

Actuaciones musicales, conferencias… etc.

Convenios de colaboración con otras entidades.

Para todo eso, es necesario y te lo digo en primicia (aunque ya los colaboradores más directos estamos trabajando en ello) crear la «Asociación encontrarte», para poder conseguir los medios prácticos que nos permitan financiar nuestras actividades.

5- ¿En tu faceta de artista, cómo logras tener tiempo para dedicarlo a realizar pintura, a mover el proyecto, atender a los medios y atender a tu familia?

Pues no te voy a engañar, haciendo encaje de bolillos, quitándole muchas horas al sueño y a actividades privadas, intentando organizarme bien sin conseguirlo muchas veces.

6- El lenguaje de la pintura no es el lenguaje de las palabras, ¿Cuál es el papel de una comisaria para articular un diálogo social?

He tenido que pensar mucho en esta pregunta para intentar contestarte y la verdad es que no lo sé. La palabra «Comisaria» surgió al fallecer Roberto, que iba a ser el encargado de esa labor. Yo me lo he tomado como una coordinación de todos los factores que conozco y que han ido surgiendo de una manera no improvisada, pero si intuitiva… Se van creando las necesidades y vamos intentando darle solución.

Y lo digo en plural porque he tenido la suerte de tener colaboradores muy capaces a mi lado.

Pero realmente el diálogo social del que hablas, se consigue siendo nexo de unión entre el Arte, la Causa y los Medios… Y eso creo que es lo que estamos sabiendo hacer entre todos desde encontrarte; por lo menos esa es nuestra meta.

7- ¿Cuáles son tus estrategias para que te atiendan los medios de información?

Pues intentar que nuestro proyecto sea lo suficientemente interesante como para que nos den voz, de ahí el intentar aglutinar todo lo que a mí como espectadora me gustaría ver.

Y después tener detrás la verdadera causa por la que luchamos desde las Asociaciones de Bebés Robados cada día, intentando transmitir el drama de las maternidades robadas a una sociedad a la que durante muchos años se ha ocultado.

8- ¿Qué significa en este momento de tu carrera el ser comisaria?

Algo con lo que convivo con naturalidad. En estos momentos no me puedo imaginar mi vida sin esta parte… y eso que he estado muchas veces a punto de tirar la toalla, por desesperación, por agotamiento… Por sentirme David contra Goliat.

Me quita tanto tiempo a mi vida privada y a mi propia colección pictórica que no sé si sabría vivir de otra manera… Los que me conocéis sabéis de mi entrega rayando la obsesión…

Quiero pensar que esa parte también suma y enriquece el resto.

La verdad es que me siento totalmente responsable de no fallar a todos los que han confiado en mí.

9- ¿En qué medida el covid 19 ha modificado tu proyecto para llegar a la sociedad? ¿Crees que se puede recuperar el tiempo perdido? 

Creo que esta pandemia lo ha cambiado todo a todos los niveles, está siendo un parón del que nos va a costar salir y sobrevivir; en nuestro proyecto no es distinto… 

La mayoría de las cosas no se pueden poner en marcha otra vez todavía…

El tiempo perdido es algo muy significativo, sobre todo en nuestra causa… El tiempo perdido nunca se recupera y en esto si me estoy refiriendo a nuestros niños robados, pero tampoco podemos ahogarnos en el pasado, hay que luchar por el presente y el futuro… Estoy segura que en eso Abdul, tú eres capaz de entender mejor que nadie, por tu propia batalla personal también.

Sé que esta entrevista de alguna manera no trata ni de ti ni de mí, pero a la vez no quiero dejar pasar la ocasión de valorar tu gran cruzada por Siria y dejar patente mi gran admiración por tu causa.

CRÓNICA SOBRE LA OBRA DE ANA BELÉN GONZÁLEZ

«El vacío de tu ausencia» de Nistal Mayorga para encontrarte

La pintura es un estado mental, «un estado del alma» decía Joaquín Sorolla. El pintor que hace de su trabajo un estilo de vida. El regalo de ser pintor lleva total dedicación y entrega. Como lo hace Nistal Mayorga. Pintar no es fácil y requiere la atención absoluta de la mente y la mano en la observación fría, callada y constante. Hay que poder retener cantidades enormes de combinaciones de color, espacios y líneas. Es imprescindible dotarse de innumerables recursos técnicos, de precisos conocimientos de los materiales y mantenerlo todo ello vivo y actualizado para poder utilizarlo en el instante más inesperado. Pero aún en el caso de tener todo esto bien engrasado y al día, aun así, se corre el enorme riesgo de no saber parar a tiempo. El momento más crítico para un pintor es decidir cuándo ha llegado el momento de dar por terminado un cuadro.

