Entevista realizada por Abdul Kader Al Khalil para encontrarte.

1- ¿Qué representa para ti el proyecto encontrarte y como lo defines?

Para mí el proyecto encontrarte representa la denuncia de unos acontecimientos que nunca tenían que haberse producido y que nunca deberían volver a repetirse. 

encontrarte es la voz de miles de personas representada a través de 24 obras de 24 artistas. 

Yo me siento muy orgulloso de formar parte de este proyecto que utiliza el arte como medio de expresión.

2- Nos complace saber sobre tus creaciones, ¿nos puedes definir tu estilo pictórico?

La verdad es que no sabría muy bien cómo definirlo. Digamos que es un estilo libre, propio, de fusión, que me permite hacer lo que quiero, de la manera que quiero. 

Yo soy autodidacta y he ido explorando la pintura por unos caminos muy íntimos y personales. He trabajado como fotógrafo, he estudiado publicidad, he desarrollado el dibujo, el color…y supongo que este es el resultado.

3- Cuando comienzas una obra, ¿en qué te inspiras?

Si la obra es abstracta, me dejo llevar por mis sentimientos, por mi energía… y voy trabajándola sin saber a dónde voy. Pero si es figurativa, a veces tengo algo en la cabeza y lo voy transformando según la obra me vaya pidiendo. Normalmente cuando empiezo una obra, no sé cómo va a acabar, no es una ciencia exacta. La improvisación es fundamental.

4- Si hablamos del covid 19, ¿de qué modo ha afectado a tu creación? ¿Piensas que ha transformado la manera de hacer arte?

Yo puedo hablar de mi propia experiencia. Supongo que a otros artistas les habrá influido de otra manera. 

En el momento del confinamiento, al no poder comprar materiales para pintar, he tenido que utilizar soportes y materiales que tenía por el estudio y utilizar otros medios como el digital, que ya venía utilizándolo a raíz de la lesión que me obligó a retirarme temporalmente de los pinceles. Y claro, descubres otro mundo lleno de posibilidades. Así que estoy en esa etapa de búsqueda y de exploración.

5- ¿A qué se debe la poca venta en el arte? ¿Acaso el arte es demasiado caro? 

Yo creo que es cuestión de prioridades. Hay arte caro y arte barato, pero desde luego los sueldos no dan más de sí. El paro, la precariedad laboral… no permite a la gente hacer muchos planes e inversiones. 

Una familia media no piensa en comprar arte, por mucho que le guste. No lo valoran como opción. Cada vez se gana menos dinero y hay muchas cosas por pagar. Se accede a aquello que se puede pagar a plazos, la compra, unas vacaciones, o un móvil. Y para decorar su casa, van a una gran superficie y arreglado. 

6- ¿Dónde ha sido tu primera exposición? ¿Y qué tipo de exposiciones te gustan más, las individuales o las colectivas? Si hablamos de los deseos, ¿dónde te gustaría hacer tu próxima exposición?

Mi primera exposición fue en el año 2002 en la Fundación Gregorio Sánchez, en Madrid. 

Respecto a las exposiciones individuales o colectivas, las dos me gustan mucho. Las individuales, que es el modelo que más he llevado a cabo, me gustan porque me permiten proyectar en esos espacios un concepto, y eso es un reto que te hace superarte, porque tienes que tomar tú todas las decisiones. 

Las colectivas, porque como en este caso, estar rodeado de gente tan grande, me hacen sentir mejor de lo que soy. Conocer otros artistas, oírlos hablar de su experiencia, ver sus pinceladas, sus trayectorias, son un respaldo y una experiencia para todos los sentidos. 

Ahora mismo no estoy pensando mucho en exponer. Quiero volver a ello, pero no tengo ninguna prisa y tampoco ninguna preferencia.

Cada sitio aporta algo. Indudablemente una galería o una sala de exposiciones cuida mucho la luz, el espacio, te publicitan, etc. Pero yo he expuesto mucho en bares y la experiencia ha sido muy positiva. Es una forma de acercar el arte a mucha gente que no acude a esas galerías o salas de exposiciones. 

Cualquier lugar resulta interesante si te tratan con respeto. Mi deseo es seguir exponiendo, no me importa mucho donde. El caso es mostrar la obra, pues encerrada en el estudio, solo se llena de polvo y resignación. 

7- El color es como las cuerdas de una guitarra, que nos hacen sentir sensaciones. ¿Qué deseas que transmitan tus colores?

Fuerza, pasión, reflexión, energía, vida. El color es magia. Si no lo trabajas bien el mensaje cambia. Para mí el uso del color es muy importante, pues en él reside la fuerza de lo que hago. Yo no soy un gran dibujante, por lo tanto, el color es mi firma. Cuando alguien ve un cuadro de algún artista y le recuerda a mi obra bien sea por el color o porque no tiene rostro, me alegra mucho, porque veo que le ha calado. 

8- Me gustaría preguntarte en qué momento has decidido ser artista. ¿O es que ha sido desde niño? 