Nistal Mayorga pinta desde el alma, y hace de la pintura su estilo de vida. Sus obras en los últimos años son meditadas, llenas de mensajes e imaginación. Obras personales dotadas de impulso, de fuerza, y de valentía. Pintora decidida, su evolución continuada en cada obra.  Y su inspiración se desarrolla en la ejecución, obteniendo una buena nitidez en la imagen como en el colorido, sean pinceladas gruesas en sus óleos, o pinceladas sutiles en sus acuarelas, todo es un colorido armonizado e intenso. Sus pinturas gozan de colores entonados, obtenidos por la mezcolanza de expresión y sentimiento en paralelo. A tono en el momento de su expresión romántica, con sensualidad en sus manifestaciones artísticas.

«Arlequín onírico» y «Espacio de magia y danza», por Nistal Mayorga

En el retrato hecho a mano es donde se ve la belleza del arte y la belleza ha sido, a lo largo de los siglos, una preocupación constante del ser humano y en especial para los pintores. Y cada artista lo identifica de forma distinta. Nistal Mayorga trata la expresión en las escenas e incluso de un sentimiento a través de una adecuada combinación entre dibujos y colores. El retrato es el tema más notable que conocemos desde los siglos: en el barroco, en el realismo o en el rococó, sin olvidar el romanticismo y el impresionismo. Es en este movimiento, el impresionismo, donde vemos la inspiración de la artista Mayorga. Observo en su pintura cómo se introduce en el alma del personaje y desde allí comienza a retratar la figura, con vigor y exactitud. La artista procura plasmar material de belleza y esta materialización provoca en quien contempla una obra una sensación de gozo, denominada, por algunos psicólogos “gozo estético”. Por otra parte, esta belleza es consecuencia de la inventiva de la creadora que intenta plasmar en su obra su propia concepción de la realidad, esto es, una parte de su espíritu.

El arte, debe decirse, no tiene límite, no tiene comienzo ni fin: no es más que la expresión de la creación concebida por el espíritu humano. Desde que existe una creación del espíritu, el arte se manifiesta filosófico y tiene como fuente el espíritu del autor.

Ana Belén junto a su «Autorretrato», «Granjero americano», «Tuareg» y «Maternidad en acuarela» también obras suyas

Nistal Mayorga domina bien el uso de las capas gruesas sin la necesidad de aplicar veladuras repetidas. El usar directamente capas gruesas señala un dominio del uso del color. Posee gran soltura en el retrato. Sin embargo, no muestra su total alegría por lo que consigue y apremia un descontento interior que sobresale, como un manifiesto que promete hacer más y mejor. Expone sensibilidad en sus pinturas, influenciada por los innatos sentidos sociales de humanidad.

Se observa dolor en sus pinturas, sentimientos nostálgicos, especialmente en las miradas de sus retratos. Es leal a la doctrina que dice: realismo es Verdad. Su Composición es meditada tema a tema, con una profunda imaginación. Capta temas fortuitos extraídos de la vida cotidiana. Traspasa las fronteras y elige tonos mágicos que deciden la armonía y el contraste con claridad.

Portada de la edición de septiembre de 2020 de la revista internacional Peón de Rey, realizada con dos de las obras de Nistal Mayorga y «Colección 20 campeones mundiales de ajedrez» hechos al óleo también por ella

Se destacan las obras de Nistal por la belleza natural y por sus pinceladas muy ricas en los tonos. Una artista que plasma los movimientos fugaces, los cambios que no retornan y la luz en cada momento. Buenos retratos hechos en armonía, excelentes perspectivas en sus paisajes. Tiene la capacidad de captar los susurros de las hojas del bosque. Y captar el pensamiento en sus figuras con esos toques propios.

Verdaderamente el arte es un espejo donde puede mirarse todo el mundo, el arte es el lenguaje de las almas. Y como admirador del arte, he disfrutado cuanto he podido de ver las obras que nos muestra Nistal Mayorga. Un poeta dijo: “nos gusta ser como las mariposas, pero siempre volvemos a la primera casa”. El realismo es más bello en ciertas manos, como en las manos de Nistal y lo hace con talento.

Abdul Kader Al Khalil

عبد القادر الخليل

Si quieres ver más de la obra de Nistal Mayorga visita su Blog o página web.

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Entrevista a Viky Taboada

Viky Taboada junto a su obra «Criando un vacío» para encontrarte

Entrevista realizada por Abdul Kader Al Khalil para encontrarte.

1-La primera pregunta es de obligado cumplimiento: ¿qué representó para ti el proyecto encontrarte? 

Ana Belén González me habló de la idea y, posteriormente, Roberto Zalbidea me dijo que contaba con mis pinceles para formar parte del proyecto. No tuve que pensarlo demasiado y supuso, inicialmente, un nuevo impulso. Este proyecto me llegó en un momento especial por problemas de salud y era un motivo para volver a arrancar de nuevo. Pero al introducirme más en él y conocer las historias de primera mano, que hasta ese momento solo conocía por la prensa, me sentí unida con el proyecto y con las personas que, considero, han vivido una crueldad sin límites. Por ello, supone orgullo poder participar en este proyecto, que creo que tiene mucho poder ya que creo que lo que se escucha enseguida se olvida, pero lo que se ve siempre impacta algo más.


2- Solo con ver tus obras por primera vez, comprendí tu admiración por la belleza de Bizkaia. ¿Cómo nació esta pasión?  

A lo largo de los años he pasado por distintas etapas; desde paisajes, flores o naturalezas, pasando por bodegones y figuras hasta llegar al mar. Pero realmente, nuestras costas y las de nuestros vecinos y, sobre todo, la ría actual y pasada es un tema que me atrapó. La ría es un elemento que ha definido la historia del Gran Bilbao, el cual es inconcebible sin ella, es una puerta al pasado y una mirada al futuro. Lo pinto y cuando acabo un cuadro ya me está esperando otro. El tema es inagotable ya que puede expresar diferentes cosas por su riqueza. 

3- Haciendo un repaso por tus obras encuentro en ellas aromas y olores del óxido. ¿A que se debe? 

Para mí, el óxido es la pátina del tiempo, el tiempo que marca mi vida. Y es una pátina familiar, vinculada a mí, porque es la pátina de los astilleros donde trabajaba mi padre y hermano, la pátina y el olor de los paseos por la ría. El óxido está lleno de matices, igual que mi vida. 

4- Nos ha impresionado tu obra “Criando un Vacío” donde representas el comercio no deseado. ¿Cómo te vino la idea? 

La obra es una denuncia en tono de pregunta y en la que se representan los culpables y los afectados. Sin tapujos. Nada es al azar en la obra. Los tonos fueron escogidos, fríos, para enfatizar la dureza del tema. Y el formato peculiar, utilizando el lienzo en dirección de rombo, apoya la perspectiva de la composición. 

Respecto al tema, está centrado en una historia concreta que pude conocer cuando nos presentaron el proyecto. Una madre nos explicó cómo le entregaron el cuerpo de su bebé, teóricamente muerto, en una caja de zapatos. Esta historia me impactó profundamente y por eso quise denunciarlo en mi obra. Los médicos tienen toda mi admiración porque son quienes nos curan en el cuerpo, pero por desgracia, como en todas partes, hay manzanas podridas y hay que denunciarlo. Por eso está plasmado en el cuadro, al igual que otros cómplices que aparecen en la obra. Además, en primer plano presté la imagen de mis propias hijas para representar a esas madres que no han podido criar y disfrutar de la vida de sus hijos, sujetando siluetas de bebés vacíos. 

5- ¿Qué recuerdas de tus inicios en la pintura? ¿Has tenido el apoyo necesario de los tuyos? 

Creo que he dibujado y pintado siempre. No podría diferenciar entre mis recuerdos cuáles fueron los inicios, es algo que siempre ha estado ahí, desde muy pequeña. Ha sido parte de mí. Por ello, fue una fácil decisión realizar los estudios en diseño de modas, donde pude formarme en diferentes técnicas que fueron ampliando mi aprendizaje, formándome en las bases del dibujo y color. 

He sido afortunada en cuanto al apoyo. Mis padres me apoyaron siempre y respetaron mi elección, algo que en esos años tal vez no fuera tan sencillo. Pero así fue, lo cual les agradezco enormemente. Más tarde mi marido e hijas se convirtieron en mis cómplices y tenemos recuerdos de aventuras preciosas en torno a la pintura y las exposiciones. 

6- Según mi visión, encuentro en tus obras un modo de reciclaje histórico y lo conviertes en algo del futuro. ¿Qué piensas de eso? 

No me planteo el marco temporal de las obras. Tampoco el futuro de mi pintura. Si algo he aprendido de esta pandemia es vivir al día, aunque sea de una manera digna. Es lo mismo que deseo para mi obra, pero sin plantearse demasiado qué se ha hecho, o dejado de hacer. Es cierto que utilizar pigmentos naturales y texturas con barnices mezclados por mí, en vez de usar mezclas comerciales, han dado un sello personal a mi obra, pero ha sido una decisión artística y no temporal. 