Supongo que se ha ido forjando desde niño. No te levantas un día y dices, voy a ser artista. Desde niño he dibujado y pintado y aunque no he estudiado nada relacionado con la pintura, sí que me ha apasionado tanto, que poco a poco fui profundizando en los materiales, las luces, las sombras, los colores… y así me he ido dedicando a esto. 

No hay un interruptor que conectes o desconectes. Supongo que es una forma de mirar, de sentir, de ver la vida, que nos hace únicos y diferentes. 

9- Generalmente, aparece en tus obras las figuras femeninas. ¿Por qué has tomado esta decisión al ser artista multidisciplinar?

Digamos que es una etapa de mi vida que, como todo, tuvo su comienzo y ha tenido su final. No quiere decir que no vaya a pintar más desnudos femeninos, pero ahora estoy explorando otras posibilidades utilizando otros medios (como he dicho anteriormente), y utilizando otros soportes.

Creo que es importante que haya esa evolución porque si no, nos aburriríamos y aburriríamos a la gente. Creo que lo más importante, es que haya pasión en aquello que se hace, que haya sentimiento. En el momento en que esa pasión pierde su fuelle, buscas otra opción que te vuelva a hacer sentir que estás vivo.

CRÓNICA SOBRE LA OBRA DEL ARTISTA

Desde el comienzo de la historia, el arte ha sido sometido a la lógica de la perspectiva deseando reproducir la realidad visible. Con mayor y mejor acierto ha ocurrido en la pintura desde el siglo XIII, basando sus producciones en la tecnología, la ciencia y la filosofía. La llegada del siglo XX marcóel Inicio de una era artística en la que los artistas buscaban nuevos lenguajes para una nueva era que escapaba de los paisajes naturales y del figurativo clásico. 

El artista Sergio Llorente ama la libertad. Y no se contenta con ir a la estructura de las cosas, quiere ver la verdad escondida bajo la conciencia. Escoge temas tomados del realismo y se parecen a un sueño, en las que no hay contradicciones entre el pasado y el presente. O entre el hoy y mañana.

Nuestro amigo Sergio Llorente desde su iniciación se ha movido en el estilo abstracto y luego ha pasado al figurativo expresivo, y de nuevo se inclina por lo abstracto.  Todos sabemos que el arte figurativo es el arte representacional, es lo contrario al arte abstracto.  Lo figurativo generalmente es lo más entendible por la mayoría de la gente. Pintar imágenes reconocibles, lo que se entiende en el movimiento realismo artístico, con su tendencia personal que elige sus figuras de forma personal y lo entendemos como un estilo idealista. 

En cuando al arte abstracto, se puede afirmar quees un concepto general opuesto al concepto del arte figurativo, que remite lo más esencial del arte, reducido a sus aspectos cromáticos formales. La abstracción acentúa las formas abstrayéndolas, y las pone lejos de la imitación o reproducción. Rechaza cualquier forma de copia, ya que pierde esencia y la conciencia del artista que la ha creado, si esto sucede por otro artista.

El artista Sergio Llorente es un pintor autodidacta, lo cual es de aplaudir por el esfuerzo que hace en una época que cuesta mucho al artista hacerse hueco. Merece todo mi respeto y apreciación por este gran esfuerzo, y en su favor le doy lasgracias a los artistas autodidactas que hacen llenar las salas de exposiciones en el mundo, y también,por supuesto,los académicos. Pero no olvidemos que muchos académicos en los últimos años  han obtenido los títulos pero no el título de ser artistas. El artista verdadero es quien produce sin descanso y a pesar de las dificultades,como lo hace Sergio Llorente. No olvidemos que muchos maestros del arte han sido autodidactas: Henri Rousseau, William Blake, Benjamín Palencia, y Antoni Tapies, entre muchos.

Para un pintor, ser abstracto no significa transformar todos los objetos naturales, sino consiste en sacar la luz, las relaciones que existen entre dichos objetos.  Para entender lo abstracto es necesario que contemplemos primero. En la pintura figurativa las modalidades de la representación son la relación con el lenguaje. En esta, las líneas y los colores se articulan para construir unidades significativas que remiten destacamento a la realidad. El referente es el objeto; el nivel de las formas reales son el sistema de referencia. Por otro lado, el abstracto rechaza la representación figurativa, el punto de contacto que tenía la pintura con el lenguaje.

El arte abstracto es el arte de la emoción, del sentimiento. Se puede decir quees lo que más se ajusta a la sociedad actual;el arte que sirve para reflejar lo que dice nuestro interior, sin la necesidad de recurrir a las formas del pasado. El abstracto no tiene que ser comprendido para ser valorado, pero también tiene que ser estudiado, pensado y no serel producto de la casualidad. Y, de cualquier manera, si dejamos alo casual ser el protagonista, estamos diciendo que el artista es quien mancha colores y no es el que nace. 

Nunca desaparecerá el arte figurativo, es la esencia del realismo en la historia, y nunca se puede poner puertas al campo, es la libertad. Para mí no existe un estilo bueno o malo, solo existe el arte bien hecho, y cualquier pintura es bella si esta bien hecha, sea en el estilo que sea.  Solo así entiendo el arte. 

Abdul Kader Al Khalil