7- Es claro que posees vocación por la pintura y eres fiel a tu estilo, pero si te piden por encargo hacer algo diferente y de otro estilo, ¿lo harías? 

Siempre he pintado lo que el momento y el ánimo me han inspirado, pero es cierto que he tenido épocas con muchos encargos, sobre todo de retratos. También he hecho restauraciones, trabajos manuales y he dado clases en mi estudio y en centros oficiales. Por tanto, me veo como una artista muy polivalente, así que no he rechazado lo que me llegaba; más teniendo en cuenta que los encargos me han dado libertad económica para mantener mi estudio. Por otro lado, la persona que te encarga un trabajo conoce tu estilo y trayectoria y, por tanto, aunque inicialmente sea algo teóricamente diferente y te condicione ligeramente, siempre tiene tu toque. En cualquier caso, por desgracia, poco hay que plantearse sobre los encargos ya que cada vez escasean más con las crisis que se encadenan y que afectan fuertemente al arte. 

8- ¿Qué medidas impondrías para superar la crisis del arte? 

Es una pregunta compleja. Es natural pensar que hay necesidades más básicas y urgentes. Pero también es verdad que hay poca voluntad ya que el arte está considerado un artículo de lujo y ese es el peor error que se puede cometer. Debería de haber un cambio de paradigma para inculcar a los jóvenes el amor por el arte y acercarlo a la sociedad para comprender que el arte es uno de los valores más importantes de una cultura y una sociedad y que si se pierde, perdemos parte de la historia y la evolución humana. Sobre acciones más concretas, por supuesto, sería no grabar el arte con un impuesto tan alto. Por tanto, educación y menos impuestos, serían dos acciones a tener muy en cuenta para ayudar a la crisis del arte. 

9- Supongamos que puedes amar a dos comunidades por igual, y querrías poner en un cuadro las dos, por ejemplo, Galicia y Euskadi. ¿Qué pintarías? 

Sencillo, ya que no tengo que suponer, porque amo ambas comunidades. Galicia me vio nacer y ha sido una parte importante de mi vida. Euskadi es mi historia, donde he crecido y evolucionado como persona. En parte mis obras no son solo el sitio que se representan en un principio, sino que se evocan también recuerdos y experiencias de vida. Por ello, ambas comunidades están representadas. Cualquier paisaje marítimo son ambas tierras, culturas y personas. Cualquier obra que represente personas o naturaleza, son ambas, porque ambas me hacen a mí. 

CRÓNICA SOBRE LA OBRA DE VIKY TABOADA

«Criando un vacío» de Viky Taboada para encontrarte

Me complace tratar en esta crónica de hoy la trayectoria de una buena pintora como lo es Viky Taboada, mi amiga y compañera de exposiciones colectivas hace muchos años.

La obra de Vicky se puede clasificar en dos estilos pictóricos y a la vez se pueden encontrar en su obra dos influencias ambientales. En la técnica su pintura se manifiesta en lo Figurativo y en el Impresionismo. En cuanto a lo que describe su obra, hay que decir que es Impresionista en el ambiente histórico de Bizkaia, y figurista en lo social y humano.

Pinturas de Viky Taboada

La pintura Figurativa es aquella donde las imágenes que vemos en la obra son reconocibles. Son distinguibles: personas, animales, paisajes, objetos. De todo lo que define este estilo, la artista Viky plasma en sus pinturas paisajes de Bizkaia, en ambos lados del Nervión, los astilleros de Altos Hornos, el palacio de la Música, el museo Guggenheim y las aguas de la ría en su recorrido hacia el mar.

Esas figuras pueden estar deformadas, exageradas, simplificadas, e incluso utilizadas de manera simbólica, donde representan otra cosa diferente de la que vemos. Pero mientras distinguimos una figura, se trata de arte Figurativo. Lo Figurativo se entiende fundamentalmente en relación por su opuesto a lo Abstracto (en realidad, hasta la aparición del arte Abstracto en el siglo XX, no existía la definición de arte Figurativo porque no tenía sentido. Todo el arte era Figurativo)

Una selección del trabajo de Viky Taboada

Mientras, el Impresionismo se caracteriza por su presente experimentación con la iluminación. El manejo de la luz se considera un factor crucial para alcanzar belleza y balance en la pintura. Los cuadros impresionistas se construyen técnicamente a partir de manchas de colores, las cuales actúan como puntos de una policromía más amplia, Por ello, al observar sus obras es necesario mantener cierta distancia dejando así que aparezcan las luces, figuras y sombras. La aparición del Impresionismo ocurre como consecuencia de un gran cambio social; suceden una serie de transformaciones sociales: la revolución industrial como la primera causa. Y de estos paisajes industriales nos ofrece la artista Viky Taboada obras de los astilleros donde recuerda a sus familiares cuando trabajaban allí. Las manchas más bellas en sus obras impresionistas son las del óxido, el color que fue lo más notable del paisaje vizcaíno durante muchos años. Y Viky Taboada trata al óxido como pátina del tiempo, la pátina de los recuerdos,   

El estilo del Impresionismo se considera la ruptura con las normas clásicas en busca de un arte más moderno. En la obra de la artista Viky (“Criando un vacío”), que presentó para el proyecto encontrarte también vemos una gran ruptura, es la ruptura al silencio. Una obra realista donde retrata los culpables que han causado mucho dolor y mucha tristeza. Los describe sin tapujos, sin ambigüedades y sin miedo. No deja nada hecho por la casualidad o por el azar, más bien plasma una escena de lo que ha sucedido en la realidad. El Impresionismo abre los ojos del espectador a la técnica y también a la variedad  y a la captura de paisajes cotidianos vistos desde las imaginaciones de las perspectivas. Los colores son puros y poco mezclados.

Obra de Viky Taboada

El primero de los recursos pictóricos más destacados de la pintura Impresionista es la pincelada más gruesa y corta. La artista capta la esencia del movimiento, dejando a un lado los detalles, para crear sensaciones de profundidad.

Y para terminar, he de decir que la pintora Viky Taboada pinta lo que siente, porque posee una gran cultura visual y mucho conocimiento sobre el tema. No se preocupa de ser la primera o la mejor, pero sí en hacer lo que siente y lo que le gusta. En mi parecer veo que estudia profundamente el tema en su mente y después deja toda la libertad a sus pinceles, guiados por el sentimiento. Estas son cualidades especiales de los pintores valientes.

Abdul Kader Al Khalil

عبد القادر الخليل

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Entrevista a Amaia Cadenato

Amaia Cadenato

Entrevista realizada por Abdul Kader Al Khalil, artista e investigador, para encontrarte.

1.- ¿Qué ha representado para ti el proyecto de encontrarte?

El proyecto de encontrarte ha supuesto para mí todo un reto. Es una oportunidad de poder participar junto con un montón de artistas, para poder dar visibilidad a una problemática concreta. El tema de bebés robados. Una trama durísima, que concentra un dolor enorme en madres y padres, hermanos y familiares.

Es un asunto complicado de difícil solución. No existe ninguna voluntad de querer aclarar, resolver o apoyar a las familias. Es una lucha solitaria, ingrata– muy pocos casos se han resuelto-; los impedimentos y las trabas de las instituciones no ayudan.

Por eso es un honor poder gritar “¿Dónde está mi bebé?”.                                                                      

2.- ¿Cómo defines tu estilo artístico?

Desde pequeña me ha encantado pintar. Cuando estudiaba en la universidad (estudiando otra cosa) empecé con distintos artistas en sus talleres a aprender, pasando por el Museo de Reproducciones Artísticas de Bilbao con Manuel Balsa “El Ruso” y terminando con Richard. Dibujo, pintura: óleo, acrílico y acuarela. Me he inclinado por la acuarela, el agua, la fusión de los colores, la luz. Richard me hizo enamorarme de la acuarela.  Pinto tanto realista como impresionista y cada vez más impresionista.

3.- Todo artista intenta transmitir un mensaje en sus obras, ¿qué deseas transmitir tú en tu pintura?

Me gusta mucho la fotografía, e intento captar “momentos” mágicos. Son sensaciones mías: un rincón de mi ciudad, un juego de luces, una mar en calma o agitada, un paisaje, que luego tiendo a plasmar en un cuadro. Normalmente son lugares reconocibles, que en ese momento tienen valor para mí. Me importa mucho mi ciudad, Bilbao. Cuando era pequeña, no era un lugar amable ni bonito. Ahora está precioso y disfruto pintando sus rincones.

4.- Cuando haces una exposición, ¿qué sensaciones te produce antes de la inauguración? ¿Miedo, preocupación o felicidad? ¿Y por qué?

En parte preocupación, ¿gustará no gustará?, y ese gusanillo de que todo salga bien. El compromiso de que esté toda la obra preparada, bien enmarcada (bien vestida), todo a punto, catálogos, folletos y a partir de ahí a disfrutar.

5.- ¿Has alcanzado los sueños que llevabas al comienzo de tu trayectoria, o te ha defraudado el arte?

Mis sueños están todavía intactos. Mi vida laboral ha transcurrido por otros caminos, una familia a la que he dedicado tiempo, y he pintado, no lo que yo quería dedicarle. Dentro de poco me voy a jubilar y empezarán a realizarse mis sueños.

El arte no me defrauda nunca. Requiere constancia, esfuerzo, tiempo, dedicación. Y hasta ahora no he podido.

6.- ¿En qué te fijas al comenzar una obra, en cómo quedará el aspecto exterior, o en las emociones que puedes transmitir?

Diría que en las emociones que puedo transmitir. Qué sensaciones puede percibir el espectador; en el caso de la acuarela el juego de las transparencias para las marinas, o los colores para transmitir un mensaje, o un lugar con encanto.

7.- ¿Ha podido afectar la pandemia en tu pintura? Y si es así, ¿ha sido para pintar más o menos?

Dentro de una circunstancia tan extraña, a mí me ha beneficiado. Toda mi vida ha sido un sin vivir. No he tenido tiempo para nada. De repente todo se para, nos confinan, y precisamente lo que tengo es tiempo. Para conocer a mi hija, para cocinar, y he pintado relajada y disfrutando.

8.- ¿Volverías a participar en un proyecto como encontrarte y por qué?

Sin dudarlo volvería a participar en un proyecto como encontrarte. Durante toda mi vida me he comprometido en muchas causas, dentro de mis posibilidades y he participado activamente. Donde haya una injusticia y si puedo colaborar, estaré.

9.- ¿Crees que los artistas son privilegiados entre la sociedad, o solo es espejismo?

En el fondo hay de todo. Aquellos artistas que tienen nombre y fama son unos privilegiados. Se les compra por la firma no por lo que hacen. Hay muchísimos artistas que creen en lo que hacen y son capaces de transmitir y generar emociones, que llegan al público y merecen todo mi respeto.

CRÓNICA SOBRE LA OBRA DE AMAIA CADENATO

Amaia Cadenato junto a su obra Dónde estás corazón, para encontrarte

En el siglo XIX el ser autodidacta era un factor de orgullo, ya que implicaba una cierta ruptura hacia los cánones establecidos por las rígidas academias de arte en Europa de entonces. Este aspecto de auto didactismo va a ser también recalcado por algunos artistas formados por sí mismos. Mientras, en el siglo XX esto comenzó a transformarse en un ideal. Pero con doble cara; por un lado, un modo de orgullo para los autodidactas, sin menospreciar a los universitarios. Y por otro lado, no es suficiente ser académico sin amar el arte. “El arte nace y no se hace”. El arte es un don. DaVinci fue uno de los grandes autodidactas, no nos olvidamos de Van Gogh que aprendió el arte mirando lo que hacían sus compañeros, o el gran Munch, o el maestro del simbolismo, el artista Henri Rousseau quien no pintó nada antes de los 40 años. Entre ellos encontramos muestras de toda aplicación, referencias para la reflexión. Para cuando miramos una obra, debemos fijarnos en lo que vemos sin más, ya que el arte lo trabajan en mayor grado los autodidactas.  

De esta forma entiende el arte nuestra compañera Amaia Cadenato. Una artista que se hizo a si misma, llevando los estudios de arte en compañía de otras especialidades, ya que el arte es la vida como el pan, pero no se pude vivir de ello. Un tremendo peso el ser artista en nuestra época. A pesar de esto encontramos a buenos artistas que se esfuerzan cada día haciendo bellas obras como las obras de Amaia. Y sus obras nos permiten analizar las consecuencias reales sobre las creaciones. Nadie duda que un académico tiene el don de ser artista al superar los exámenes finales de su carrera, pero quién duda de los exámenes a los que se somete el artista autodidacta cada día de su vida, ya que cada exposición es un examen para ellos.

Varias obras de Amaia Cadenato

Amaia se ha aficionado al arte desde pequeña y su mayor fuente de influencia en el aprendizaje ha sido el Museo de Bellas Artes de Bilbao, No nos debe sorprender, ya que en el pasado vimos a grandes maestros del arte que han aprendido casi todo mirando los museos, tal como lo hizo Pierre Renoir. ”No tengo la culpa de que mis obras no se vendan” dijo Van Gogh. Yo añado: el artista de hoy no tiene culpa de la crisis, ni de que haya muchos artistas en el mundo. Particularmente pienso yo que debería haber el doble de artistas en el mundo, de esta manera habrá más paz y más belleza. Los artistas conservan las bellezas y no destrozan la historia.

Amaia Cadenato es licenciada en Economía y discípula del Profesor Richard. Se esforzó mucho para estudiar las dos carreras y aprendió todas las técnicas del arte. Nos ofrece bellas obras sencillas en su composición y sin ornamentaciones forzadas, eligiendo la técnica de la acuarela. Trabaja  sin complejos y sin buscar un estilo diferente, simplemente obras de bella ejecución, utilizando una de las técnicas más difíciles que hemos conocido en el arte y la más antigua, que es la acuarela. La acuarela es un término que etimológicamente deriva del latín “agua”. Es una técnica que ha gozado de gran popularidad ya que era la primera técnica usada en el mundo y sigue siendo la técnica noble hasta hoy, desde antes de los egipcios. El agua es el protagonista y el causante de su transparencia y luminosidad, dos características imposibles de conseguir casi con ningún otro medio.

Una selección de la obra de Amaia Cadenato

Dicho esto, debemos mirar las cualidades de la obra del artista con ojos limpios, es decir, sin preocuparnos sobre si esta realizado con uno u otro material, simplemente comprender su obra.

Es interesante mencionar la transformación que experimentan las obras de Amaia ejecutadas con esta técnica. Se trata del paso de la presentación de un aspecto muy vivo, a pesar de que no coinciden las opiniones sobre la acuarela. Sin embargo, la mayoría de los expertos en la técnica y en el análisis dicen que es la técnica mas compleja. Es la mejor manera para la representación de la luz y de la transparencia del agua. Debido a su condición acuosa, la fusión entre los distintos colores termina dando a la obra una belleza que no se consigue con otras técnicas. Su luz.

Abdul Kader Al Khalil

عبد القادر الخليل

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Entrevista a Fernando Alea

Fernando Alea posa con dos de sus obras.
Fernando Alea

Entevista realizada por Abdul Kader Al Khalil para encontrarte.

Hoy me complace entrevistar a mi compañero y amigo Fernando Alea.

1- ¿Qué representa para ti el proyecto de encontrarte?

Creo que es un proyecto de 24 amigos en común para algo verdaderamente importante. El arte da felicidad y en este caso busca justicia.

2- Montmartre es el lugar de culto para los artistas en Paris, ¿Crees que la calle mayor en Medina de Pomar se inspira en París?

Ya me gustaría, y desde luego yo voy a hacer todo lo posible para que así sea, aunque me pongan todas las pegas del mundo, que no es así porque casi siempre cuento con la colaboración de las autoridades y de todo el pueblo. Hablo con conocimiento de causa porque en su tiempo yo fui uno de los que estuvo en Montmartre.

3- Muchos lectores han conocido a Soria leyendo a Antonio Machado, o viceversa. ¿Crees que podemos conocer a Fernando Alea cuando se habla de Medina de Pomar y viceversa?

No tengo ningún interés, yo procuro pasar por la vida intentando ser lo más feliz que pueda y hacer lo que me gusta y en este caso he encontrado el lugar y la gente que me proporciona todo eso.

4- ¿Qué es para ti la naturaleza? ¿Y por qué te sientes atraído por Claude Monet más que por otros?

Siempre me ha gustado Claude Monet, Modigliani y Sorolla, como referentes en mi pintura. Últimamente hice un viaje a París con Alumnos de Marbella y fuimos a casa de Monet en Giverny y quedé fascinado de su jardín. Hice cantidad de fotografías que me han servido para hacer dos exposiciones en honor a él y espero que aún me quede alguna más.

5- Tú sabes que todos los artistas nos sentimos orgullosos de Velázquez, de Goya, de Picasso o de Pedro Berruguete, sin embargo, todos han sido profetas fuera de su tierra, ¿crees que seguimos despreciando el conocido?

Eso es muy normal, o ser reconocido después de muerto, pero un pintor tiene que vivir el gozo de pintar, no importa lo que pase, aunque sí debes ganar lo suficiente como para vivir tú y tu familia honestamente. Yo por lo menos nunca he buscada ni fama ni dinero, me conformo con otras cosas más humanas

6- ¿Crees que los artistas en general estamos unidos? ¿No debemos pedir mayor participación en la cultura?

Yo procuro ser amigo de todos los que conozco y tengo con casi toda una gran unión, la prueba es la cantidad de amigos que han colaborado en el Museo a Cielo Abierto de Medina de pomar. En cuanto a pedir mayor participación en la cultura, yo creo que es el punto flaco de los políticos, no se dan cuenta de lo importante que es para su pueblo tener cultura y educación. Creo que eso colabora a hacer más felices a los pueblos.

7- Entre el ayer y el hoy, qué destacarías del ayer para conservarlo, ¿y qué eliminarías del hoy y que nos sobra?

De ayer no quitaría nada porque hasta las cosas malas que han pasado, han hecho que hoy seamos como somos y estemos en este momento. En todo caso crítico la guerra y matar seres humanos sin ninguna culpa. Hoy quitaría tanta máquina y tanto móvil que nos hace perder el diálogo y el acercamiento a los demás.

8- París es la Meca del arte, ¿No crees que debe ser visitada por todos los artistas, y que recuerdos conservas aun de París?

Paris debe ser visitado por artistas, por relojeros, por carniceros y por ingenieros, es decir por todo el mundo, aunque el Paris que yo conocí en el año 62 del siglo pasado no tiene nada que ver con el Paris actual, mucho más limpio y más cuidado, pero con mucha menos alma y glamour del que yo conocí y del que me enamore.

9- Por último ¿Cuál es el cuadro que te gustaría pintar y aun no has pintado, y que cuadro tuyo consideras que es tu obra maestra?

Me gustaría haber pintado algún rostro de Modigliani, pero yo no creo que tenga ninguna obra maestra, soy un pintor que pinta y mi afán en la vida es vivir feliz y aprobar el minuto a minuto todo el tiempo que esté aquí. Me gustaría dejar un buen recuerdo. Nada más.

CRÓNICA SOBRE LA OBRA DEL ARTISTA

Madre

Hasta la llegada del impresionismo la pintura reproducía escenas de acontecimientos, Los Impresionistas estaban cansados de pasar su tiempo en los estudios, y cansados de pintar interiores, y también de pintar solo figuras humanas o bodegones, necesitaban libertad y no solo de pintar al aire libre que también, además libertad en salirse de lo académico, salirse de la formalidad, y libertad en sus creaciones, obras decididas por ellos mismos, y se centraron en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos y no en la representación exacta, ya que la luz tiende a difuminar los contornos.

La luz es el espíritu del arte y cualquier pintura es una combinación de luz y color. Quien observa las pinturas del artista Fernando Alea, verá claramente el significado de estas cualidades.

El artista Fernando Alea es uno de los mejores artistas del impresionismo. En su trayectoria, representa habilidades teóricas y prácticas en la iluminación del paisaje. Leal al concepto de conseguir una representación del mundo espontaneo. Y parte del análisis de la realidad.  A Fernando Alea no le importa el objeto, sino la variación cromática, los impresionistas eliminaron los detalles minuciosos y han seguido las formas, empleando para ello el azul, amarillo y rojo. Y los complementarios naranja verde y violeta. Consiguieron ofrecer una ilusión de la realidad, aplicando sobre el lienzo pinceladas de color cortas.     

El artista Fernando Alea pone especial atención en la personificación de las flores y jardines importantes para cambiar la iluminación en poco tiempo. Sus ojos dibujan un color verde limpio y con él las cosas simples que pasan en las horas diarias. Vemos su gran interés en el color casado con la luz.  Las primeras luces del impresionismo podemos encontrarlas en Venecia del siglo XVI y en la época del Barroco como en las pinturas de Halls y Velázquez. O en la pintura Inglesa de Constable y de Turner. O en la escuela de Barbizón en las pinturas de Corot.

Varias obras de Fernando Alea

Veo en Fernando Alea un gran interés en mostrar las cosas como si estarían en la atmósfera natural, y sus pinceles dibujan el aire entre una cosa y otra, Notable atención en las pinturas del artista Fernando Alea encarna la brisa que sacude las hierbas. Esta es la ventaja del gran maestro.

El impresionismo en su búsqueda de los nuevos temas, ha llegado a eliminar los temas mitológicos religiosos e históricos. Desaparecen los personajes mitológicos, y tampoco aparecen las escenas idealizadas de los pintores románticos. No dan importancia al detalle sino al conjunto, a la impresión general. Que suscita la realidad en el pensamiento.

El impresionismo vino de la pintura del artista francés Monet, que significa poner colores directamente sobre las telas sin depender de los dibujos, por lo que los colores son claros y limpios.  El color Es el que controla el espectáculo de las luces y sombras, y aquí, también, el artista Fernando nos da una lección útil de esta manera, y nos hace ver el reflejo de las cosas dentro del agua como algo divertido y pintoresco,

Fernando Alea utiliza la luz natural a pesar de que pinta en el interior. En cada una de sus encarnaciones, utiliza la iluminación natural como el artista Monet. Por eso es difícil ver y olvidar a un artista de esta escala. Es uno de los más grandes artistas en su diseño monumental.

Abdul Kader Al Khalil